arrebato de cine original

arrebato de cine original...

2008-12-27T23:50:00.000+01:00

_Hace tiempo intenté convencer a mi mentor cinematográfico para que escribiera sobre cine en una revista. Con mis dotes de persuasión intactas fue él quien me convenció a mí para escribir, por entregas, una pequeña historia del cine.
_Lo digo con cariño, me siento agradecido. Debo tanto al cine y a las personas maravillosas que he conocido que siempre me siento en deuda. ¡Gracias al cine, a la red, a la gente maravillosa que me ha animado, que he conocido gracias al cine, y gracias a ti, que estás leyendo estas palabras, porque sin ti este rincón no tendría sentido!.
_Aunque esto es poco para lo que el cine merece, espero que sea un escalón lo bastante sólido, y animo a todo el mundo a escribir su propia pequeña historia del cine, y a seguir los rastros que voy dejando. Esto es un iceberg, lo que se ve es una pequeña parte de lo que el cine es... aunque espero que sea más bien una antorcha, transmitir el fuego, que prenda en otros corazones.
_Y sin más, siempre incompleta, una pequeña historia del cine y más cosas en este pequeño (¡qué grande es el cine!) rincón de cine.

una pequeña historia del cine

2008-12-27T00:24:00.003+01:00

La palabra (Ordet), de Carl Dreyer

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una pequeña historia del cine (1895-2008)

-sam ordet
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1ª parte (1895-1930)
_Todo empezó el 28 de diciembre de 1895 en el 14 del bulevar de las Capuchinas de París cuando los hermanos Lumière colocaron un rótulo encima de la puertecilla por la que se bajaba al sótano: “Le cinematographe Lumière. Entrada, un franco”.
_Aquel sótano podía albergar a un centenar de personas, pero apenas se acercaron 33. Quienes asistieron se encontraron con un gran paño blanco y una caja de madera con una lente. La proyección comenzó. Al principio apareció una fotografía pero al momento empezó a moverse y todos se asombraron. “La salida de los obreros de la fábrica Lumière” fue la primera proyección. Las películas duraban entre 1 y 3 minutos. En esta primera sesión se proyectó “La llegada del tren” y, al acercarse el tren, algunas señoras gritaron asustadas como si fuera de verdad y otros protestaron porque creían que era un truco de ilusionismo. Pocos días después ya había una gran cola. Era un éxito.

Meliès, Segundo de Chomón y la fantasía
_Meliès fue una de las 33 personas que acudieron a la primera sesión de cine. Intentó comprar el cinematógrafo de los Lumière pero ante su negativa acabó comprando otro en Londres. Accidentalmente descubrió el primer truco cinematográfico cuando el aparato se atascó y al revelar la película vió que donde había un hombre aparecía una mujer... Descubrió gran cantidad de trucos y se dedicó a realizar películas fantásticas llenas de magia e imaginación desbordantes. Muchas estaban pintadas con colores, a mano, fotograma a fotograma. Entre 1896 y 1915 realizó más de quinientas películas, incluida su obra maestra “Viaje a la Luna”. Como a tantos otros pioneros, el éxito le acarreó imitadores, plagiadores y saqueadores, que copiaban sus películas sin pagarle nada, y acabó arruinado y olvidado hasta que un periodista lo reconoció vendiendo caramelos en una estación de tren. Al final Meliès recibió el homenaje que merecía y fue acogido en una casa de ancianos hasta su muerte.
_Otro gran pionero fue el español Segundo de Chomón, quien vivía en París en 1895 y quedó fascinado por el invento de los Lumière. Aplicó su enorme imaginación al desarrollo del cine, siendo contratado por la compañía Pathé, que quería competir con Meliès, realizando películas fantásticas, dicho sea esto en todos sus sentidos. Realizó películas sorprendentes como “Eclipse de sol” (1905) o su obra más recordada: “El hotel eléctrico”(1905), y fue pionero del traveling, e incluso del morphing pues en “La licuefacción de los cuerpos duros” (1909) convirtió a un hombre primero en un monigote de alambre y finalmente en una masa informe. Dado su innegable talento como fotógrafo, creador de efectos especiales, trucos, e iluminador a color (creó un sistema de coloreado luego conocido como Pathécolor) fue contratado después para trabajar en Italia, donde siguió realizando contribuciones importantes en obras fundamentales del momento como “Cabiria”. Un visionario, un iluminado.

Acciones paralelas
_En 1903 el cine ya avanzaba por el camino del realismo en películas como “Asalto y robo de un tren”, de Porter, en la que ya aparecen acciones paralelas y primeros planos. Poco a poco el cine se convierte en industria del espectáculo y la figura del productor empieza a ser importante. Mientras, Hollywood es el refugio de los cineastas independientes perseguidos por el monopolio del cine que pretendía explotar Edison. Por otra parte, en Europa, se crea el film de arte con la realización de reconstrucciones históricas como “Los últimos días de Pompeya” (1908), de Maggi y “Cabiria” (1914) de Pastrone, que influyó en Griffith.
_D.W. Griffith entendió que el cine es el arte de contar por medio de imágenes en movimiento y utilizó las imágenes para relatar mejor los argumentos. Incorporó la sensación de velocidad haciendo tomas cada vez más cortas, la angustia, el suspense... Sus dos obras maestras fueron la colosal, exitosa y racista “El nacimiento de una nación” (1914-5) e “Intolerancia” (1915-6), que desarrolla, a través de cuatro historias ambientadas en distintas épocas, la crítica de ese crimen que es la intolerancia. La película arruinó a Griffith porque estaba avanzada a su tiempo: las historias no se narraban una tras otra sino que se cruzaban gracias al montaje, pero “Intolerancia” sigue siendo una de las cumbres del cine mudo. Poco después filmó una obra maestra llena de sensibilidad, y un dramatismo sobrecogedor, en una de las películas que han hecho, hacen y harán del cine una expresión de la poesía de la vida, la inolvidable "Lirios rotos / La culpa ajena" (1919).

El cine cómico y Charles Chaplin
_El primer film cómico fue “El regador regado”, de los Lumière, pero el cómico más exitoso entre 1906 y 1925 fue Max Linder, que interpretaba a un caballero en apuros. Después vendrían cómicos como el gran cara de palo Buster Keaton, con maravillas como "La ley de la hospitalidad" (1923), "El moderno Sherlock Holmes" (1924), "Siete ocasiones" (1925) y su obra maestra más recordada “El maquinista de la general” (1927); Harry Langdon, Harold Lloyd en la increíble "El hombre mosca"(1923) y uno de los grandes mitos del cine, Charles Chaplin.
_Charles Chaplin llega en 1914 a ese “agujero escondido” que era Hollywood y en apenas 3 años su talento le lleva al éxito. Tiene 28 años y ya es millonario pero quiere más y exige hacer películas con total libertad, lo que le llevaría lejos del Hollywood industrial. Su humanismo aparecería en films tan críticos como “Tiempos modernos” (1935) y “El gran dictador” (1940). Como Charlot, Chaplin creó un personaje humano, lleno de contradicciones, un vagabundo que no pide ni trabaja porque quiere ser un caballero, un hombre de nuestro tiempo que no tiene familia ni amigos, ni sabe de dónde viene ni adónde va. En Chaplin destaca también el humorismo, con el que nos hace reír cuando nos podría hacer llorar, como sucede en “El chico”, en la que todo el ambiente es sórdido y triste pero Chaplin nos pone una sonrisa en los labios. Chaplin fue perdiendo el respaldo del público y siguió dirigiendo maravillas lejos del Hollywood establecido dada su ideología socialista-comunista.

El expresionismo
_En Europa se realiza un cine de calidad que une realismo y fantasía. En “La carreta fantástica”, de Sjöstrom, los paisajes y las cosas representan el espíritu de las personas como si tuvieran alma. Los alemanes llevan aún más lejos el expresionismo con “El gabinete del doctor Caligari” (1919) de Wiene, que expresa el mundo como lo siente, no como lo ve. También en Alemania, Fritz Lang dirige sus primeras películas, entre las que destacan “Las tres luces” y “Metrópolis” (1926), auténtico hito de la ciencia-ficción ambientada en un futuro horrible... no tan futuro. Todavía en Alemania aparece la figura de Murnau, quien dirige obras maestras del cine de terror como “Nosferatu”, del cine psicológico como “El último” (1924), y ya en Estados Unidos una película tan sencilla y maravillosa como “Amanecer” (1927), una bella historia de amor.
_En la actualidad el expresionismo no ha desaparecido y sigue aún vigente, y con éxito, en la animación, los entrañables, maravillosos y lúcidos dibujos animados, creados por “mayores” que aún conservan la mirada pura y profunda de la infancia. http://arrebatodecineoriginal.blogspot.com/2007/11/breve-historia-de-la-animacin.html

El realismo y el surrealismo
_El realismo puro es el documental. En EE.UU., Flaherty explora las regiones árticas y filma “Nanuk el esquimal” (1922). En la Unión Soviética, Vertov realiza el llamado “cine ojo” con películas como “El hombre de la cámara” en las que muestra lo que sucede en el momento en que sucede. El cine realista con argumento tiene en Francia a directores como Feyder y Epstein.
_También en Francia comienza un cine transgresor y vanguardista encabezado por Man Ray, Germain Dulac y René Clair con “Entreacto”, que pretenden expresar ideas y sensaciones sin la narrativa convencional, pero son los españoles Buñuel y Dalí quienes provocan el impacto de “belleza bárbara, elemental, la luna y la tierra del desierto donde la sangre es más dulce que la miel”, como alguien dijo, con “Un perro andaluz” (1929), película sin argumento lógico y convencional compuesta de imágenes oníricas, desagradables, terribles y poéticas que más allá de su provocación expresan una liberación del subconsciente. “Un perro anduluz” marca un antes y un después en la historia del cine. Al año siguiente Buñuel dirige, con la colaboración de Dalí, “La edad de oro”, manifiesto del surrealismo cinematográfico que fue un puñetazo a todo lo establecido, a las convenciones sociales opresoras, al ejército, a la iglesia, a la patria, que acaban ridiculizadas o tiradas literalmente por la ventana. “Un perro andaluz” fue un impacto, “La edad de oro” una declaración de principios que Buñuel mantuvo con coherencia durante toda su filmografía, que él entendía una expresión de poesía como todo aquello que “pueda contener de sentido liberador, de subversión de la realidad, de umbral al mundo maravilloso del inconsciente, de inconformidad con la estrecha sociedad que nos rodea”.
_Mientras, el cine ruso había realizado obras maestras de la calidad de “El acorazado Potemkin” dirigida por Eisenstein en 1925, en la que el montaje consigue momentos de una fuerza y angustia quizá inigualables. También en Rusia, Aleksandr Dovjenko realiza la magistral "La tierra" (1930). El realismo se combinó con la psicología y el expresionismo de manera ejemplar en “La pasión de Juana de Arco” (1928) del danés Dreyer, película agotadora de un realismo angustioso y maravilloso.

El apogeo del Hollywood industrial
_Mientras en Europa el cine avanzaba, en Hollywood los productores se hicieron poderosos y establecieron el sistema de las estrellas para conseguir más público, y el de los géneros, muy definidos, para conseguir un público clasificado. Había que encajar en el sistema y quienes no lo hicieron, como Erich von Stroheim, no dirigieron más. Stroheim dirigió obras maestras como “Avaricia” (1925), avanzadas a su tiempo, amargas, irónicas, ideológicas, violentas y largas, que fueron mutiladas por los productores. Hollywood ya no era (ni lo es) el refugio de los independientes (¿o habría que decir de poetas y subversiv@s?) sino una industria a la que llegaron muchos de los poetas europeos que enriquecieron el cine con su talento: Lubitsch, Murnau, Fritz Lang (quien se adaptó sin traicionarse y realizó una brillante etapa americana con obras de la categoría de “La mujer del cuadro”), Luis Buñuel, que nunca llegó a dirigir en Hollywood... pero el arte y la poesía ya sólo aparecerán, casi por error, por despiste de lo establecido o fuera de Hollywood.

La historia continúa
_El cine aún tenía que avanzar técnicamente con la incorporación del sonido a finales de los 20 y del color a finales de los 30... pero eso ya es otra historia, la misma que continúa.
En el próximo capítulo (1931-1955) el cine será sonoro y poco a poco el color lo inundará todo. El blanco y negro (blanco, negro y una enorme gama de grises) irá desapareciendo y las palabras y la música serán, poco a poco, a veces tan importantes, o más, que las imágenes.
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2ª parte (1931-1955)
_En los años treinta el cine sonoro se impone definitivamente y en 1935 se estrena “La feria de la vanidad”, primer film en color. El color aún tardará en generalizarse aunque “Robin de los bosques” (1937) y el éxito de “Lo que el viento se llevó” (1939) enseñan al mundo las maravillas del technicolor. Sin embargo películas tan emblemáticas como “La palabra” o “La noche del cazador” son aún en blanco y negro. Algunos cineastas prefirieron el blanco y negro para no distraer al espectador con los colores, para mantener una atmósfera más sombría, por su elegancia, porque a veces soñamos en blanco y negro, por su valor testimonial... Otros tuvieron que rodar en blanco y negro por motivos económicos.

Ironía, fatalidad, poesía e irreverencia
_En Estados Unidos brillan los talentos de Lubitsch, Lang, Ford y los Hermanos Marx. Ernst Lubitsch realizó comedias sutiles, irónicas, sofisticadas, satíricas e inteligentes de la maestría de “Un ladrón en la alcoba” (1932), “Ninotchka” (1939) y “Ser o no ser” (1942), su obra más recordada, que le hicieron merecedor de la expresión “toque Lubitsch”.
_El alemán Fritz Lang dirigió obras de una maestría cada vez mayor con títulos como“Furia” (1936), “La mujer del cuadro” (1944) y “Los sobornados” (1952), en las que siempre planea la sombra de la fatalidad, el destino y la lucha del individuo contra sí mismo. Lang realizó un cine que casi siempre tropezó con la política de los grandes estudios y con la taquilla, pero siguió dirigiendo contracorriente y acabó en Alemania mientras los jóvenes de la “nouvelle vague” (en el próximo capítulo) le homenajeaban.
_El norteamericano John Ford fue uno de los grandes del cine, no sólo del Hollywood de la época, para muchos el más grande. Filmó “cosas sencillas que son importantes”, con naturalidad y sencillez, en largometrajes como “La patrulla perdida” (1934), "El juez Priest" (1934),“El delator” (1935), “La diligencia” (1939), “Las uvas de la ira” (1940), “El hombre tranquilo” (1952)... Uno de esos poetas que nunca habla de poesía. En sus propias palabras “un campesino que hace películas de campesino”. Un maestro.
_Y los Hermanos Marx... Los Hermanos Marx no dirigían sus películas pero ya desde “El conflicto de los Marx” sacudieron e hicieron temblar todos los cimientos, con la ferocidad, irreverencia y sentido del absurdo que tanto impresionaron a los surrealistas. Sus mejores obras fueron “Sopa de ganso” (1933) de Leo Mc Carey, quien comprendió perfectamente su estilo, y “Una noche en la ópera” (1935) en la que el camarote se abarrota de gente... Poco a poco fueron perdiendo inventiva y parodiaron la maravillosa “Casablanca” (1942), de Curtiz.

El mundo cambia de rumbo
_El mundo se dispone a entrar en guerra otra vez, mientras el gran director francés Jean Renoir filma las magistrales "Una partida de campo" (1936) y "La regla del juego" (1939).

_En Alemania, antes de la consolidación nazi, la directora Leontine Sagan rueda una arrebatadora declaración del deseo femenino hacia otras mujeres: "Muchachas de uniforme"(1931).

_En 1941, “El halcón maltés”, de John Huston, inicia el cine negro, en el que la muerte, el delito y las mujeres fatales se intuyen a través de la neblina que crea el humo de los cigarrillos. Este mismo año el cine experimenta el advenimiento de Orson Welles, quien con 25 años revoluciona el cine por completo con su primer film, “Ciudadano Kane”, obra maestra de un hombre genial, desmesurado, múltiple, que en sus películas –sobre todo en sus adaptaciones shakespearianas “Macbeth” (1948) y “Otelo” (1952)- exorcizaba sus demonios... como él mismo decía: “os habéis preguntado en qué me habría convertido si hubiera obedecido a mi personalidad”. Orson Welles también acabó rodando lejos de Hollywood.
_También en EE.UU. destaca Billy Wilder (que estés en los cielos), observador lúcido, ingenioso y sarcástico que, casi siempre certero, no se queda en la misantropía o el pesimismo y retrata a una humanidad pecadora y mejorable pero viva en películas negras como “Perdición” (1944) y “El crepúsculo de los dioses” (1950). Y por el otro lado, el de la comedia, aún con tintes negros, el gran Frank Capra filma la magistral "Arsénico por compasión" (1944).
_En Italia se inicia el neorrealismo con “Obsesión” (1942) de Visconti, y sobretodo con “Roma, ciudad abierta” (1945) de Rossellini, y “Ladrón de bicicletas” (1948) de Vittorio de Sica, que retratan un país destruido por la guerra, ruinas y miseria. El neorrealismo, a medio camino entre el documental y el cine clásico, se rodó en exteriores, con iluminación natural y actores a menudo no profesionales.

Sabiduría oriental
_En la década de los 50 el cine oriental empieza a ser reconocido en occidente. En Japón destacan Kurosawa, Mizoguchi y Ozu, cineastas que nos descubren un cine de gran humanidad y naturalidad. Akira Kurosawa realiza obras maestras como “Rashomon” (1951), película que abre el camino a todo ese mundo ignorado hasta entonces y, entre otras,“Los siete samurais” (1954), que será adaptada en EE.UU. como “Los siete magníficos”. Mientras, Kenji Mizoguchi, artista exigente y genial, filma las magistrales “Vida de O-Haru, mujer galante” (1952) y “Los amantes crucificados” (1954).
_Yasujiro Ozu es el máximo representante del cine japonés, aunque el más desconocido. Empezó en el cine mudo y poco a poco fue depurando su estilo hasta hacer “desaparecer” la cámara, filmando con la cámara puesta a la altura de un hombre en cuclillas, prescindiendo de fundidos, travellings y panorámicas. “Viaje a Tokio” (1953) es su obra maestra más admirada, auténtica joya del cine mundial en la que consigue el equilibrio entre la realidad del nuevo Japón occidentalizado y su mirada comprensiva de un mundo que se desmorona.

Pequeños milagros
_En estos años Fellini rueda “La strada” (1954), en la que muestra el desamparo humano; Mankievick rueda una obra maestra sobre el mundo de la farándula: “Eva al desnudo” (1951); Stanley Donen y Gene Kelly dirigen el maravilloso clásico del musical “Cantando bajo la lluvia” (1952), Howard Hawks sigue con sus obras geniales y filma "Me siento rejuvenecer" (1952) y Charles Laughton dirige su única película, “La noche del cazador” (1955) obra misteriosa y aterradora en la que la sombra del mal se cierne como algo más que una amenaza. Mientras, Jacques Tati con su genialidad y lucidez maravillosas sorprende con "Las vacaciones de M. Hulot" (1953), una verdadera obra maestra llena de buen humor, calidez y alegría de vivir.
_El cine español recibe el reconocimiento internacional con “Bienvenido Mr. Marshall” (1952), un clásico lleno de subversión, frescura, ironía y lucidez dirigido por Berlanga, y “Muerte de un ciclista” (1955) de Bardem, película en la que el sentimiento y la ideología van cogidos de la mano.
_En 1955 el francés de origen alemán Max Ophuls, autor de una brillantez, originalidad y personalidad desbordantes, filma su última película, “Lola Montes”, en la que resume su visión del mundo: “la vida, para mí, es movimiento”. También este año Carl Dreyer realiza “La palabra”, película en la que agnósticos, ateos y creyentes asistimos y experimentamos el milagro final de esta obra humana y luminosa que no se cierra en sí misma sino que se abre a todos. Y es que Dreyer nos presenta un milagro que sólo sorprende a quienes han perdido la inocencia, y nos recuerda que la verdadera sabiduría está en los ojos de los niños, que asisten al prodigio con naturalidad.

La historia continúa
_En el próximo capítulo (1956-2008), el cine atravesará transformaciones importantes de la mano de Antonioni, Godard, la nouvelle vague, el underground... Los efectos especiales a menudo irán alejando la inocencia y la poesía del público... pero siempre queda alguien y, casi siempre desde los márgenes, habrán autores que crearán un cine propio en el que el arte y la técnica buscan la Poesía.
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3ª parte (1956-2008)
_En 1956 John Ford filma uno de sus westerns más memorables, “Centauros del desierto”, Robert Bresson filma su espiritual obra maestra "Un condenado a muerte se ha escapado", Bardem retrata la España de la época en “Calle Mayor” y “El séptimo sello” descubre a Ingmar Bergman, cineasta sueco que al año siguiente rueda “Fresas salvajes”, para muchos su obra maestra. En estos años el cine inglés se libera con el movimiento “free cinema”, que promueve un mayor compromiso social, con "La soledad del corredor de fondo" (1962) de Tony Richardson. Ken Loach, heredero de este espíritu, ha denunciado la opresión y la injusticia en títulos como “Vida familiar” (1971) y más recientemente en “Tierra y libertad” (1995). Stanley Kubrick dirige la humanista y antimilitarista “Senderos de gloria” (1957) y llevará la ciencia ficción a un delirio audiovisual difícil de superar con “2001, una odisea del espacio” (1968).

La nouvelle vague y la aventura de la vida moderna
_1959: críticos de “Cahiers du cinema” revolucionan el cine con películas que deliberadamente rompen la narrativa tradicional para expresar la fragmentación de la vida moderna. Es la “nouvelle vague”. Jean-Luc Godard con “Al final de la escapada”, que marca un antes y después en la historia del cine, se inspira en el cine independiente americano (Nicholas Ray, Samuel Fuller...) y con el tiempo se convertirá en el más radical, reflexivo y poético en largometrajes como “Pierrot el loco” (1965), “Alphaville” (1965) y “Todo va bien” (1972) en la que reflexiona sobre su militancia política. Godard, aunque más alejado de crítica y público, experimentó incluso con el vídeo. Aún en activo, con la lucidez, honestidad intelectual y frescura que le caracteriza, como prueba su maravillosa “Nuestra música” (2004) y nunca olvidado, como reconocen Tarantino o Kim Ki-Duk, sus primeros films fueron la ruptura renovadora que hace posible el cine actual.
_Este mismo año, el gran François Truffaut filma “Los cuatrocientos golpes” -seguirá rodando obras vivas, magistrales, como "Tirad sobre el pianista" (1960), "Jules y Jim" (1962), Fahrenheit 451" (1966) o "El pequeño salvaje"(1970)-, Alain Resnais realiza “Hiroshima mon amour” y, en Italia, Michelangelo Antonioni rueda “La aventura”, que causó una conmoción en Cannes. Antonioni logró expresar la incomunicación de la vida moderna. En sus siguientes films, entre los que destacan “La noche” (1961) y recientemente “Más allá de las nubes” (1994), -codirigida junto al director de “Paris, Texas” (1984) y “Lisboa Story” (1994), Wim Wenders-, Antonioni se ha ido convirtiendo en un cineasta introspectivo y reflexivo pero a veces tan responsable de la soledad y alineación en un mundo perdido, confuso, sin alma, como el que expresan sus películas.

_En EE.UU. el inquieto underground americano ve aparecer "Sombras" (1960), de John Cassavettes, aún rodada en blanco y negro pero creadora de nuevos caminos, y (también en blanco y negro) la sensual y poética celebración de la vida "Flaming creatures" (1963) de Jack Smith.

Nadie es perfecto, pero Wilder y Buñuel...
_Mientras en Europa el cine cambia, en la India el director Satyajit Ray termina su trilogía de Apu con “El mundo de Apu” (1959), en la que sigue fiel a su estilo sencillo y natural. Este mismo año Billy Wilder filma “Con faldas y a lo loco”, maravilloso delirio que termina con su conocido “Nadie es perfecto”. Después seguirá reflejando y mejorando nuestro desquiciado mundo en “El apartamento” (1960), “Uno, dos, tres” (1961), “Primera plana” (1974), “Fedora” (1978) y “Aquí un amigo” (1981) con una mordacidad entrañable e hilarante que desgraciadamente no tiene sucesor. Retirado desde hacía años, no le dejaban dirigir, Fernando Trueba afirmó cuando recogió el óscar por “Belle epoque” (1992), que no cree en Dios, cree en Billy Wilder. Un mito.
_Luis Buñuel llega a su madurez con “Nazarín” (1958), “Viridiana” (1961), para muchos su mejor obra, “El ángel exterminador” (1962), “Tristana” (1970), en la que nos hace ver que no hay dos cosas iguales y expresa, con la maestría de un espíritu único, su manera de ver la vida... “El discreto encanto de la burguesía”, que recibe el óscar de Hollywood (eran otros tiempos), “El fantasma de la libertad” (1973), en la que no hay argumento... Con su muerte se perdió mucho más que la mirada del siglo Xx, el siglo que no merece las mayúsculas, se perdió a un espíritu de vida con “horror a comprender”, para quien los 4 jinetes del apocalipsis serían la superpoblación, el cientifismo, el tecnologismo y la información-espectáculo... para quien “En alguna parte entre el azar y el misterio se desliza la imaginación, libertad total del hombre” (y de la mujer). Nadie es perfecto.

Poesía, erotismo y solemnes payasadas
_Hitchcock rueda algunas de sus películas más recordadas: “Vértigo” (1958) y “Psicosis” (1960), en la que perpetra un horrible crimen al compás de los violines asesinos de Bernard Herrmann. Orson Welles filma las magistrales “Sed de mal” (1958), “El proceso” (1962), a partir de una novela de Kafka, en la que refleja el absurdo y tiranía de lo establecido, y “Campanadas a medianoche” (1966) rodada en España.
_Berlanga sigue deslumbrando con sus obras maestras “Plácido” (1961) y “El verdugo” (1963), en las que su humor caústico, ácido y esperpéntico reflejan la inmoral España de la época en la que la caridad y la pena de muerte eran habituales. Después filmaría su magistral y malentendida “Tamaño natural” (1973).
_Carl Dreyer rueda su último poema, el largometraje “Gertrud” (1964), que cierra una filmografía maravillosa, espiritual, coherente, luminosa...

_El cine italiano vive una época dorada con “El gatopardo” (1963) de Luchino Visconti, la magistral "8 1/2" (1963) y “Amarcord” (1973), de Fellini, en la que refleja su vitalidad y recuerda su infancia acompañado por la música de Nino Rota, que podría ser, como alguien dijo, la música que se escucha en el cielo... y “El último tango en París” (1972) de Bernardo Bertolucci, un manifiesto lleno de rabia, de poesía mutilada por lo establecido, una burla de todas las “solemnes payasadas”, como dijo Lewis Carroll, una negación de la historia en un mundo en el que cuando algo termina vuelve a empezar. Una obra maestra afirmadora y provocadora.
_Mientras el cine polaco deja huella en la cinematografía mundial con magníficos clásicos como "Cenizas y diamantes" (1958) del gran Andrzej Wajda, "El manuscrito encontrado en Zaragoza" (1964) de Wojciech J. Has, y las inquietantes, misteriosas y maliciosas películas de Roman Polanski “El cuchillo en el agua” (1963), “Repulsión” (1965) y “La semilla del diablo” (1968) con las que ahonda en lo más oscuro y enfermizo del ser humano.

_El celuloide arde, y aviva algo más que los ojos, en películas sexuales clásicas del gran Gerard Damiano, como la cómica "Garganta profunda", la dramática "El diablo en la señorita Jones" (1973) y la ambiciosa "Historia de Joanna" (1975), sin olvidar la mítica"Tras la puerta verde" (1973) de los hermanos Mitchell, la sensual "Barbara Broadcast" (1977) de Henry Paris...

_Mientras el nipón Nagisa Oshima aún va más lejos con "El imperio de los sentidos" (1976), una obra maestra natural y sincera -franca en la expresión sexual- sobre el amor, la pasión y el deseo. Una película inolvidable y admirable.

_Y en el lado experimental y vanguardista del cine, el gran Chris Marker crea un fotorelato para la historia con "La Jetée" (1963) y el maravilloso clásico del film-ensayo "Sin sol" (1982), en el que una vez más expresa, entre muchas otras cosas, su amor por Japón.

El justo medio
_Los años 70 descubren un cine de gran impacto visual en el que destacan films tan logrados como “Harry el sucio” (1971) de Don Siegel, protagonizado por Clint Eastwood, quien con el tiempo dirigiría “Bird”, su homenaje al jazz con la figura del gran Charlie Parker, y “El diablo sobre ruedas” (1971), en la que el debutante Steven Spielberg consigue una obra de una tensión que no ha logrado repetir.
_Mientras, el cine clásico sigue representado, entre otros, por Akira Kurosawa, quien rueda la maravillosa “Dersu uzala” (1975), y Mankievick, que realiza “La huella” (1972), con la que consigue una obra maestra que, como “El principito” de Saint-Exupéry, está formada por varios niveles y puede verse como un ligero pasatiempo o como una profunda reflexión sobre el juego de la vida... Interpretaciones geniales, el talento capaz de llegar al público quedándose en el justo medio, sin ser vulgar ni elitista, acercando una obra valiosa, profunda pero asequible. Una joya.
_En estos años Woody Allen dirige “Annie Hall” (1977) y la maravillosa “Manhattan” (1979), con las que empieza su etapa de madurez, que continuará con obras maestras como la inolvidable "La rosa púrpura del Cairo"(1985), “Hannah y sus hermanas” (1986), “Balas sobre Broadway” (1994) y la dramática "Match point" (2005), en la que aborda con maestría la influencia del azar en nuestras vidas. Woody Allen es, entre otras cosas, una de las cabezas más lúcidas de la actualidad, aunque afirma que el cerebro es su segundo órgano favorito... y el prototipo de cierto hombre contemporáneo, más intelectual, cultivado, inseguro, vulnerable, narcisista...
_Mientras, en España, Bigas Luna filma su obra maestra “Bilbao” (1979), película sucia, obsesiva, enfermiza y magnética, que no ha logrado igualar en sus siguientes intentos... Y este mismo año Iván Zulueta dirige “Arrebato”, obra imposible de limitar con palabras, en que quizá sólo el título pueda intentar expresar la intensidad, el delirio, la extraña magia de esta obra maestra única, incomparable, inexpresable...
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Retorcido talento

_En 1964 el western se ve sacudido por la irrupción vigorosa y llena de talento de Sergio Leone, quien, con su trilogía interpretada por Clint Eastwood y la música de Ennio Morricone: "Por un puñado de dólares" (1964), "La muerte tenía un precio" (1965) y "El bueno, el feo y el malo" (1966), redefine el género e imprime con brillantez algunas de las páginas más apasionantes de la historia del cine, increíble unión de cine de autor con todas las letras y autor popular de grandísimo éxito comercial. Leone coronaría su filmografía con una nueva obra maestra: "Érase una vez en América" (1984), que posee una memorable, embriagadora y turbulenta atmósfera.
_En 1982, “Blade Runner”, de Ridley Scott –también director de la magnífica “Los duelistas” (1977)- con la música de Vangelis, se desmarca de la corriente más superficial de la ciencia-ficción con una historia llena de poesía, capaz de emocionar, y de expresar al ser humano contemporáneo.
_En estos años termina la poco conocida filmografía de Tarkovski, que luchaba contra “la ausencia, en nuestra cultura, de espacio para la existencia espiritual” con películas a veces irregulares como “Sacrificio” (1986), y este mismo año David Lynch filma “Terciopelo azul”, una de las películas más apasionantes de la década, en la que consigue dar rienda suelta a su complejo y retorcido talento, con una historia enfermiza y perversa recorrida por la demencia.

Contacto con la tierra
_El cine español de las últimas décadas ha contado, entre otros, con José Luis Garci, galardonado con el óscar por “Volver a empezar” (1982); Víctor Erice, director de las magistrales (lástima que ruede una película por década) “El espíritu de la colmena” (1973), “El sur” (1983) y “El sol del membrillo” (1992); Pedro Almodóvar, director de la exitosa “Mujeres al borde de un ataque de nervios” (1988), cronista de la movida madrileña en sus inicios y oscarizado por “Todo sobre mi madre” (2000); Fernando Trueba (véase Billy Wilder) también director de “El sueño del mono loco”, a partir de un guión muy elaborado con referencias a Peter Pan; David Trueba, guionista y director de “La buena vida” (1996); Fernando León de Aranoa, que dirige “Familia” (1996) en la que desborda ingenio, alegría, imaginación y nos anima a jugar a las nubes; Juanma Bajo Ulloa, director de “Alas de mariposa” (1991) y Julio Medem, una de las miradas más creativas del cine europeo, con películas como su arriesgado debut “Vacas” (1991), y otras más irregulares como “La ardilla roja” (1992), “Tierra” (1995), o “Los amantes del círculo polar” (1998), en la que las vidas son casualidades, el círculo es símbolo de la vida, los nombres empiezan como acaban, como su apellido... el destino.

Kiarostami, Kitano, Kaurismaki, Kim Ki-Duk y el cine independiente
_El iraní Abbas Kiarostami, uno de los cineastas más importantes de la actualidad, se da a conocer con “A través de los olivos” (1994), tercera parte de su relato que incluye “¿Dónde está la casa de mi amigo?” (1987) y “...y la vida continúa” (1992). Después vendrán las magistrales “El sabor de las cerezas” (1997), una de las obras maestras de la década, y “El viento nos llevará” (1999), en la que sigue fiel a sí mismo, con esa mezcla casi imposible de improvisación, inteligencia, sencillez, planificación y obra inacabada que puede “completarse gracias al espíritu creativo de los espectadores”. El universo de Kiarostami es siempre un manantial lleno de vida que afirma la vida, imperfecta, siempre a medio hacer (en un mundo dominado por el mito de la perfección), a través de un cine coherente, abierto, que escapa de “las historias impecables que funcionan perfectamente” pero “imposibilitan intervenir al público”. Un poeta que nos invita a ser poesía, a ser vida que se deja recorrer por la vida.
_El japonés Takeshi Kitano filma en estos años sus magistrales y personalísimas “Violent cop” (1989), “Hanna-Bi”(flores de fuego) (1998) y “El verano de Kikujiro”(1999), en las que ahonda en un cine en el que, como en la conducta humana, se dan la mano un sentido del humor infantil, capaz de provocar carcajadas, junto con una violencia y crueldad explícitas y brutales, y finalmente, el cariño, la ternura y la poesía que todo verdadero ser humano lleva en su interior.
_El finlandés autodidacta Aki Kaurismaki rueda emociones de contrabando con un estilo sencillo, lacónico, pues considera que en el mundo hay “demasiado movimiento, demasiadas palabras” en películas breves y maravillosas como “La chica de la fábrica de cerillas”(1989) y “Agárrate el pañuelo, Tatiana” (1994) en las que se expresa con honestidad, lejos de efectismos, con la pureza de una de las miradas más bellas y amorosas de nuestros días.
_El coreano Kim Ki-Duk crea películas de una poesía, belleza y crudeza conmovedoras en títulos que, como “La isla” (2000), y “Hierro 3” (2004), le valen poco a poco el reconocimiento internacional.
_Mientras, el cine francés cuenta con Eric Rohmer, proveniente de la nouvelle vague, que termina sus cuentos de las cuatro estaciones con un pequeño milagro: “Cuento de invierno” (1992), y con la magia que desprende la maravillosa “Amelie” (2001), de Jean Pierre Jeunet, una de esas películas que, como el magnífico film-ensayo “Nuestra música” (2004) de Godard o “El viento nos llevará” de Kiarostami, nos llena de buenos sentimientos, de ternura, de alegría y nos ayuda a ser mejores personas.
_Y en EE.UU. el cine independiente se hace eco del insomnio americano, sobre todo a través de Jim Jarmusch y sus obras de culto "Extraños en el paraíso" (1984), "Mistery train" (1989), y sus recientes "Dead man" (1995) y "Ghost dog: el camino del samurai" (1999), y también aporta films como “Clerks” (1994), de Kevin Smith, película desbordante en la que sorprende su humor caústico pero ingenioso y su apariencia ligera en un film profundo rodado con pocos medios pero con muchas ganas y talento; “Smoke” (1995), en la que Wayne Wang y el escritor Paul Auster defienden el tabaco y expresan la vida, cambiando constantemente de forma como el humo de los cigarrillos; y sobre todo el éxito (algo excesivo) de “Pulp fiction” (1994) de Quentin Tarantino –director de culto tras “Reservoir dogs” (1992)- en la que descarga su recorrido cinéfilo (entre otras cosas su productora lleva el título de un film de Godard) y su visión de la violencia... Tarantino presume de haber aprendido a rodar viendo cine. No ha querido ser consumido por el éxito y con su siguiente film, “Jackie Brown” (1997) prueba que quiere moverse en todas las direcciones, como el viento. Después con “Kill Bill” (2003-4), sorprende e impacta visualmente, aunque propuestas más creativas e imaginativas como "La ciencia del sueño" (2006), de Michel Gondry, o la magnífica "El ladrón de orquídeas" (2002) de Spike Jonze, aportan una mirada aún más fresca al cine y a la vida.

La última ruptura, por el momento, y la revolución digital
_En Dinamarca, a finales de los 90 se promueve una nueva manera de hacer cine basada en un decálogo, autodenominado Dogma, que impone un cine, cámara en mano casi siempre, que tiene el aspecto de un vídeo doméstico.“Celebración” (1998) de Thomas Vinterberg, es la primera obra dogma y refleja los sórdidos trapos sucios de una familia acaudalada, mientras que la provocadora boutade “Los idiotas” (1998) de Lars von Trier, autor de “Rompiendo las olas” (1996), desvaría a menudo y se muestra autocomplaciente a la vez que crítica y corrosiva con la hipocresía de la sociedad. Ambas son las primeras muestras de esta dogmática y liberadora manera de hacer cine en la que la espontaneidad y las interpretaciones son mucho más importantes que los efectos especiales, pero que ni siquiera Lars von Trier ha continuado en su maravilloso musical “Bailar en la oscuridad” (2000), ni en su original “Dogville” (2003).
_Como ocurrió con Godard y Antonioni, el movimiento Dogma supone una ruptura y una alternativa, un camino abierto a nuevas posibilidades pero, aunque sea un necesario grito salvaje en un mundo en el que la poesía se considera un anacronismo cuando lo que en realidad ocurre es que sentir está pasado de moda, no es la gran revelación sino una alternativa a menudo amanerada que se rebela en vez de revelarse. El cine, como la vida, necesita revelaciones, no rebeliones.

_Por otra parte, la más reciente e importante de las revoluciones en el cine actual es tecnológica. Se trata de la consolidación del cine digital, pues esta tecnología permite abaratar costes (el cine es muy caro) y rodar incluso toda una película del tirón, sin ningún corte, como magistralmente ha mostrado Aleksandr Sokurov en "El arca rusa" (2002). La creatividad ya no se verá limitada por la duración del rollo del entrañable, pero limitado, celuloide, y el cine en teoría será más asequible para autores audaces y con talento que no dispongan de un fuerte respaldo económico.

La vida continúa
_El futuro será parecido al presente. El cine taquillero incluirá cada vez más efectos especiales, movimientos veloces, mucho montaje... Conviene recordar lo que dijo Hemingway: “Nunca confundas movimiento con acción”. El cine del futuro aún tendrá a poetas que en vez de fabricar éxitos fugaces crearán obras llenas de vida. Abundará lo fácil y escaseará la poesía, como siempre, pero la vida continúa...

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_alguna bibliografía consultada y/o recomendada
Los secretos del cine, VV.AA. coordinado por Román Gubern (Editorial Pala, 1974)
Historia del cine (vol. 1 y vol. 2), Román Gubern (Editorial Lumen, 1973)

Historia del cine experimental, Jean Mitry (Fernando Torres Editor, original 1971)
Diccionario del cine, VV.AA. (Editorial Rialp, traducción del diccionario Larousse, 1991)
Guía del vídeo-cine, Carlos Aguilar (Cátedra, 1999 -7ª edición)
Guia del cine, Carlos Aguilar (Cátedra, 2006) un libro muy pero que muy imprescindible...

Películas del cine mundial, Augusto M. Torres (Espasa, 2005)

Diario de cine, Jonas Mekas (Fundamentos, 1975)
1001 películas que hay que ver antes de morir, VV.AA. coordinado por Steven Jay Schneider (Grijalbo, 2006)

Guía del cine español, Carlos Aguilar (Cátedra, 2007)

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- http://www.imdb.com/ y decenas de webs, blogs, revistas... y amor al buen cine
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directores para la historia: ROGER CORMAN

2008-12-26T00:07:00.001+01:00

_Roger Corman, nacido en 1926, es quizá el ejemplo más destacable de una trayectoria cinematográfica, llena de éxitos comerciales y críticos, al margen de los grandes presupuestos y los cauces convencionales del cine hollywoodiense.
_Cuando se piensa en la excusa del dinero para eludir la falta de talento, emerge la figura de Roger Corman para demostrar una y otra vez que se pueden hacer obras maestras con poco dinero pero mucho talento. Corman, como quien no quiere la cosa, ha dejado una filmografía impresionante, dando muestras constantes de que se puede hacer muy buen cine con poco dinero, porque el buen cine se hace con algún dinero (poco o mucho) pero siempre con mucho talento.
_Hay que señalar que, además de su labor como gran realizador norteamericano, justamente reivindicado por la crítica, y con un talento genial para el tratamiento de las escenas oníricas, Corman ejerció de mentor cinematográfico de cineastas como Scorsese, Coppola, Bogdanovich... por citar sólo a algunos, y de actores como Jack Nicholson y Robert de Niro. Además, a su paso por American International Pictures y luego en New World, desde los márgenes de la industria, desde la gloriosa serie B, ensanchó las perspectivas cinematográficas de la conservadora norteamérica, con sus propias producciones y estrenando en EE.UU. importantes realizaciones europeas de directores de la talla de Bergman, Fellini...
_Roger Corman, a quien hay que considerar un director de primer nivel, todo un artista, tuvo el secreto de su éxito en el talento. El talento del que supo rodearse, con el mérito de ver antes que nadie el talento de otros cineastas y artistas, y de fomentarlo sin envidias, y por supuesto el talento propio que derramó en numerosas películas, en especial de terror y ciencia-ficción. Además de un director para la historia del cine, todo un ejemplo para quienes amamos el cine y para quienes quieren hacer cine.
_Su filmografía es estimulante e inmensa, y señalar unas pocas películas algo injusto, pero "Not of this earth" (1957), "The undead" (1957), "The last woman on earth" (1959), "La caída de la casa Usher" (1960), "The little shop of horrors" (1960), "El hombre con rayos X en los ojos" (1963), "La máscara de la muerte roja" (1964), "La matanza del día de San Valentín" (1967) y "Mamá sangrienta" (1970) quizá sean sus obras más logradas. Y entre ellas hay clásicos, obras maestras y películas admirables. Especialmente memorables son sus ya clásicas peliculas de ciencia ficción, y sus obras de terror basadas en Edgar Allan Poe.
_Para profundizar, de todas formas, en la filmografía seleccionada que sigue, recomiendo acudir a más fuentes, por ejemplo su propio libro:
-Roger Corman. Cómo hice cien films en Hollywood y nunca perdí un céntimo, Roger Corman y Jim Jerome (Laertes, 1992 -original 1990)
Y también la clásica y cada vez mejor:
-Guía del cine, Carlos Aguilar (Cátedra, 2006)
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filmografía seleccionada
Cinco pistolas (1955)
The day the world ended (1956)
The gunslinger (1956)
It conquered the world (1956)
Attack of the crab monsters (1957)
Not of this earth (1957)
The undead (1957)
Teenage caveman (1958)
A bucket of blood (1959)
The last woman on earth (1959)
La caída de la Casa Usher (1960)
The little shop of horrors (1960)
Creature from the haunted sea (1961)
The intruder (1961)
Historias de terror (1962)
La obsesión (1962)
El péndulo de la muerte (1962)
El cuervo (1963)
The haunted palace (1963)
La máscara de la muerte roja (1964)
Secreta invasión (1964)
La matanza del día de San Valentín (1967)
The trip (1967)
Mamá sangrienta (1970)
El barón rojo (1971)
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http://www.imdb.com/name/nm0000339/
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el problema

2008-12-23T10:07:00.000+01:00

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El problema es que la televisión amalgame y convierta en papilla informe la realidad, la ficción, lo fundamental, lo secundario, el divertimento y la reflexión.
_Jean Renoir
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directores para la historia: RUSS MEYER

2008-12-22T00:01:00.000+01:00

_Nacido en 1922, el inquieto, cinéfilo y apasionado del busto femenino, Russ Meyer, tras la segunda guerra mundial fue fotógrafo para la revista Playboy. Iba bien encaminado el hombre, pues es conocido por dirigir y escribir películas satíricas, de bajo presupuesto pero originales y atrevidas, con actrices de pecho más que generoso. Sobre las casi imposibles tallas de sujetador de sus protagonistas (y entonces no se hacían implantes de silicona) el director relató en cierta ocasión que abandonó la virginidad en un burdel y eligió, obviamente, a la que tenía las tetas más grandes. Ante la duda…
_Sus películas, exitosas y hasta reivindicadas por la crítica especializada, trascienden, tras su etapa como director de nudie films, la común sexploitation, y son más cómicas y ácidas (incluso a veces recuerdan a los cartoon de ritmo endiablado) que sexuales. Sus películas son divertidas y animadas fantasías eróticas.
_Meyer era un exponente de la contracultura americana de su tiempo, según él la persona que más había hecho por la decadencia de la sociedad americana, a la que criticaba con sorna en sus películas, vivos y personales recorridos cinematográficos llenos de humor y alegría de vivir.
_Sin lugar a dudas era un autor, y su éxito fruto de una gran soltura con la cámara y con el montaje, a menudo creativo. Aunque empezó con nudies como “The inmoral Mr. Teas" (1959), se afianzó con el clásico “Faster, Pussycat! Kill Kill! (1965), y luego continuó la senda con la también clásica “Vixen!” (1968), más tarde “Cherry, Harry & Rachel” (1970), la exitosa “Beyond the valley of the dolls” (1970) y “Supervixens” (1975), entre otras. Sin embargo, la censura de la época lo perseguía por pornográfico, aunque más bien era erótico y cómico, incluso en su tratamiento de la violencia.
_Afortunadamente inclasificable, como tantos directores relacionados con el erotismo, Russ Meyer gozó de una larga vida y murió en 2004, con 82 años.
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http://www.imdb.com/name/nm0000540/
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directores para la historia: GERARD DAMIANO + pioneros del cine sexual

2008-12-18T00:00:00.005+01:00

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GERARD DAMIANO
_Gerard Damiano, nacido en Nueva York en 1928, llegó al cine sexual tras embarcarse en la marina, y ser peluquero en Queens. En las habituales conversaciones de peluquería, sus clientas se quejaban de sus maridos, y según Damiano su trabajo de peluquero le hizo comprender mejor a las mujeres. Se dedicó a realizar cine sexual, convirtiéndose en el director más destacable del hardcore, porno o cine sexual.
_En 1972 realizó en 6 días y con 25.000 dólares el clásico “Garganta profunda”, que sin embargo para él no era su preferida. La película causó sensación y también escándalo, siendo aclamada y disfrutada por audiencias increíbles en los cines, y en el género, abriendo un debate sobre la libertad de expresión y llevando a un proceso judicial verdaderamente ridículo. La repercusión sociológica de la película llevó a darle el título de la película al confidente del caso Watergate. Probablemente sea la película más rentable de la historia del cine, dado que lleva recaudados cientos de millones de dólares, pero más allá de su éxito se trata de un film con un desparpajo enorme y mucho humor. A su éxito contribuyeron las inolvidables presencias de Linda Lovelace y Harry Reems. Una película ya mítica.
_En 1973, el director y guionista, rueda su segunda obra maestra de la edad de oro del cine sexual, “El diablo en la Srta. Jones", que, lejos del tono divertido y efervescente de su primer gran éxito, empieza en un dramático y sangriento suicidio, con una actriz de 37 años, Georgina Spelvin, que pide al diablo… Aunque menos conocida, se trata de una película antológica que reflejó el intento de llevar el cine sexual más cerca del arte que de la industria, propósito en el que Damiano insistió con “Memories within Miss Aggie” (1974) y la clásica “Historia de Joanna” (1975), con influencias de Bergman y Hitchcock, implicaciones sadomasoquistas, y la audacia del gran pionero que fue al incluir, además del lesbianismo, la homosexualidad masculina, lo que provocó destrozos en varios cines y la escena eliminada en varios montajes.
_Sus títulos posteriores son menos conocidos y aclamados aunque destacan “Fantasy” (1979) y la futurista “Satisfacciones de Alpha Blue” (1981), que se considera una obra maestra, aunque en la edición en dvd se eliminaron escenas de sexo políticamente incorrecto.
_En activo en el género hasta mediados de los 90, se retiró de la industria y se le pudo ver en el imprescindible documental de Fenton Bailey y Ray Barbato “Dentro de Garganta profunda” (2005), en el que hablaba sobre las vicisitudes de la película sexual más vista de todos los tiempos.
_Gerard Damiano falleció en 2008, a la edad de 80 años.
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filmografía
http://www.imdb.com/name/nm0198790/
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interesante artículo de Paco Gisbert
http://www.clubcanalla.com/canalla/paco%20gisbert/blog/entradas/el-viejo-jerry/342766?_33_redirect=%2Fcanalla%2Fpaco%2520gisbert%2Fblog%3Fp_p_id%3D33%26p_p_action%3D0%26p_p_state%3Dnormal%26p_p_mode%3Dview%26p_p_col_id%3Dcolumn-2%26p_p_col_count%3D1%26_33_struts_action%3D%252Fblogs%252Fview%26_33_keywords%3D%26_33_advancedSearch%3Dfalse%26_33_andOperator%3Dtrue%26cur%3D2&
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+ PIONEROS DEL CINE SEXUAL
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JIM y ARTIE MITCHELL
_ Aunque hicieron más películas, a Jim Mitchell (1943-2007) y Artie Mitchell (1945-1991) les bastaría con haber filmado "Behind the green door" (1973), una de las obras maestras de la trilogía de oro del cine sexual, para entrar con méritos propios en todas las antologías, no sólo sobre el hardcore. Con esta increíble película, que debe tanto a la inventiva de los hermanos Mitchell como a la inolvidable Marilyn Chambers, crearon una obra imprescindible en el cine sexual, casi un hito fundacional del género.
_Los hermanos Mitchell, más allá de los escándalos y asuntos turbios (incluído el fratricidio), han legado títulos ya clásicos al género, y aunque no siempre colaboraron en todas las películas, en esta breve pero intensa selección de títulos, los he decidido unir como buenos hermanos.
_En realidad, fue Jim quien empezó, pues trabajaba en un cine al que bastantes hombres iban para ver desnudos. Atento, empezó vendiendo fotos de chicas, más tarde rodó cortos sexuales para los peep shows, y finalmente los hermanos Mitchell compraron, en 1969, el O'Farrell Theater, dedicándose a la exhibición de material sexual, tratando con referentes de la contracultura como el dibujante Robert Crumb y levantando un imperio de salas de exhibición, pues además del O'Farrell (llamado el "Carnegie Hall del sexo") tuvieron otras 10 salas. "Tras la puerta verde" costó 60.000 $ y recaudó unos 25 millones, de dólares. Mucho dinero pero, la verdad, es una película impagable.
_Tras el éxito y reconocimiento de crítica y público (incluso se proyectó en Cannes) de "Tras la puerta verde", se reencontraron con su musa Marilyn Chambers en otra joya de la edad de oro del cine sexual, "Resurrection of Eve" (1973), en la que incluso ofrecieron un papel a un reputado actor con bagaje shakespeariano, lo que demuestra una vez más que el cine sexual de los 70 se codeaba con el cine convencional en vez de estar marginado, despreciado y relegado al video como en la actualidad. Hubo un tiempo en el que el cine sexual aspiraba a integrarse en el cine establecido, y era excitante, no sólo para lo evidente sino también para la imaginación. Tras esta película son memorables "Autobiography of a flea" (1977), el mediometraje "Beyond the Sade" (con la mítica Chambers), y en los ochenta la clásica "G-spot" (1985), con un reparto estelar, incluyendo a Harry Reems (de "Garganta profunda"), John Holmes (en quien se inspiró "Boogie nights"), Traci Lords (que era menor de edad y acabó diciendo que todo lo hizo drogada) y Ginger Lynn, que afirmó sobre Lords: "acabó acostándose con todos los miembros del equipo", y también que "parecía disfrutar con lo que estaba haciendo".
_En la edad de oro del cine sexual, desde los 70 a mediados de los 80, los hermanos Mitchell (y también el maestro Gerard Damiano) intentaron que el cine sexual estuviera más cerca del arte que del mero negocio, y lo consiguieron con creces.
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filmografía seleccionada
Behind the green door (1973)
Resurrection of Eve (1973)
Sodoma & Gomorrah (1975)
Autobiography of a flea (1977)
Beyond the Sade (1979)
G-spot (1985)
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http://www.imdb.com/
http://www.iafd.com/
http://www.adultfilmdatabase.com/
http://www.avn.com/
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ALEX DE RENZY
Alex de Renzy, nacido en 1935, fue una de las figuras más importantes en la historia del cine sexual. Ya en 1970 con "Censorship in Denmark- A new approach" y la recopilación documental de cine sexual desde la época muda "History of the blue movie" se encaramó como uno de los directores más interesados en la representación explícita de la sexualidad, ejerciendo incluso de padre espiritual de todos aquellos que se dedican al porno. Con "Censoship in Denmark" abordó las costumbres sexuales danesas y con "History of the blue movie", los smoke films o cortometrajes licenciosos que se filmaron en los Estados Unidos durante la prohibición. Aclarar que en EE.UU. a las películas sexuales se les llamaba "blue movies". En los setenta, además de documentar se lanzó a la dirección con títulos ya clásicos del género como "Fantasy girls" (1974), la polémica y perversa "Femmes de Sade" (1976), "Baby face" (1977) o "Pretty peaches" (1978). Fue de los grandes directores de la edad de oro del cine sexual, y al concluir ésta, a mediados de los 80, se fue adaptando a los tiempos que corrían, no tan dorados. Alex De Renzy murió en 2001.
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filmografía seleccionada
A history of the blue movie (1970)
Fantasy girls (1974)
Pleasure masters (1975)
Femmes de Sade (1976)
Long Jeanne Silver (1977)
Baby face (1977)
Pretty peaches (1978)
Whore (1984)
Wild things (1985)
Wild things 2 (1986)
Baby face 2 (1986)
Dr. Penetration (1986)
Pretty peaches 2 (1987)
Slave to love (1993)
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http://www.imdb.com/name/nm0211108/
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HENRI PACHARD
Henri Pachard, nacido en 1939, a finales de los 60 ya dirigió filmes de sexploitation como “The Bizarre Ones” o “Lust Weekend”. Desde los 70 se centró en el cine sexual, y demostró una gran capacidad para extraer morbo de las situaciones más cotidianas. Fue de los grandes de la edad de oro del porno norteamericano, y en sus películas actuaron importantes estrellas del género como Vanessa del Rio, Annette Haven o Ginger Lynn. Realizó filmes clásicos como “Babylon Pink” (1975), una espléndida disección del sexo en la vida cotidiana de una gran ciudad, o “The Devil in Miss Jones II” (1982), continuación de la obra maestra de Damiano. También fue el creador del divertido culebrón porno “Taboo american style” (1985), con el incesto desmontando los tópicos de los seriales televisivos. Henri Pachard falleció en 2008.
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filmografía seleccionada
Babylon pink (1979)
Outlaw ladies (1981)
The devil in miss Jones 2 (1982)
Sexcapades (1983)
Jailhouse girls (1984)
Viva Vanessa! (1984)
Taboo american style 1-4 (1985)
Conflict (1988)
Ladies room (1989)
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http://www.imdb.com/name/nm0655230/
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http://www.imdb.com/
http://www.iafd.com/
http://www.adultfilmdatabase.com/
http://www.avn.com/
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LASSE BRAUN
Aunque nacido en Algeria en 1936, este director, rodando en Holanda, en EE.UU. y en medio mundo, a menudo como Alberto Ferro o Falcon Stuart, fue conocido en el nacimiento del género como "el rey del porno", y sigue en activo. Empezó con bucles en los 60 y luego creó obras como "French blue" (1974), o el gran clásico "Sensations" (1975) que se exhibió en Cannes y fue calificada como "el porno más realista de la historia". Después continuaría dejando huella en el cine sexual con "Body love" (1977), y con algunas canas, este maestro del género, puede contar todo lo que han cambiado las cosas en la sociedad y en el cine sexual en los últimos 40 años. Un pionero que afirma: "En el porno hay que disfrutar, descubrir el placer, la belleza de la sensualidad. El sexo es evolución e imaginación".
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filmografía seleccionada
French blue (1974) como Falcon Stuart
Sensations (1975) como Alberto Ferro
Body love (1977)
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http://www.imdb.com/name/nm0105808/
http://www.lassebraun.com/
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FREDERIC LANSAC
El cine sexual francés contó con una época gloriosa en los 70, y entre sus figuras más importantes destacó Frederic Lansac (o Lasanc), nombre artístico de Claude Mulot, que realizó, antes de entrar de lleno en el cine sexual, películas con inclinaciones eróticas como el estimable film erótico-fantástico "La rosé ecorchée " (1970). Nacido en 1943, Lansac creó obras destacables en el cine sexual, en especial el clásico "El sexo que habla" (1975), que llegó a exhibirse en salas de cine (no en salas de cine x marginadas) antes de que la legislación francesa cambiara. Esta película, impresionante, impagable, tuvo un gran eco popular y se convirtió en un clásico inmediatamente, siendo incluso homenajeada por otro clásico del género ("The opening of Misty Beethoven", de Henry Paris). El cineasta siguió, tras este éxito notable, realizando películas como "Les petites écolières" y "La femme object" (1980), aunque su muerte, con poco más de 40 años, en 1986, fue una de las pérdidas más profundas y prematuras del cine sexual europeo.
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filmografía seleccionada
La rose écorchée (1970) como Claude Mulot (erótico)
Le sexe qui parle (1975)
Les petites écolières (1980)
La femme object (1980)
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http://www.imdb.com/name/nm0612474/
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HENRY PARIS = RADLEY METZGER
_Radley Metzger, nacido en 1929, y conocido en el cine sexual como Henry Paris, es un caso singular. En sus inicios, a finales de los 50 y primeros 60, fue montador y distribuidor, realizando insertos eróticos en films europeos exhibidos en EE.UU., e incluso filmó a una jovencita luego célebre en el cine sexual llamada Georgina Spelvin. Comercializó y editó films destinados a la sexploitation, antes de la legalización y afianzamiento del cine sexual. Después realizó films con insinuaciones eróticas, como el melodrama "Therese and Isabelle" (1968), que desbordaba sensualidad lésbica.
_Considerado el director más estilizado del sexploitation y luego del porno chic americano, su época de mayor prestigio en el cine sexual empieza con "The private afternoons of Pamela Mann" (1974) y "Naked came the stranger" (1975), culminando con el gran clásico, "The opening of Misty Beethoven" (1976), la sensual y clásica "Barbara broadcast" (1977), con uno de los inicios más sorprendentes del género, y con "Maraschino cherry" (1978). Como Radley Metzger hizo un remake de "El gato y el canario" (1979), y volvió al hardcore, retirándose en los 80. Sin duda, fue una figura pionera del sexploitation, el softcore o erótico, el cine sexual o hardcore, y uno de los directores que dejaron huella por sus ambiciones artísticas.
_Con el tiempo afirmó que, en los 70, dedicaba a una película medio año, rodando en varios países, preocupándose de la fotografía, la ambientación, el vestuario... mientras que de esa época gloriosa, la edad de oro del cine sexual, el género había quedado en rodar películas en un solo día, sin cuidar los detalles, refiriéndose seguramente al gonzo, rodado en tiempo real y cámara en mano. Por otra parte, en la actualidad se rueda en vídeo y, en la época dorada del género, Henry Paris podía rodar en formato cine, en35mm, películas que, como las obras maestras de Gerard Damiano y los hermanos Mitchell, intentaron que el cine sexual se acercara más al arte que al mero negocio. ¡Qué época!. ¡Qué películas!.
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filmografía seleccionada
Therese et Isabelle (1968) como Radley Metzger (erótico)
The private afternoons of Pamela Mann (1974)
Naked came the stranger (1975)
The opening of Misty Beethoven (1976)
The punishment of Anne (1976) como Radley Metzger
Barbara broadcast (1977)
Maraschino cherry (1978)
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http://www.imdb.com/name/nm0582750/
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ANTHONY SPINELLI
Nacido en 1927, este director lleno de talento se distinguió por una narrativa madura y sólida, que se aprecia en sus obras de la edad de oro del cine sexual. Aunque considerado la oveja negra de su familia, su hermano Jack Weston fue famoso en Hollywood, su notable filmografía le coloca como uno de los pioneros y maestros del género, legando títulos como "The seduction of Lyn Carter" (1975), "Easy" (1978), grandes clásicos como "Talk dirty to me" (1980) y "Nothing to hide" (1983) y también iniciando la exitosa serie "Reel people" (1983), mostrando a gente corriente. Anthony Spinelli, como suele ocurrir con los directores del cine sexual, murió con más de 70 años, en el año 2000.
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filmografía seleccionada
Cry for Candy (1975)
The seduction of Lyn Carter (1975)
Sex world (1977)
Easy (1978)
Aunt peg (1980)
Talk dirty to me (1980)
The dancers (1981)
Nothing to hide (1983)
Reel people (1983)
It's called murder, baby (1984)
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http://www.imdb.com/name/nm0068871/
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Cine para adultos. 1001 películas para 1001 noches, Luis Miguel Carmona y Álex Bassas (T&B editores, 2007)
http://www.imdb.com/
http://www.iafd.com/
http://www.adultfilmdatabase.com/
http://www.avn.com/
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breve historia de la animación, parte 1/4

2008-12-15T09:04:00.001+01:00

Hace tiempo reuní escritos de un montón de webs y algo de mi propia cosecha, le di forma de historia de la animación y la publiqué en un blog anterior, como mi adorada Betty Boop... Y ya, sin más historias:
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::: b r e v e_ h i s t o r i a_ d e_ l a_ a n i m a c i ó n _(VV.AA. - 2007)
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1- DE LOS DINOSAURIOS A LOS SIMPSONS

Los dibujos animados nacieron antes que el mismo cine. Se atribuye su paternidad a un visionario francés llamado Emile Reynaud. Él llevó la ilusión del dibujo en movimiento a las mayores alturas, conjugando el espectáculo con el drama, en una época en que la animación apenas era poco más que un truco óptico para demostrar teorías científicas y entretener a los niños.

_Emile Reynaud creó en 1877 el praxinoscopio, partiendo del zoótropo. Reynaud consiguió la proyección de imágenes animadas en buenas condiciones y la proyección de movimientos no cíclicos. Más tarde, mejorando su praxinoscopio creó el Teatro óptico, que añadía la posibilidad de proyectar imágenes sobre cintas perforadas. Desde 1892 y durante diez años, antes de la aparición del cinematógrafo de los Lumière, Reynaud hizo representaciones públicas sobre una pantalla en el museo Grévin de París. Reynaud proyectó dibujos sobre una pantalla de gelatina transparente, anticipándose en muchos aspectos a la mecánica del cinematógrafo, e hizo de sus pequeños relatos artesanales (las Pantomimas Luminosas) los precursores de la animación. Con su colosal máquina, Reynaud proyectaba en teatros abarrotados de público, con luces y espejos, más de 500 dibujos uno detrás de otro, por medio de un agotador mecanismo manual, y mostraba, a una audiencia atónita, sencillas historias de amor y comedia con jóvenes románticos y malvados entrometidos, durante casi un cuarto de hora de espectáculo.

_El segundo gran pionero que contribuyó de manera decisiva -a finales del XIX y principios del XX- al desarrollo de la animación fue Georges Meliès. El taumaturgo francés fue ilusionista, escenógrafo teatral, mago... y en sus films se mostraban trucos y efectos visuales. Algunas de sus películas son Cenicienta y Juana de Arco (1902) pero, sobre todo, Viaje a la luna, que divierte y fascina todavía hoy a los espectadores de cualquier lugar, gracias a su humor e inventiva, como en el aterrizaje de un cohete en el ojo de una cara antropomorfa.
_Aunque el cine de animación es anterior al del cine en movimiento y se basaba en ilusiones ópticas producidas con aparatos anteriores al cinematógrafo, como el zoótropo o el praxinoscopio de Reynaud, años después de que el cine con acciones en vivo apareciera, Edwin S. Porter hizo la primera animación de objetos, fotograma a fotograma, para la compañía Edison. En 1905 hizo How Jones lost his roll y The whole dam family and the dam dog, en las que los intertítulos estaban hechos con letras recortadas que se movían al azar alrededor de la pantalla hasta colocarse en líneas y en el orden adecuado para componer cada frase. Esta técnica requería una adaptación de la cámara de cine normal, de forma que sólo exponía un fotograma, parándose con el obturador cerrado, en vez de continuar a la velocidad acostumbrada de 16 fotogramas por segundo.
_La idea se aplicó por vez primera para hacer una serie de dibujos animados por James Stuart Blackton, un inglés afincado en los Estados Unidos, en Humorous phases of funny faces (1906). Blackton produjo así la primera película animada, traducida como Fases divertidas. En La casa encantada, la fotografía stop-action se usó repetidamente para dar vida a objetos inanimados. El film se hizo enormemente popular y su técnica se divulgó entre cineastas de todo el mundo, que empezaron a experimentar con historias de títeres, marionetas, y maquetas. Así nació la técnica de animación stop-motion, que es la utilizada generalmente en las animaciones que aparecen en el segundo apartado de esta historia.
_En 1906 Blackton produjo otra película, A midwinter night's dream, en la que una serie de muñecas de juguete parecían moverse al desplazar levemente sus miembros entre fotograma y fotograma, sistema que constituyó el primer ejemplo de la animación de muñecos. Blackton continuó con este tipo de animación en The Haunted Hotel (1907), en la que hacía que objetos modelados en arcilla se transformaran gradualmente en cosas diferentes, mediante una deformación gradual de su forma entre fotograma y fotograma. Posteriormente, estas técnicas fueron utilizadas por cineastas europeos como el español Segundo de Chomón y el francés Emile Cohl.
_El español Segundo de Chomón, director, fotógrafo, creador de efectos especiales y trucos de cine e iluminador a color, entusiasmado por el invento de los hermanos Lumière, viajó a París en 1897 para estudiar de cerca el invento. Pionero del cine, aplicó su enorme imaginación al desarrollo del nuevo medio. Fue contratado por Pathé para competir con Georges Meliès realizando películas fantásticas. Segundo de Chomón fue uno de los pioneros del morphing en La licuefacción de los cuerpos duros (1909), en la que deformó el cuerpo de una persona convirtiéndolo primero en un monigote de alambre y al final en una masa informe. A partir de 1912, trabajó en Italia y allí realizó contribuciones importantes en obras fundamentales del momento.
_Emile Cohl, dibujante de cómics, creó sus primeros monigotes en Francia (1908-12), pero prosiguió su carrera en Estados Unidos (1914-6), en donde dio vida en colaboración con McManus, al personaje Snookum, protagonista de la primera serie de dibujos animados del mundo. En Francia al acabar la guerra creó con Louis Forton la serie protagonizada por Pieds Nickelès (1918-9). Realizó Fantasmagoría (1908), film que tiene el valor de abrir la animación al campo del grafismo. Cohl, no animaba objetos sino caracteres autónomos con personalidad propia, de ahí que se le considere el precursor específico de los cartoons. Cohl produjo la primera serie uniforme de dibujos animados, trazando dibujos sencillos de figuras humanas esquemáticas que daban saltos y sufrían transformaciones espectaculares.
_Aunque el género nació en Francia conoció su desarrollo y esplendor en los Estados Unidos. Winsor McCay, dibujante de cómics, era autor de una famosa tira del New York Herald, El pequeño Nemo. McCay se interesó por el cine de animación y se puso en contacto con el propio Blackton. El resultado fue el estreno en 1911 de un vodevil en el cual sobre la pantalla aparecía el popular Nemo en movimiento. Unos años después McCay realizaría Gertie, el dinosaurio (1914), considerada su obra maestra.

_El norteamericano Earl Hurd perfeccionó decisivamente la técnica de los dibujos animados, al patentar en 1915 el uso de hojas transparentes de celuloide (cells) para dibujar las imágenes y que permitirían superponer a un fondo fijo las partes en movimiento. Este método de trabajo, mejorado por Raoul Barré, un quebequense que emigró a New York a principios del siglo XX, revolucionó la forma de hacer películas de dibujos animados, pues fue él quien pensó en perforar los márgenes de los dibujos con el fin de asegurar la estabilidad de las imágenes durante las tomas de cámara.

_El uso de bocetos de guión (como fueron originalmente llamados en el cine de acción real) probablemente empezara con las primeras películas de Disney. Webb Smith es el animador de la Disney a quien se atribuye la invención del storyboard a principios de los años treinta. Otra valiosa contribución de aquellos que habían facilitado el camino a Walt Disney, y por añadidura se convirtieron en precursores de este arte, fue Winsor McKay, el creador de Gertie, el dinosaurio. Ahora bien, la idea de contar historias a través de una serie de dibujos, puede remontarse al antiguo Egipto o incluso más. Otros consideran que la animación comenzó en el XVII con los espectáculos itinerantes de la literatura mágica y llevó luego a las "Ilusiones ópticas de Fantasmagoría" en el XIX, hasta los dibujos animados de Félix el Gato o Mickey Mouse en los años 20 y de ahí a Bugs Bunny, La pantera rosa (1966), The Simpsons...

_Entre los que abrieron el camino, encontramos al estadounidense Otto Messmer, autor del expresivo Felix the Cat (1914), que fue el personaje del corto de animación más popular a nivel mundial, y Max Fleischer, creador del personaje de la serie de dibujos animados Betty Boop de los años 30. Los austríacos Max y Dave Fleischer dieron vida a personajes que alcanzaron gran popularidad, y fueron los mayores competidores de Walt Disney. Ambos hermanos crearon grandes éxitos de los dibujos animados como el travieso payaso Coco (1920-39) y la seductora Betty Boop (1930-39) inspirada en la cantante Helen Kane, cuya risa poopoo-pi-doo será un rasgo del que se apropiará Marilyn Monroe. Su personaje más duradero fue Popeye (1930-47), creado originalmente por E.C. Segar para la publicidad de espinacas. Realizaron también trabajos de larga duración como Gulliver’s travels (1939); The Einstein Theory of Relativity (1923), Darwin’s Theory of Evolution (1925) y Hoppity va a la ciudad (1941). La principal contribución a la técnica de la animación aportada por los hermanos Fleischer fue el rotoscopio, un aparato que permite calcar personajes animados sobre personajes reales proyectados.

_Entre ambos hicieron su aparición, en 1929, los artistas de Ub Iwerks, considerados entre los mejores creadores de animación de la época muda, quienes dieron forma a Oswald, el conejo. A continuación comenzaría la denominada era Disney, que dominaría en los años 30 y principios de los 40 con Mickey, Donald, Pluto...
_La idea de combinar dibujos y acción real fue recogida por Walt Disney. Dirigió en Hollywood en 1923 su película Alicia en el país de los dibujos animados en la que se presentaba a una niña real Alicia moviéndose en un mundo de dibujos animados. El trabajo del equipo de Disney, dirigido por Walt como editor de relatos y por Ub Iwerks como jefe de animación, se perfeccionó rápidamente. En 1928 alcanzaron un gran éxito con las primeras películas del ratón Mickey, y después con la primera película sonora Steamboat Willie (1928). Los estudios Disney se situaron en la primera posición de las productoras de animación, tanto artística como comercialmente.
_El caricaturista y dibujante publicitario Walt Disney se interesó por los dibujos animados hacia 1919 y creó la serie Alice Comedies (1924-30). La incorporación del sonido en 1928 le permitió jugar con los efectos musicales y adaptó el technicolor a partir de Árboles y flores (Flower and trees, 1932). En 1935 conquistó el nuevo perfeccionamiento de la truca multiplana, que facilitaba la descomposición del dibujo en varios términos independientes y que utilizó por primera vez en El viejo Molino (The old Mill, 1937). También son destacables cortos de Disney de la época como The skeleton dance, 1929, dirigido por el propio Walt Disney; Springtime, del mismo año, dirigido por Ub Iwerks, y The spider and the fly, dirigido por Bert Gillett.

_Walt Disney, gracias a la madurez de su organización, emprendió la realización de largometrajes de dibujos animados como Blancanieves y los siete enanitos (Snow White and the seven dwarfs, 1937). Disney emprendió con Fantasía (1940) un ambicioso experimento audiovisual, combinando imágenes con música clásica; para ello ideó un sistema de sonido estereofónico con cuatro pistas (Fantasound). Fantasía venía a inscribirse en el dibujo animado de vanguardia, que había conocido ya curiosas experiencias audiovisuales en Europa. Así, por ejemplo, Une nuit sur le Mont Chavre (1933) de Alexandre Alexeïeff y Claire Parker, con música de Musorgski, obra en que obtenía la animación mediante una pantalla de alfileres, cuyas cabezas componían las figuras en un estilo puntillista.

_A partir de 1940 Disney comenzó a sentir los aguijones de los competidores. Walter Lantz, creador del osito Andy Panda, inició en 1941 la serie del pájaro carpintero Woody Woodpecker, introduciendo el sadismo y el furor destructivo en el género, rasgos que serán quintaesencia de la pareja formada por el gato Tom y el ratón Jerry, creados por William Hanna y Joe Barbera, que contrastan con el ternurismo de Disney y señalan un cambio de rumbo en el género, que se acentuará en la postguerra, con la que se cierra la gran era de Disney.

_En 1940 hizo su debut el aún hoy popular Bugs Bunny, convirtiéndose en una leyenda durante los años 50 y 60 bajo la inspirada dirección de Tex Avery, Bob Clampett, Fritz Freleng y Chuck Jones.

_Tex Avery destacó especialmente entre los gigantes del arte de la animación. Sus originales y creativos cortos de animación, en especial los producidos en la MGM entre 1942 y 1955 son todavía hoy modelos a imitar. Está considerado el segundo, tras Disney, por los conocedores del género. Trabajó con Walt Lanz en el personaje de Daffy Duck, dio forma a Bugs Bunny y rediseñó al cerdito Porky. El estilo irreverente, incluso algo surrealista, de Avery continúa influenciando la animación contemporánea como en Quién engaño a Roger Rabbit (1988), el estilo visual desenfadado de la MTV, e incluso películas recientes y espacios publicitarios. De hecho sus ocurrentes técnicas de sorprender al espectador tuvieron mucho que ver con la "nouvelle vague" francesa de los años 60.
_En la vanguardia más creativa y sorprendente se situó, durante décadas, el genial Norman Mc Laren, que aunque nacido en Escocia desarrolló su fructífera carrera en el National Film Board de Canadá desde los 40, dejando un legado de obras memorables, de una brillantez admirable. Entre sus obras, auténticas obras maestras de la animación y del cine experimental, se encuentran Begone dull care (1949), Neighbours (1952), Blinkity blank (1953), A chairy tale (1957) y muchas más creaciones que aún hoy irradian un enorme talento y vitalidad.
_También hay que destacar a Ray Harryhausen, quien vio King Kong en 1933 y desde ese momento su obsesión por el trucaje, las miniaturas y los efectos no hicieron más que crecer. Tras diferentes trabajos, fue llamado por el viejo maestro Willis O’Brien (el “padre” de King Kong) para que fuese su ayudante. Sus primeros años se desarrollaron en producciones modestas hasta que a mediados de los 50, hizo The Beast of 20000 fathoms, y luego Godzilla. Después de empezó a hacer películas personales. Pero su mayor éxito llegaría de la mano de Simbad, su personaje favorito. A finales de los 50 comenzó un ciclo de aventuras exóticas mostrando especial predilección por el mundo árabe y mitológico. Sus espectrales esqueletos andantes, como en el extraordinario duelo de Simbad contra el esqueleto en el El 71/4 viaje de Simbad, son auténticas obras maestras. Y también destacó la increíble película de ciencia-ficción animada El planeta salvaje, de René Laloux (1973) en la que los seres humanos son víctimas de otra especie...
_Entre las series recientes de animación más sorprendentes sobresale, por su alcance y longevidad The Simpsons, creada por Matt Groening, que se emite desde 1987 y es la serie más duradera de todos los tiempos. También sorprenden series como Rugrats, emitida en los 90, que ha tenido continuación en varios largos; las ácidas críticas de Beavis and Butthead y South Park, que en 1999 tuvo su largo South Park: bigger, longer and uncut, cuyo título ya avisa de que no son dibujos para niños, lo que puede decirse de parte de la animación no sólo contemporánea, pues además de animaciones anónimas (atribuidas a reconocidos animadores de los años 20) como Eveready Harton in Buried Treasure, de evidente carnalidad y desparpajo sexual, en 1971 Fritz the cat, de Ralph Bakshi, fue considerada X en EE.UU. No toda la animación son dibujos para niños, hay dibujos que no son para niños sino para adultos. Aún hoy siguen realizándose animaciones clandestinas de naturaleza sexual, aunque en la animación hentai japonesa se aborda abiertamente la sexualidad.
_Muchos de los dibujos animados mencionados comenzaron siendo un boceto, una viñeta, una serie de dibujos, una tira cómica, parte de un storyboard... pero más allá de esto la verdad es que se han metido en nuestras vidas y con frecuencia nos han hecho más felices.
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breve historia de la animación, parte 2/4

2008-12-15T09:03:00.000+01:00

2- CUCARACHAS DE CERA, ENTRAÑABLES MUÑECOS Y ANIMACIÓN CON PLASTILINA
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_En el este de Europa el ruso Ladislas Strarevich, un apasionado de la entomología, produce en Moscú durante 1909 y 1910 documentales acerca de los insectos lituanos; vistas las condiciones de trabajo, decidió crear cucarachas “virtuales” articulándolas uniendo las patas al tórax con cera. Ese primer film fue una obra sin precedentes: La batalla de las cucarachas macho, fue la primera película de muñecos. Starevich volvió locos a sus contemporáneos presentando documentos increíbles de insectos que peleaban por una cuestión de honor o montaban en bicicleta. Eran muñequitos animados. Su elaborada animación de muñecos es también magistral en La venganza del cámara (1912). La revolución rusa le forzó a emigrar a París en 1920, donde sería conocido como Ladislas y donde pasó el resto de su vida diseñando y realizando sus películas, rechazando ofertas de la potente industria cinematográfica norteamericana.

_Entre los pioneros son importantes las animaciones de formas abstractas desarrolladas por Viking Eggeling, Walter Ruttman, Hans Richter, y Oskar Fischinger durante la década de 1920 en Alemania, donde Lotte Reiniger produjo el largometraje de animación: Las aventuras del príncipe Ahmed (1926), empleando la técnica de personajes de silueta articulada que ella misma había desarrollado desde 1916.

_Otro pionero fue George Pal, quien en los 40 y 50 creó un nuevo modo de animar muñecos. Con su serie titulada Puppetoons creó los títeres con partes móviles. Su aportación al mundo de la animación fue imprescindible. En sus películas cada marioneta constaba de cientos de cabezas, brazos y piernas, y así se permitía una rica gama de posibilidades expresivas: podía cambiar las caras, por ejemplo, y con ello sus personajes no se limitaban a mostrar una única expresión. Método que sigue siendo utilizado en la actualidad.

_En Europa, ya en los 50 encontramos series infantiles animadas a través de muñecos de trapo o cartón en países como Gran Bretaña, Francia, Holanda, Checoslovaquia, en series muy famosas, algunas incluso populares al otro lado del planeta, creando con esto también una gran cadena de merchandising. Aunque el intercambio también se da al contrario a través de la saga de Jim Henson y de series o programas como Barrio Sésamo (1969) o Fraggle Rock (1983), autor también de The Hoobs o Dinasours, pero que merece pasar a la historia por el maravilloso largometraje Cristal oscuro (1982) en el que Jim Henson y Frank Oz dieron vida a un mundo basado en los cuentos de hadas con una portentosa e inolvidable imaginación.
_En Gran Bretaña existen animaciones dirigidas al público más joven como la mítica Postman Pat, creada por Ivor Wood para la BBC en los años 60, basadas en las historias de John Cunliffe sobre un cartero y su gato Jess, que recorren el plácido pueblecito de Greendale's. Otro protagonista muy popular es Paddington el oso, sacado del libro escrito por Michael Bond, "A bear called Paddington" que narra la historia de este osito venido desde el Perú y adoptado en Inglaterra, quedándose a vivir con Mister y Miss Brown, que le dan el nombre de una de las principales paradas del metro de Londres. También destaca La locomotora Thomas (Thomas the tank engine) creada por el reverendo Wilbert Awdry, quien de pequeño disfrutaba escuchando partir los trenes, y que de mayor contaba esas historias a su hijo, que continuó la saga cuando él se retiró. La producción televisiva la realizó Britt Allcroft, que se encargó de darla a conocer en el mundo entero.
_Y también en Gran Bretaña hubieron animaciones dirigidas a un público más mayor, en las que destacaron Gerry y Silvia Anderson, creadores de series como Thunderbirds o Joe 90, entre otras. Fundaron la compañía AP Films con ayuda de los técnicos Reg Hill y John Read, a principios de los 60. En los 80 volvieron con otras series, pero no tuvieron tanto éxito. Las historias se solían desarrollar en naves espaciales en las que los protagonistas combatían contra perversos alienígenas. La técnica consistía en un mecanismo mediante el cual los personajes movían los labios sincronizándolos con las palabras. Hill y Read encontraron un método cómodo para la ejecución de este movimiento: colocar el mecanismo en el pecho de los muñecos y evitar que lo que pesara fuera la cabeza.
_En Francia el títere más recordado es Colargol (Barnaby the bear en inglés), un oso que nace de la imaginación del matrimonio Olga Pouchine y Albert Barillé, que crean el personaje para entretener a sus retoños, y que acaban dejando la historia en manos del polaco Tadeuzs Wilkoz que lanza la serie al éxito en los 70.
_En Checoslovaquia varias generaciones crecieron con Mi´s Uszatek (Nalle Luppakorva, posteriormente) que narra la vida de un oso que vive en una aldea y su grupo de amigos y compañeros. Y al final de cada capítulo el protagonista se despide desde su cuarto ya en pijama, apagando la luz y echándose a dormir, con hermosa cancioncilla final. También destacó, en los 70, la serie Nukkumatti, sobre un niño y sus aventuras, realizada por Gerhardt Behrendt.

_Aunque los grandes maestros del títere en Checoslovaquia fueron Jiri Trnka y Karel Zernan, quienes inspiraron y abrieron el camino a animadores de todo el mundo. A Jiri Trnka se le consideró, con una comparación bastante torpe, el "Walt Disney del Este", aunque su talento e importancia eran comparables sus películas se dirigían a un público más adulto, y su estilo mucho más sombrío y retorcido, debido a su grandilocuencia a la hora de narrar paisajes que igual podrían formar parte de un sueño o de una pesadilla. A través de claro-oscuros, sus entornos podían llegar a tener un aire siniestro. Sus obras, como El regalo o El ruiseñor y el emperador (1948), entre otras, crearon escuela en todo el mundo. Karel Zerman, aunque menos conocido, pero quizá de idéntica importancia, trabajaba también en solitario y fue un de los autor ochocentista, dirigiendo obras como Un invento diabólico o El barón fantástico (1961), de exquisita brillantez visual, dónde mezclaba objetos reales, dibujos y elementos animados, y que también dejó una profunda marca en generaciones posteriores.
_En Holanda fueron importantes programas como The Fabler paper (De Fabeltjeskrant), con más de sesenta personajes creados por Leen Valkenier y Thijs Chanowski en 1968, entre los que destacaban Droes The Bear, Chico Lama... Basado en las fábulas de La Fontaine, en cada historia había una moraleja. Aunque la gracia de la serie radica en sus muñecos de ropa. Alcanzó gran popularidad entre el público más joven, y aunque después dejó de emitirse, resurgió en el 85 y duró unos cuantos años más.

_En Japón el maestro de las marionetas por excelencia es Kihachiro Kawamoto, cuya larga carrera, que empezó (y aún continúa) en los 50, incluye títulos de un acabado maravilloso, basados en la tradición japonesa, como La diablesa (1972), o recientemente Días de invierno (2003).

_Una animación con marionetas de carácter transgresor, salvaje, exagerado... fue "Meet the Feebles" (1989), dirigido a un público más adulto por Peter Jackson, que venía de dirigir films del sanguinolento género gore, y que con el tiempo se haría mundialmente famoso con la bella trilogía del señor de los anillos...

_En nuestro país también encontramos animación con marionetas, como Los Aurones, sobre unos aldeanos y su pacífica vida hasta que entran en conflicto con el villano que intenta apoderarse de sus bienes. Producida en 1986 y dirigida por Josep Ll. Viciana fue lanzada también en el extranjero. En esa época apareció el programa La bola de cristal, en el que aparecían Los Electroduendes, un grupo de “modernos” muñecos de trapo. Los inteligentes guiones eran de Santiago Alba y quien se encargó de dar vida y diseñar a los personajes fue Miguel Ángel Pacheco. Y actualmente, siguiendo la estela de los entrañables Electroduendes, encontramos a Los Lunnis.
_Entre las técnicas modernas de animación y los entrañables muñecos de trapo surgió la animación con plastilina. En 1955 ya se podían ver las aventuras de Gumby. Art Clokey filmó 127 capítulos (de 6 minutos) con este raro personaje, un rectángulo de color verde con dos patas y otro par de brazos, empeñado en destacar las bondades de la vida. Habría que esperar a Will Vinton para advertir la fuerza expresiva de este método. Vinton comenzó a trabajar la plastilina en los 60. Sus primeros trabajos ya mostraban un esfuerzo por sincronizar los labios de cada figura con la voz del doblaje y algunos ambiciosos desplazamientos de cámara, como zooms y panorámicas, que tuvo que crear cuadro a cuadro. En poco tiempo sus logros se hicieron cada vez más evidentes y su trabajo alcanzó gran popularidad. Vinton fundó unos grandes estudios (Will Vinton Studios, Inc, coproductora, de La novia cadáver (2005), de Mike Johnson y Tim Burton), creó una serie de éxito (Las pasas de California) y trasladó su influencia a la publicidad y al mundo de los efectos especiales. En 1985 estrenó el primer largometraje de plastilina: Las aventuras de Mark Twain. Ahora mismo dirige y produce la serie de humor The PJ's, que tiene una gran acogida. En todos sus proyectos Vinton ha demostrado una admirable atención al detalle creando un mundo en el que absolutamente todo está compuesto de plastilina.

_Pero la animación con plastilina es mayoritariamente conocida desde finales de los 70 sobre todo a través de los británicos de Aardman Animation, que se hicieron muy populares con sus cortos (especialmente la saga de Wallace y Gromit, de Nick Park) y con el tiempo se lanzaron a la producción de exitosos y logrados largometrajes como Evasión en la granja (2000) del mismo director, y Wallace y Gromit: La maldición de las verduras (2005), de Nick Park y Steve Box.

_Mientras, en España destaca la obra de Pablo Llorens y sus increíbles animaciones con plastilina en Caracol, col, col (1995) y recientemente en El enigma del chico croqueta (2004), y Muerte y resurrección (2001), de Rocío Huertas, en la que se combinan distintas técnicas de animación de manera soberbia.

_Todas estas técnicas, aunque parezcan primitivas, también crearon escuela dentro de la animación y siguen siendo utilizadas aunque sean muy laboriosas (se puede tardar más de un año en terminar, fotograma a fotograma, una animación con plastilina) y exijan mucha paciencia, perseverancia... pero, en realidad, además de la dedicación y el mérito que tienen, ¡sus resultados son maravillosos y nos han hecho felices tantas veces!

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breve historia de la animación, parte 3/4

2008-12-15T09:02:00.000+01:00

3- LA ANIMACIÓN JAPONESA
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_El anime se ha convertido en el eje de la industria cinematográfica nipona, caracterizándose por abarcar todo tipo de temas y por buscar también un público adulto receptivo hacia sus mensajes, que pueden llegar a tener un contenido violento o erótico como en el hentai. La fuente de esta variedad hay que buscarla en las mismas raíces de la cultura japonesa, que desde el siglo XIV cuenta con una importante tradición de literatura gráfica, que se expresa a través de tablas pintadas y papiros ilustrados que narran historias de samuráis y leyendas tradicionales.
Probablemente por este motivo, el cine de animación tuvo unos inicios tempranos en Japón. De hecho, las primeras películas animadas de las que se tiene constancia datan del año 1917. Se trata de cintas silentes de un solo rollo (entre 5 y 15 minutos), desarrolladas por autores como Oten Shimokawa, Seitaro Kitayama o Sanae Yamamoto. El género conocería una primera expansión a lo largo de la Segunda Guerra Mundial, años en los que el cine de animación se convirtió en un importante instrumento para la propaganda gubernamental. Los primeros dibujos animados en color no aparecieron hasta 1955.
_Sin embargo, el auge definitivo del anime llegaría de la mano de otro fenómeno cultural puramente japonés: el desarrollo del manga. Auspiciado por el dibujante Osamu Tezuka, el manga combina las influencias de las ilustraciones tradicionales japonesas y del cómic estadounidense. Los rasgos esquemáticos y occidentalizados de sus personajes llegaron a la gran pantalla por primera vez en 1960 gracias a Alakazam el grande, una adaptación de Taiji Yabushita del exitoso manga de Tezuka.
_El primer anime creado en Japón se cree que es la película Hakujaden (La leyenda de la serpiente Blanca) que aparece en 1958; seguida por Hyoutan Suzume. El primer anime para la televisión fue “Mittsu no Hanashi” que aparece en 1961, seguido por Instant History en el año de 1962.
_Pero fue el maestro Osamu Tezuka quien protagonizó la gran explosión del anime. Autor de mangas inmensamente prolífico, adaptó varias de sus propias obras, consiguiendo un éxito absoluto con la serie de televisión Astroboy, que definió los rasgos habituales del anime: animación limitada, dirección a imitación del cine de imagen real, vínculo entre la industria de la animación y la del cómic. Tezuka, un huracán creativo, también realizó largometrajes y hasta magníficos cortos experimentales como Saltando (1984). Tezuka entró en el mundo de la animación en 1963, creando el estudio Mushi Productions. Centrado en la producción de dibujos animados para televisión, la compañía logró su primer éxito internacional con las aventuras del niño-robot Astroboy, uno de los personajes más populares de Tezuka. Esta serie abriría las puertas a la animación japonesa para dominar la producción de dibujos animados para televisión en todo el mundo, que se consolidó en las décadas siguientes, y hasta nuestros días, con éxitos (de varios autores) como Heidi, Marco, La abeja Maya, Mazinger Z, Campeones, Bola de dragón o Pokemon.
_Durante los años 60 el anime fue habitual en las salas de cine, pero en la década siguiente quedó confinado a la televisión. También hubo notables animadores independientes como Yoji Kuri con Ala Hacer (1967). Yoji Kuri fue el primer animador japonés que consiguió renombre internacional en los festivales de los años 60 y 70. También destacó el animador Kenzo Kinoshita con su obra Pica-Don (1978), en la que muestra, despertando conciencias, el horror de la bomba atómica de Hiroshima.
_A lo largo de las décadas de los 60 y los 70, la mayor parte de la producción de anime estuvo dedicada a la pequeña pantalla. No obstante, la tendencia empieza a cambiar a principios de los 80, con la entrada en escena de Isao Takahata y Hayao Miyazaki. Curtidos en series de animación como "Marco" o "Heidi", ambos decidieron fundar en 1983 el Estudio Ghibli, para producir sus propios largometrajes cinematográficos. De este modo, Hayao Miyazaki pudo escribir y dirigir maravillosas películas como Nausicaa, el valle del viento (1983), Mi vecino Totoro (1988), Porco Rosso (1992), La princesa Mononoke (1996), El viaje de Chihiro (2002) o El castillo ambulante (2004). Todas ellas alcanzaron una difusión internacional considerable, situando a Miyazaki en primera línea del cine de animación mundial. Por su parte, Isao Takahata ha realizado para Ghibli títulos como La tumba de las luciérnagas (1988) o Pom Poko (1994), que representó a su país en los óscar.
_Hacia los 80 nació una nueva forma de anime cada vez más aceptada, la Animación Original para Vídeo, de una mejor calidad, tanto en el dibujo como en la animación, con historias más cortas y desarrollos más rápidos. Destacaron, de Fujishima Kosuke: Oh! my Goddess y las series de 3x3 eyes de Yuzo Takada, basadas en mangas con los mismos nombres.
_El éxito internacional del anime ha sido aún más importante desde 1988, con el estreno de Akira, de Katsuhiro Otomo, basado en un manga del propio director, este thriller puso de moda el anime en todo el mundo. Después películas como Ghost in the Shell o Metrópolis lograrían reeditar el éxito de Akira. Tras el Oso de Oro ganado por El viaje de Chihiro, incluso la Filmoteca Española organizó un ciclo con el que se demuestra que el anime es un género cada vez más respetable y digno de atención.
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breve historia de la animación, y 4

2008-12-15T09:01:00.000+01:00

4- LA ANIMACIÓN DIGITAL
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En 1964 Ken Knowlon de Bell Laboratories comenzó a desarrollar técnicas informáticas para producir películas animadas. En 1967 se dirigieron Cibernetics 5.3, primer film de animación por ordenador creado para UCLA Animation Workshop, y Permutations de John Whitney. En 1982, Tron, una aventajada producción de Disney (aunque no se trataba de una película de animación) incluyó 15 minutos de animación por ordenador, aunque el primer largometraje de animación digital que se estrenó comercialmente fue Toy Story (1995), realizada por Pixar, los estudios del bebé flexo, para Disney.

_Toy Story obtuvo un inmenso éxito y demostró la viabilidad de este tipo de producciones. Pronto se sumó a la pugna el estudio Dreamworks, que en 1998 estrenó Hormigaz, la segunda película generada por ordenador. Este filme fundó las bases del estilo de animación Dreamworks, con un guión inteligente y lleno de humor.

_La aportación de los estudios Pixar a la historia del cine de animación es comparable con la de Disney en los 30, su socio hasta hace poco. Sus películas son capaces de hacer que los padres se lo pasen mejor que sus hijos cuando los llevan al cine. Sus trabajos son ya clásicos modernos: los dos Toy Story, Bichos, Monstruos S.A., Buscando a Nemo, Los increíbles...

_El alma de los estudios Pixar es John Lasseter, que comenzó trabajando como animador para Disney. Suya fue la primera película de animación digital que optó al óscar y suyo el primer largometraje que ganó la recién creada categoría de mejor largo de animación: Toy Story (John Lasseter-Andrew Stanton, 1995). Su secreto ha sido combinar innovación tecnológica, técnicas de rodaje ajenas al cine animado y magníficos guiones, con un humor irresistible y una pizca de irreverencia.

_Además de sus populares largometrajes, Pixar ha creado media docena de cortos trascendentales para entender la evolución de la animación por ordenador. De 1984 es su primer trabajo en 3-D, Las aventuras de André y Wally B. (The Adventures of André & Wally B., John Lasseter, 1984). Después con Luxo Jr. (John Lasseter, 1986) logró la primera candidatura al mejor corto de animación en los óscars y creó el flexo bebé que se convirtió en símbolo de Pixar. Su primer personaje orgánico fue el payaso Lumpy de El sueño de Red (Red's dream, John Lasseter, 1987), corto en el que ensaya con secuencias nocturnas y lluvia. El óscar llegó con su siguiente corto, Tin toy (John Lasseter, 1988), una historia de juguetes animados que anticipa Toy Story.

_Toy Story es mucho más que una película infantil, pues a su impresionante despliegue técnico hay que sumar un magistral guión –el primero de animación candidato al óscar- con diálogos ingeniosos, chistes inteligentes, referencias a clásicos del cine, y los personajes tienen las flaquezas, la vanidad y el heroísmo de los seres humanos.
_La secuela: Toy Story 2 (John Lasseter-Ash Brannon-Lee Unkrich, 1999) también fue un éxito. Pixar, con la fuerza de su alianza con Disney, fue la principal referencia para el cine de animación, aunque se encontró con la aparición de Dreamworks SKG. Desde entonces han mantenido una lucha por la hegemonía en el mundo de los animación digital. Los primeros han demostrado su creatividad en títulos como Toy Story 2, Bichos, Monstruos S.A. o Buscando a Nemo. Aunque Dreamworks no le ha ido a la zaga con Shrek, Shrek 2, y Hormigaz, una brillantísima e irreverente cinta en la que un hormiguero es el escenario. El lanzamiento de Hormigaz (Eric Darnell-Jim Thomson, 1998) coincidió con un proyecto de Pixar muy parecido: Bichos (John Lasseter-Dean Stanton 1998). Una curiosidad que incluyó Pixar al final de la película fue incluir unas desternillantes tomas falsas, algo que tiene miga tratándose de películas de animación.
_En 2001 Pixar estrena Monstuos S.A. (Peter Docter-David Silverman-Lee Unkrich. 2001) y Dreamworks Shrek (Andrew Adamson-Vicky Jenson, 2001). Después llegaría Buscando a Nemo (Andrew Stanton-Lee Unkrich, 2003). Las navidades de 2004 fueron las de una familia de superhéroes para la que su vida es una condena a convivir con la mediocridad: Los increíbles. Con formidables secuencias de acción, Los increíbles es una visión del heroísmo, tanto el superheroico como el diario y un contundente ataque al adocenamiento. También se estrenó con la película el corto Saltando, enunciado en verso, que es un cruce de parábola bíblica y esos recitados que acompañaban a los bailes del Oeste protagonizado por ovejas, topos y un cruce de conejo y antílope. Surrealista.
_Hay que citar la producción de Disney, continuadora del clásico, Fantasía 2000, realizada en 1999 en la que siguiendo la idea del original, se crean animaciones, esta vez digitales, en las que se combinan composiciones de música clásica con imágenes a veces muy logradas.

_Los otros estudios se resisten a quedar rezagados y producen La edad del hielo (Fox), Final Fantasy (Columbia) o Jimmy Neutron (Paramount), y la Warner con The Polar Express (2004), de Robert Zemeckis, en la que se utiliza la “performance capture”, mediante la que la interpretación real de un actor es captada por cámaras computerizadas para crear un personaje virtual. Así se pueden captar todos los movimientos y la sutileza de la expresión humana, hasta el más leve matiz, como la oscilación de un párpado, y simultáneamente movimientos faciales y corporales de múltiples actores en 3-D con una cobertura completa de 360º, lo que lleva a la animación a un resultado más realista y aún más capaz de transmitir emociones humanas.

_En España también se producen, y con éxito, dibujos animados por ordenador. El primer film de animación digital fue El bosque animado (2001) basado en la novela homónima, producido por la empresa gallega Dygra Films. Poco después Filmax se inició con Pinocho 3000 (2002), una versión futurista del cuento de Collodi.

_La animación digital es un camino que abre muchas puertas a la animación, aunque las animaciones tradicionales no van a desaparecer y en ocasiones en una misma película se utilizan varias técnicas de animación.

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Textos copiados, ajustados y enlazados a partir de diversas fuentes. Las principales son:
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www.digitalmediafx.com/Features/animationhistory.html
http://shopping.animazing.com/gallery/timeline.htm
www.iua.upf.es/~berenguer/textos/pioners/principal_cas.html
http://rnasa.tic.udc.es/gc/Contenidos%20adicionales/trabajos/Peliculas/Animacion/TIM_04_Animacion.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_de_animaci%C3%B3n
www.espacioexterior.net/pixar.html
www.cplus.es/codigo/especiales/comosehizo.asp?id=429894&cod=430235
www.monografias.com/trabajos10/anim/anim.shtml
www.terra.es/cine/especiales/cineanimacion/go.htm
www.cinestrenos.com
www.popchild.com
www.eba.ufmg.br/midiaarte/quadroaquadro/stop/princip1.htm
www.celmex.com.mx/arte-cult/animacion/AnimeLeyes.htm
www.public.iastate.edu/~rllew/chrn1960.html
www.midnighteye.com/interviews/kihachiro_kawamoto.shtml
www.dibunet.com/topic16.html
www.terra.es/cine/especiales/cinedigital/venir.htm
www.public.iastate.edu/~rllew/animelinks.html (en inglés, noticias...)
www.celmex.com.mx/arte-cult/animacion/historiaanimacion.htm
www.caixatarragona.es/esp/sec_16/0411Pantallaanimada.html
www.animenewsnetwork.com/encyclopedia/people.php?id=11911 (en inglés)
www.awn.com (animation world network)
www.animationmagazine.net/ (animation magazine)
www.animation.dreamers.com/
www-viz.tamu.edu/courses/viza615/97spring/pjames/history/main.html
www.ptichat.free.fr
www.animint.com (en francés)
www.animationpost.co.cu
www.toonopedia.com
www.cartoonresearch.com
www.bcdb.com (big cartoon data base)
_sobre manga y anime...
www.mangaes.com (sobre manga)
www.anipike.com (en inglés)
www.animenewsservice.com (en inglés)
www.east.sakura.ne.jp/aniba (en inglés)
www.adam.com.ar (asociación de manga argentina)
www.granavenida.com/adam.es (asociación de manga española)
www.animania.de (en alemán)
www.otakuworld.com (en inglés)
www.mangaitalia.it (en italiano)
www.mangamaniacs.org (en inglés)
www.mangax.com.br (en portugués, web brasileña)
www.artistic-inks.net (en inglés)
- - - - -
festival de cine de animación de annecy http://www.annecy.org/home/?Page_ID=1 (en francés o en inglés)
festival de animación de zagreb http://www.animafest.hr (en inglés)
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_bibliografía interesante
-Animation now! (2004), lo publica Taschen (incluye un dvd) www.taschen.com
-Animación (2005), lo publica Editorial Electa
-El cine de animación, Pedro E. Delgado (Ediciones JC -2000)
-Arte y técnica de los dibujos animados, José Mª Candel (Cdad Autónoma de Murcia, Cajamurcia - 2005)
-Todo empezó con un ratón, el fantástico mundo de los cortos Disney, Jorge Fonte (T&B editores - 2004)
-Técnicas de animación, Chris Webster (Anaya, 2005)
-El gran libro del manga, Alfons Moliné (Glénat, 2002) www.edicionesglenat.es
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la vida y el cine, en este orden

2008-12-14T14:36:00.002+01:00

_Una vez Truffaut, pensando en voz alta, dijo "¿el cine es más importante que la vida?". Truffaut era un cinéfilo incurable que debía al cine su propia salvación personal y la razón de su existencia, pero aún así la vida es más importante que el cine, hay que tenerlo muy presente.
_Digo esto porque hay veces en las que esto se olvida, y se ven películas en las que a costa de la vida se hace cine, en las que se considera al cine más importante que la vida. Y no es así.
_Para mí hay unos límites en los que incluso la maestría cinematográfica es despreciable, incluso repugnante, cuando está al servicio de intereses racistas ("El nacimiento de una nación") o fascistas ("Triunfo de la voluntad"). Sus valores cinematográficos atentan y mucho contra la vitalidad, erigiéndose en ejemplos tristemente célebres y representativos de auténtico "arte degenerado", y entiéndase que le cambio el sentido a la condena hitleriana sobre el arte vanguardista.
_Al cine hay que pedirle audacia pero también modestia respecto a la vida. El cine no es la vida sino una de sus manifestaciones. El cine puede expresar o influir en la vida, pero no es toda la vida ni tiene derecho alguno en creerse el sentido de la vida o superior a ella. Hay películas y cineastas que parecen creerse con derecho a rebajar la vida con tal de edificar un lamentable monumento a su propia pequeñez, o a la magnitud de sus egos vanidosos. En realidad quizá se pueda llamar cine o arte a estas cosas con muchas muchas reservas, pero Poesía de la Vida nunca.
_La Poesía de la Vida es la expresión de la belleza y dureza de la vida, y la lucha contra las injusticias y estupideces humanas, una fusión y entrega amorosa o un combate a muerte contra la confusión y la maldad, pero no un patético y ridículo museo a la insignificancia narcisista o cínica.
_La vida y el cine, en este orden.
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entre vampiros y piratas

2008-12-10T00:08:00.000+01:00

_En las cloacas de la industria del cine se sitúan vampiros que chupan al cine y a cineastas e intérpretes, guionistas... su vitalista sangre, y piratas que chupan también su sangre y excesivo ánimo de lucro a los vampiros del cine, aunque estos piratas también son vampiros. Y, entre estos parásitos y canallas, espectadores que asisten a los cines pagando una entrada cara, que compran los dvd a precios considerables, que alquilan películas a precios tampoco de saldo, o incluso gente que monta con toda ilusión un video club y tiene que pagar barbaridades por ofrecer algo más que el éxito de la temporada.
_Piratas mafiosos copian películas y las venden baratas en el top manta o top bolsa con unos beneficios millonarios, pero siempre hay quien las compra, yo no. Se ripean películas y se cuelgan gratis en internet, lo que puede ser legal o ilegal pero ofrece a cualquier persona, aunque viva en un pueblo sin cine, la oportunidad de ver esa película o documental. Y sin ánimo de lucro ni posesión, sin cortar la película para colmarla de anuncios publicitarios y autobombo televisivo.
_¿Qué quieren que les diga?. Es tan abusivo el precio al que se cobra la entrada de cine y tal el grado de tiranía que hay en el negocio del cine que estas iniciativas tienen su algo de justicia poética. El cine no pertenece a los magnates del cine sino a la gente que amamos el cine, ellos sólo aman el dinero, y abusan de nuestro amor por el cine. Además, hasta que el cine no sea considerado en sus mejores obras patrimonio de la humanidad, seguirá hundido en las garras de la industria del entretenimiento. Y el verdadero cine es mucho más.
_¿Qué perjuicio económico se le causa a un autor ya fallecido del que vemos una película en internet sin pasar por taquilla?. El perjuicio económico se lo causamos, en todo caso, a los magnates de la industria, que probablemente no saben ni quién era el autor de la película.
_¡Ah, nuestro amado cine siempre ha tenido a tantos vampiros y piratas a su alrededor porque su sangre es dulce y sus riquezas inacabables!
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notas sobre el musical

2008-12-08T00:02:00.000+01:00

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_El musical, como cualquier género, tiene sus obras maestras, sus obras mediocres y una infinidad de títulos prescindibles y sin interés, pero siempre hay que juzgar un género, y a la humanidad misma, por sus mejores obras, no por las obras corrientes. Y el género musical, cuando lo hace bien, es de lo más maravilloso que el cine puede ofrecer.
_Hacer un buen musical es muy difícil, sin duda es de los géneros más complicados del cine. Además, es importante considerar el musical desde su vertiente más lírica y poética. Es un género muy irreal, pero el cine no tiene porqué ser siempre realista, naturalista, verosímil, y en cualquier caso en una pelicula musical bien hecha los números musicales se engarzan sin sobresaltos en la trama, parecen fluir naturalmente, parece de lo más natural que los personajes empiecen a bailar y cantar. El musical prescinde de la verosimilitud por completo, ¡eso es lo maravilloso!. Aunque quizá si hay talento todo parece verosímil y si no hay talento no lo parece.
_Siempre es una cuestión de medida, de talento. El musical, cuando es bueno, expresa la poesía lírica de la vida a través de canciones, de coreografías… Es un género con convenciones artificiosas e idealistas, pero todos los géneros tienen sus convenciones más o menos artificiosas, o sus licencias. El musical, cuando está logrado, más que intentar parecer verosímil llega más lejos aún y nos hace sentir que la vida incluso debiera ser como un buen musical, y eso son palabras mayores, eso es gran cine con una carga poética enorme, lleno de vitalidad.
_Si la película está lograda no se nota falta alguna de integración de los números musicales en el argumento, aunque en realidad los números musicales no están en absoluto integrados, pero parecen estarlo, no es verosímil ni lógico y sin embargo parece real y sobre todo muy vivo. No son las convenciones inverosímiles del género las que en el fondo estropean un musical, es simplemente falta de talento, de equilibrio en la extensión de los números musicales, o que los propios números musicales son demasiado largos o las melodías no son tan buenas como debieran.
_Quizá un buen musical es como la ropa a la que no se le notan las costuras, y un mal musical es como esa ropa a la que la estructura se le nota tanto que se chilla… todo se hace con piezas, en lo que está bien hecho todo parece integrado y en lo que no, se notan las partes, pero todo tiene partes, es la habilidad del modisto lo que hace invisible las partes y crea un todo…
_Lo importante es si la película tiene esa magia que te atrapa, o no la tiene, en realidad es talento y también fluidez narrativa. Más que verosimilitud creo que una buena película tiene como algo magnético que te coge y no te suelta hasta que termina, que te embarca en un viaje. Y hay maravillosos musicales que logran cogernos y hacernos volar.
_Un musical puede ser absurdo e inverosímil y ser un buen musical, no creo que por poner un ejemplo atípico el musical de Lars Von Trier sea verosímil o lógico, pero trascendiendo incluso las convenciones del género, es un trabajo muy original e interesante.
_Yo amo el musical como aliento humano, lírico, poético, y creo que su mayor virtud humana y artística es prescindir del realismo y mostrar la vitalidad humana a través de canciones y bailes, pero esto sólo sucede cuando hay un talento sublime que sepa hacer una película mágica. Es un cine idealista, imaginativo, fantástico. Y es maravilloso que sea un género creado por el cine, aún más cinematográfico que los demás, que son adaptaciones de géneros literarios. En realidad, un buen musical es cine elevado a la máxima potencia.
_Es verdad que rara vez se llegan a desarrollar todas las virtudes del musical, pero el musical tiene algunas películas magníficas que han logrado darle todo su sentido, desplegar sus maravillosas alas. Y, en cierto modo, el cine no cobraría todo su sentido sin el musical.
_Aunque ahora se realizan pocos musicales, género difícil y arriesgado, destacan el revolucionario musical de Lars Von Trier, en España el gran éxito de taquilla “El otro lado de la cama”, que tuvo su secuela y todo. Y en Francia “On connait la chanson” de Resnais, que es original, aunque, claro, para mí no hay nada como “Cantando bajo la lluvia” con Gene Kelly, y “Sombrero de copa” con Fred Astaire y Ginger Rogers.
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más y más pelis...

2008-12-07T09:05:00.000+01:00

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Surcos (1951) José Antonio Nieves Conde. Una obra maestra del cine español, que expresa el drama de una familia que abandona el campo atraída por el engañoso brillo de la gran ciudad. Soberbia en todos los sentidos, aún hoy sorprende la valentía del planteamiento y el latido de realidad que la recorre. Quizá la obra cumbre del neorrealismo español.
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Los amantes (1958) Louis Malle. Notable film del gran director francés que aborda con elegancia y pasión el final y el comienzo del amor, reivindicando el derecho de buscar la felicidad más allá de las rutinas y condicionamientos sociales. Soberbia en todos los aspectos, resultó audaz y liberadora la magistral secuencia en la que Moreau alcanza el éxtasis al ser complacida oralmente. El deseo y necesidad de alegría y placer de la mujer rara vez ha sido expresado con la maestría de este clásico imprescindible, quizá de las películas que más han hecho por la revolución sexual, y no sólo sexual, femenina. Y cine para amar el cine...
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Hatari! (1961) Howard Hawks. El maestro Hawks logra otra magnífica película, sin importarle el género, con esa sencillez, fluidez y alegría de vivir que sólo poseen los más grandes. Aventuras en el corazón de África con un gran sentido del humor, la melodiosa música de Henry Mancini, y con el gran John Wayne. Vitalidad a raudales.
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God's country (1985) Louis Malle. Excelente documental sobre un pueblo americano rural, que se adentra en la vida cotidiana de sus habitantes e indaga en el sentir popular y conflictos latentes. Además Malle realiza una segunda visita pasados unos años y contempla la nefasta repercusión de la política Reagan, un actor metido a presidente, en el pueblo. Y es que el Louis Malle documentalista merece ser más conocido y reivindicado.
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Mariposa negra (2006) Francisco J. Lombardi. Los crímenes contra la humanidad, la corrupción política y periodística, y el dolor que se vuelve una mezcla de justa indignación y cuestionable deseo de venganza recorren una película que no desarrolla todas sus posibilidades pero denuncia realidades nauseabundas y quizá plantea si hay algún grado de justicia en algunas venganzas.
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La banda nos visita (2007) Eran Kolirin. Una mirada serena y con sentido del humor sobre las peripecias humanas de una banda egipcia en Israel. Recorrida por un aliento vitalista resulta una película entrañable que diluye las fronteras y fomenta la comprensión, el respeto y el poder fraternal de la música.
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XXY (2007) Lucía Puenzo. Loable propósito humano para este film primerizo que aborda la condición hermafrodita. El propósito merecía quizá una dirección al estilo de Oshima en "El imperio de los sentidos", con esa franqueza sin velos, y menor gelidez plagada de innecesarios simbolismos, pero a pesar de la falta de naturalidad mostrada (siempre se elude visualmente lo que debería ser mostrado sin énfasis ni ocultado con mojigatería) apuesta por la riqueza de la vida en vez de por las castradoras normalizaciones sociales. La película acierta de pleno al plantear qué se espera socialmente de cada cual según el sexo al que pertenece, y cómo no encajar en estas exigencias suele acarrear desprecio o marginación. Aunque se trata de un film bastante fallido y mejorable revela que lo que suele fallar y ser mejorable es la comprensión humana.
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la calidad de imagen

2008-12-06T09:32:00.000+01:00

_La calidad de imagen con la que vemos una película es importante, aunque es más importante la película. Una película con una calidad de 35mm o HD pero que no tenga interés alguno es una pérdida de tiempo. Una película con calidad de video, incluso con las características rayas de vez en cuando, y esa nitidez no muy lograda, puede ser una experiencia maravillosa si la película lo es. Una película con la calidad de una copia en dvd en teoría debe ofrecer una imagen de calidad, depende de todas maneras del cuidado con el que se haga la edición, que en ocasiones no se remasteriza y no es lo bastante digna. Una película vista en el cine, proyectada en 35mm en teoría ofrece la calidad de imagen original, sin embargo, a medida que las películas son proyectadas también aparecen imperfecciones y el sonido se deteriora, así que puede ocurrir como con los vídeos. El nostálgico Grindhouse sirve de ejemplo de alteración de la imagen a raíz de la continuada proyección de una misma copia de celuloide.
Y por último internet. En internet se pueden ver contenidos de bastante calidad, pero también contenidos con calidad bastante deficiente, y el pixelado desde luego afecta mucho a la percepción visual de la película. El trabajo de los directores de fotografía se ve mermado muchas veces al perderse matices del color, cosa que también ocurre en las copias en dvd si la edición, definiendo adecuadamente los colores, no se hace bien.
_La calidad de la imagen que debemos exigir cuando se nos cobra una entrada, o se nos alquila una película, en videoclub o por internet, debe ser la máxima, y en la edición en dvd sería justo que las películas antiguas se editaran siempre remasterizadas, pero no hemos llegado todavía a tanto respeto por el arte cinematográfico. De todas formas hay más factores que infuyen en la percepción de una película, como sobre todo, la posibilidad de escucharla sin el sonido de las palomitas, los cotilleos vecinos, sonidos de móvil... por lo que la verdad es que en mi caso el cine lo frecuento poco, aunque veo más cine del razonable quizá, aunque a veces a costa de dormir poco... Y es que sea con la calidad de imagen que sea, cuando una película nos coge de verdad, no nos suelta y no queremos que acabe.
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internet, oportunidad y peligro para el cine

2008-12-03T21:31:00.001+01:00

_Antes que nada, decir que no entiendo cómo hemos podido vivir tantos años sin internet, me parece una oportunidad maravillosa para conocer, descubrir, compartir, aprender... y llevo varios años aprovechando este medio increíble.

_Sin embargo, centrándonos en el cine (aunque se puede ampliar a todo lo demás), hace poco he leído a un reconocido crítico que otro ha omitido un trabajo en su opinión muy interesante porque su obra no está aún en la red, vamos, que la pereza de ir a la biblioteca le pudo al crítico. ¡Qué poca sangre!.

_El peligro, cosa evidente, es que internet se convierta en el único medio de conocimiento humano, que se queden fuera los contenidos que no se hayan introducido en la red, y temo que es un peligro más que latente. Sin ir más lejos, una vez encontré que toda la información que una productora daba de alguien, ¡estaba copiada de este rincón de cine y me citaban a mí como fuente en vez de citar al libro (que yo señalaba) del que lo copié!.

_Internet es tan sencillo de manejar y exige tan poco que la pereza humana puede quedarse en la consulta a internet y fin de la investigación, lo que en el mundo del cine, por ejemplo, llevaría a creer que la obra de Val del Omar es la única que sale en imdb, cuando no es así.

_Dada la propensión a la pereza de una parte de la humanidad, debemos estar alerta al hecho de que internet no lo abarca todo, ni siquiera lo abarca todo una biblioteca de provincias. Para cualquier estudio serio y profundo, hay que indagar en la bibliografía existente, no conformarse con lo que se encuentre en internet o en la biblioteca más cercana.

_Me ha parecido muy poco profesional ese proceder por parte de un crítico de cine, pero si el pecado de la pereza ha llegado hasta algunos segmentos de la crítica institucionalizada, ¿qué será de quienes sólo consultan la red y jamás abren un libro...?. Es peligrosa la persona de un solo libro, y la de una sola fuente de información, aunque sea internet.

_Internet podría llegar a contener todos los fondos bibliográficos mundiales, sería lo desable, y también los videográficos y musicales, pero hasta entonces, internet abarca mucho pero no todo, conviene recordarlo.

_Desde este rincón de cine, no es raro que se remita a alguna bibliografía publicada, para ampliar. Es lo natural.

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http://www.miradas.net/2006/n51/estudios/jrosenbaum.html
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150 películas de la historia del cine

2008-12-03T00:01:00.000+01:00

150 películas de la historia del cine
www.arrebatodecineoriginal.blogspot.com
(diciembre 2008)
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La historia del cine es inabarcable, además muchos films han desaparecido, y las listas de películas siempre dejan fuera maravillas ignoradas, pero aquí hay otra de las infinitas posibles, en la que he incluído también cortos, documentales, cine sexual, film-ensayo, animación y alguna película experimental. Hay más de 150 títulos, aunque podrían ser 1000... o más.
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1902- Viaje a la luna _George Meliés (corto)
1905- El hotel eléctrico _Segundo de Chomón (corto)
1912- La venganza del cámara _Ladislas Starevicz (animación)
1916- Intolerancia _D.W. Griffith
1919- Lirios rotos _D.W. Griffith
1922- Nanuk el esquimal _Robert J. Flaherty (documental)
1923- Una mujer de París _Charles Chaplin
1923- Avaricia _Erich von Stroheim
1925- El acorazado Potemkin _Sergei Eisenstein
1926- Metrópolis _Fritz Lang
1927- Amanecer _F.W. Murnau
1927- El maquinista de la general _Clyde Bruckman y Buster Keaton
1927- El viento _Victor Sjöstrom
1927- Napoléon _Abel Gance
1928- Un perro andaluz _Luis Buñuel y Salvador Dalí
1928- La pasión de Juana de Arco _Carl Dreyer
1929- La caja de Pandora _G.W. Pabst
1929- El hombre de la cámara _Dziga Vertov (documental experimental)
1930- La tierra _Alexander Dovhzenko
1930- La edad de oro _Luis Buñuel
1930- El ángel azul _Josef Von Sternberg
1931- Frankenstein _James Whale
1931- Muchachas de uniforme _Leontine Sagan
1932- La parada de los monstruos _Tod Browning
1934- L'atalante _Jean Vigo
1934- Sucedió una noche _Frank Capra
1935- Una noche en la ópera _Sam Wood
1936- Una partida de campo _Jean Renoir
1936- Tiempos modernos _Charles Chaplin
1936- Al servicio de las damas _Gregory LaCava
1937- Blancanieves y los siete enanitos _VV.AA. (animación)
1938- Robín de los bosques _Michael Curtiz
1938- La fiera de mi niña _Howard Hawks
1939- La diligencia _John Ford
1939- Ninotchka _Ernst Lubistch
1940- El gran dictador _Charles Chaplin
1940- Luna nueva _Howard Hawks
1940- Historias de Filadelfia _George Cukor
1940- Las uvas de la ira _John Ford
1941- Ciudadano Kane _Orson Welles
1941- Las tres noches de Eva _Preston Sturges
1941- Bola de fuego _Howard Hawks
1941- Los viajes de Sullivan _Preston Sturges
1942- Casablanca _Michael Curtiz
1942- Ser o no ser _Ernst Lubitsch
1942- La mujer pantera _Jacques Tourneur
1943- Meshes of the afternoon _Maya Deren y Alexander Hammid (corto)
1944- Arsénico por compasión _Frank Capra
1944- Laura _Otto Preminger
1944- Perdición _Billy Wilder
1946- Breve encuentro _David Lean
1946- El cartero siempre llama dos veces _Tay Garnett
1946- Encadenados _Alfred Hitchcock
1947- El fantasma y la Sra. Muir _J.L. Mankievick
1949- La costilla de Adán _George Cukor
1950- Rashomon _Akira Kurosawa
1950- Eva al desnudo _Joseph L. Mankievick
1952- Cantando bajo la lluvia _Stanley Donen y Gene Kelly
1952- Bienvenido Mr. Marshall _Luis G. Berlanga
1952- Solo ante el peligro _Fred Zinnemann
1953- Cuento de Tokyo _Yasujiro Ozu
1953- Las vacaciones de M. Hulot _Jacques Tati
1953- Te querré siempre _Roberto Rossellini
1953- Aguaespejo granadino _José Val del Omar (experimental)
1955- El lamento del sendero _Satyajit Ray
1955- La noche del cazador _Charles Laughton
1955- La palabra _Carl Dreyer
1955- Muerte de un ciclista _Juan Antonio Bardem
1955- Noche y niebla _Alain Resnais (corto documental)
1956- Un condenado a muerte se ha escapado _Robert Bresson
1958- Vértigo _Alfred Hitchcock
1958- Mi tío _Jacques Tati
1958- Cenizas y diamantes _Andrzej Wajda
1958- Los amantes _Louis Malle
1959- Con faldas y a lo loco _Billy Wilder
1959- Al final de la escapada _Jean-Luc Godard
1959- La evasión _Jacques Becker
1959- Hiroshima mon amour _Alain Resnais
1960- La aventura _Michelangelo Antonioni
1960- El fotógrafo del pánico _Michael Powell
1960- La evasión _Jacques Becker
1961- El año pasado en Marienbad _Alain Resnais
1961- Jules y Jim _François Truffaut
1962- El ángel exterminador _Luis Buñuel
1963- El gatopardo _Luchino Visconti
1963- Flaming creatures _Jack Smith
1963- La jetée _Chirs Marker (cortometraje foto-relato)
1964- Gertrud _Carl Dreyer
1965- La muerte tenía un precio _Sergio Leone
1965- Pajaritos y pajarracos _Pier Paolo Pasolini
1965- La mano _Jiri Trnka (animación)
1966- Persona _Ingmar Bergman
1966- Andrei Rublev -Andrei Tarkovski
1967- Trenes rigurosamente vigilados _Jiri Menzel
1968- El planeta de los simios _Franklin J. Schaffner
1968- 2001, una odisea del espacio _Stanley Kubrick
1968- La noche de los muertos vivientes _George A. Romero
1971- El soplo en el corazón _Louis Malle
1971- El diablo sobre ruedas _Steven Spielberg
1972- El último tango en París _Bernardo Bertolucci
1972- La huella _Joseph L. Mankievick
1972- Solaris _Andrei Tarkovski
1972- Garganta profunda _Gerard Damiano (cine sexual)
1973- El espíritu de la colmena _Víctor Erice
1973- Amarcord _Federico Fellini
1973- Aguirre, la cólera de Dios _Werner Herzog
1973- Tras la puerta verde _Jim y Artie Mitchell (cine sexual)
1973- El diablo en la señorita Jones _Gerard Damiano (cine sexual)
1974- Chinatown _Roman Polanski
1975- Corazón de cristal _Werner Herzog
1975- El sexo que habla _Frederic Lansac (cine sexual)
1976- El imperio de los sentidos _Nagisa Oshima
1978- Días del cielo _Terrence Malick
1978- Barbara broadcast _Henry Paris (cine sexual)
1979- Arrebato _ Iván Zulueta
1979- La vida de Brian _Terry Jones
1979- Manhattan _Woody Allen
1982- Blade Runner _Ridley Scott
1982- Sin sol _Chris Marker (film-ensayo)
1983- El sur _Víctor Erice
1985- La rosa púrpura del Cairo _Woody Allen
1986- Terciopelo azul _David Lynch
1986- Sacrificio_Andrei Tarkovski
1986- El rayo verde _Eric Rohmer
1986- Hannah y sus hermanas _Woody Allen
1986- Bajo el peso de la ley _Jim Jarmusch
1987- Mujeres al borde de un ataque de nervios _Pedro Almodóvar
1988- Un pez llamado Wanda _Charles Crichton
1988- Bird _Clint Eastwood
1988- ¿Quién engañó a Roger Rabbit? _Robert Zemeckis
1990- La chica de la fábrica de cerillas _Aki Kaurismaki
1991- La masajista _Paul Thomas (cine sexual)
1992- Reservoir dogs _Quentin Tarantino
1993- Pesadilla antes de navidad _Henry Selick (animación)
1994- Clerks _Kevin Smith
1994- Agárrate el pañuelo, Tatiana _Aki Kaurismaki (mediometraje estrenado como largometraje)
1994- Cuatro bodas y un funeral _Mike Newell
1994- Balas sobre Broadway _Woody Allen
1995- Dead man _Jim Jarmusch
1997- Boogie nights _Paul Thomas Anderson
1997- Madre e hijo _Aleksandr Sokurov
1997- Zazel _Philip Mond (cine sexual)
1998- La delgada línea roja _Terrence Malick
1998- Hana-bi, flores de fuego _Takeshi Kitano
1999- El viento nos llevará _Abbas Kiarostami
1999- Magnolia _Paul Thomas Anderson
2000- Los espigadores y la espigadora _Agnés Varda (documental)
2000- Evasión en la granja _Peter Lord y Nick Park (animación)
2000- Bailar en la oscuridad _Lars von Trier
2000- Deseando amar _Wong Kar-Wai
2000- La isla _Kim Ki Duk
2001- El viaje de Chihiro _Hayao Miyazaki (animación)
2001- Amelie _Jean-Pierre Jeunet
2002- El hijo _Jean-Pierre y Luc Dardenne
2004- Hierro 3 _Kim Ki Duk
2004- Olvídate de mí _Michel Gondry
2004- Entre copas _Alexander Payne
2004- El castillo ambulante _Hayao Miyazaki (animación)
2004- Los increíbles _Brad Bird (animación)
2005- Match point _Woody Allen
2006- La ciencia del sueño _Michel Gondry
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ANNIE SPRINKLE: una mirada femenina sobre la sexualidad

2008-12-01T00:01:00.002+01:00

Annie Sprinkle: una mirada femenina sobre la sexualidad
_Con el término, imposible porque cada mujer y persona es un mundo, de porno para mujeres, se está dando sin embargo un paso más hacia el reconocimiento de la sexualidad femenina, como algo que existe, aunque de lo que se habla poco o con muchos prejuicios todavía, y sobre la realidad del cine sexual, incluso de su conveniencia, bondad y necesidad.
_Hablar de un porno para mujeres, indirectamente es reconocer que las mujeres también sienten un gran deseo sexual que el porno puede estimular y complacer, y que el cine sexual no es algo sólo para hombres ni es denigrante, ni para la mujer ni para el hombre.
_Sin embargo, las visiones femeninas sobre el cine sexual no empiezan con este término, se remontan a los 70, la edad dorada del cine sexual, y una de las figuras femeninas más destacadas, además de las directoras Gail Palmer y Anna Riva, y luego de Candida Royalle, es Annie Sprinkle, que fue actriz porno, y luego directora, y luego performer, y sexóloga, y educadora y...
_En fin, dejo un artículo muy interesante sobre esta mujer excepcional. Y debajo el enlace del que lo he tomado, en la excelente
http://www.eictv.co.cu/miradas/
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escrito por Redacción de Miradas
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_Annie Sprinkle tenía 17 años cuando supo qué era el sexo. A esa edad, y ostentando aún su nombre de bautismo, Ellen Steinberg, le fue revelado que tener sexo era un fuente de placer y energía únicos. Hasta ese momento, había sido una chica normal, regordeta y tímida, sin atractivos especiales, hija de una familia de académicos universitarios judíos que habitaban en una zona suburbana de Los Ángeles. Además, tenía estudios de ballet y créditos como girlscout. Nada más.

_No obstante, el período de aprendizaje y descubrimiento que comenzó en lo adelante la llevarían a la conclusión de que “si la gente fuera más orgásmica, supieran cómo crear más intensidad y energía sexual. Mucha gente tiene sexo, pero ello no significa mucho. No utilizan todo su potencial.” De ahí que su transmutación se iniciara en el mismo escenario de la identidad: se hizo llamar Annie Sprinkle. Sprinkle, o rocío, hacía referencia a su obsesión con los fluidos: “Estaba atraída por los rociados sobre los conos de helado y por el sonido de la humedad. Me gustan las cascadas, la orina, el fluido vaginal, el sudor, cualquier cosa húmeda. Así que el nombre "Annie Sprinkle" pareció perfecto.”

_En esta historia, que como casi cada una que vale la pena hay mucho de descubrimiento y redención, Annie acabó convirtiéndose en estrella porno. Desde inicios de los años 70, participó en más de 50 películas, e incluso se dirigió a sí misma en 1981 en Deep Inside Annie Sprinkle. Una década después, abandonó la pornografía comercial y comenzó a aparecer en películas underground, cortos y documentales. Su aparición en War Is Menstrual Envy (1992), de Nick Zedd, interpretándose a sí misma, ofrece una pista de las derivaciones que toma su trabajo en la dirección de transformarse en activismo del feminismo porno. Su colaboración con el grupo neoyorquino del Cine de la Transgresión se expandió a realizadores como Nina Hartley y Monika Treut, y a obras propias en esta dirección, como Linda/Les & Annie: The First Female to Male Transsexual Love Story y The Sluts & Goddesses Video Workshop: Or How to Be a Sex Goddess in 101 Easy Steps. En el caso de sus producciones en video de los años 90, son documentaciones de sus performances en vivo, en los cuales incluye educación sexual, seminarios de espiritualidad y comedia. Lo que The New York Times considera su obra maestra fue parte de una colaboración con las pornógrafas feministas Candida Royalle y Scarlott Harlott: Annie Sprinkle's Herstory of Porn: Reel to Real, en la cual se resumen sus 25 años de carrera.

_Para Annie, el cuerpo es el lugar esencial de la enunciación, sobre todo el cuerpo femenino, biopolitizado hasta el extremo en sus venideras performances y seminarios, en los cuales es ella misma el objeto de estudio. Más allá de sus declaraciones y apariencia ingenua, así como del uso que la prensa sensacionalista hace de su trabajo, los performances de la Sprinkle son una acaso poco prevaricada sesión de equívocos. En el caso de Public Cervix Announcement, Annie se presenta como una estrella porno, muy maquillada y ligera de ropas, cargada de lencería provocadora, los enormes senos casi sueltos y el cabello adornado con una diadema. Su apariencia de ninfa lista para el ruedo del goce sexual viene trastocada de inicio por su edad y porte físico; Annie ya no es una teenager, ni sus carnes guardan parecido alguno con la arquitectura corporal de una porrista; más bien es de una lividez contrastante con su pelo muy negro. Pero las artes de seducción y conquista se despliegan ante una audiencia que reacciona como ante un personaje teatral cuya representación es pura y evidente farsa. La vocecilla templada y las miradas anhelantes ponen en escena a un espécimen del género femenino dotado de las marcas previsibles para el consumo sexual, producto cuyos atributos simbólicos cifran al género femenino. Pero luego de una introducción en la cual la mujer se refiere a diversos temas en torno al sexo y sus usos, procede a la ilustración de la metáfora del misterio del cuerpo femenino: ante la audiencia atónita, desnuda sus genitales y, a medio acostar, coloca unos espéculos de manera que su cavidad vaginal quede bien visible; a seguidas, entrega una linterna a los participantes y los invita a mirar sin reservas.

_Para Ziad Touma, “El uso genuinamente cándido de material explícitamente sexual no es meramente sensacionalista, por el contrario, Annie educa a las audiencias acerca de varios aspectos de la sexualidad de las mujeres y desmitifica la anatomía femenina. Derrotando tabúes, su discurso proporciona un campo de batalla político, abrazando los estereotipos existentes y reapropiado roles que han sido vandalizados y explotados por la cultura patriarcal, reforzando por tanto el control femenino sobre su representación. (…) Si el propósito artístico primordial de Annie reside en la desmitificación de la sexualidad femenina, entonces ella requiere desplegar una aproximación sincera, directa y personal para comunicar con su audiencia.” Y menciona como ejemplo que en la película Sluts And Goddesses Video Workshop or How To Be A Sex Goddess In 101 Easy Steps, ella escoge el papel de maestra de ceremonias, un mentor sexual sicodélico y amistoso que da clases privadas de forma juguetona, dirigiéndose al espectador de manera directa y franca. “Consecuentemente, ella destaca su propia presencia en la pantalla y reconoce la compañía del observador concreto mirando directamente al lente de la cámara…” En verdad, esa ligereza especial y la comicidad aparente de sus evoluciones operan en la dirección de reconstruir la victimización femenina tradicional.

_En la nomenclatura del sicoanálisis, Freud define el voyeurismo como una forma sexualmente gratificante de escopofilia, relacionada con el acto de mirar a personas que no pueden devolver la mirada o que no saben que están siendo miradas. Al dirigirse directamente a quien observa, Annie devuelve la mirada y, por tanto, conquista el concepto de voyeurismo al eliminar la actividad sexual preferencial de espiar con astucia. En semejante trabajo de eliminación de la despersonalización de la mirada, que juega con la cualidad de voyeur con que el modelo cinematográfico institucional impregna sus tratamientos, la Sprinkle incorpora además material seudoeducacional manejado con un tono de intimidad propio de la voz maternal; ello, introduce un nuevo valladar al consumo del cuerpo y la sexualidad femenina, al evocar la sombra de la posibilidad del incesto en un material que deconstruye tabúes haciéndolos presentes y actuantes. El propio Ziad Touma considera que este exhibicionismo autoconsciente indica que “cansada de ser la fantasía de alguien más, ella utiliza su performance para deconstruir el objeto de deseo estándar”, lo cual supone “una estrategia mucho más militante que la simple reversión de los roles de género.”

_Es lo que queda claro con Post Post Porn Modernist, performance en el cual invita a quien lo desee a tomar fotos mientras posa en posturas fetiches de la fotografía porno. O en Public Cervix Announcement, cuando exhibe láminas del sistema reproductor femenino y profiere: “Conozca el coño, es su amigo.” He aquí la más profunda erosión de ancestrales mecanismos de control que activa Annie: el escenario de la venida al mundo, al tiempo que la fuente de placer mitologizada y difusa, uno de los grandes misterios de la cultura, es despojado en un abrir y cerrar de ojos de su peso simbólico, al ser mostrado en su hermosura profana, en su carnalidad sin atributos más que ser aquella región vital del cuerpo femenino alrededor de la cual funcionan un millar de convenciones y normas que la Sprinkle arroja al cesto de desperdicios, hasta dejar vigentes solamente la sumatoria de funciones biológicas e inscripciones materiales que viene a ser. Y aún está el factor didáctico, que refuerza Annie con sus comentarios irónicos: “¡Algunos hombres piensan que tenemos dientes allí!".

_Adrienne Rico ha definido el trabajo de la diva del pos porn modernism como una operación que "penetra un texto viejo con una nueva dirección crítica", la cual rechaza el falocentrismo y la construcción deseable, masculina y patriarcal de la sexualidad para afirmar, mediante el género, un modo vital de construcción ideológica de la sexualidad femenina, concerniente antes a asuntos de género que de sexo.

_No por gusto, en una entrevista que para la revista de cine Bright Light le hiciera Gary Morris, la Sprinkle declarara: “Pienso que, en términos del performance, los medios y el arte, cualquier exploración del sexo es intrínsecamente algo bueno. (…) Los momentos de ser erótica, sensual, sexual con mi amante, son los más bellos, espirituales y curativos que experimento en mi vida. Cuando estuve en la prostitución, no siempre era como en las películas. Las prostitutas no siempre son asesinadas violentamente o salvadas por un multimillonario. Nunca ves a la puta feliz, a la mujer enérgica que hace un buen trabajo.”

_Annie, que tiene estudios en The School of Visual Arts de New York, más un Master y un doctorado en Sexualidad Humana en el Institute for Advanced Study of Human Sexuality de San Francisco en 2002, mencionó que se encontraba trabajabando en un documental acerca del orgasmo. Al final del diálogo, y a propósito de una pregunta en torno a qué clase de mundo sería el ideal para ella, confesaba: “Tengo una visión del futuro en el cual toda la educación sexual necesaria está disponible para todos; no habrá necesidad de abortar ni transmisión de enfermedades por vía sexual. (…) El sexo es un arma curativa poderosa que será usada regularmente en hospitales y clínicas siquiátricas. Aprenderemos a usar el orgasmo para prevenir y curar enfermedades tal y como los antiguos tántricos y taoístas hicieron. Los trabajadores sexuales serán ampliamente respetados (…) y el deseo dejará de ser un crimen. Los hombres serán capaces de tener múltiples orgasmos sin eyacular, por lo cual podrán mantener una erección cuanto quieran. Las mujeres eyacularán… A nadie le importará con gente de qué sexo tiene sexo cada quien. En el futuro, todos estarán tan sexualmente satisfechos que será el fin de la violencia, la violación y la guerra.”
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Filmografía básica de Annie Sprinkle
actriz
Electra Elf: The Beginning Parts One & Two (2005) (video)
The Keep (2005)
H.C.E. (2005)
Hearts Cracked Open (2004)
Ecstasy in Entropy (1999)
Erotica: A Journey Into Female Sexuality (1997)
The Fanny (1997) (V)
Bubbles Galore (1996)
Pinned and Smothered (1992) (video)
War Is Menstrual Envy (1992)
My Father Is Coming (1991)
Mature Women 2 (1991) (video)
Shadows in the City (1991)
The Golden Boat (1990)
Fantasy Salon (1990)
Mondo New York (1988)
Dreams of Desire (1988)
Hotter Than July (1988)
The Lingerie Shop (1987)
She-Male Encounters 5: Orgy at the Poysinberry Bar (1987)
Young Nurses in Love (1986)
Spitfire (1984)
Throat: 12 Years After (1984)
Interlude (1983)
Oriental Techniques in Pain and Pleasure (1983)
Midnight Blue 2 (1980)
Princess Seka (1980)
The Devil Inside Her (1977)
The Affairs of Janice (1976)
Come with Me, My Love (1976)
Call Me Angel, Sir! (1976)
Too Hot to Handle (1976)
My Erotic Fantasies (1976)
Mash'd (1976)
Honeypie (1976)
The Night of Submission (1976)
Pornocopia Sensual (1976)
Sherlick Holmes (1976)
Slippery When Wet (1976)
Kathy's Graduation Present (1975)
Satan Was a Lady (1975)
Teenage Covergirl (1975)
Wild Pussycats (1975)
Seduction (1974)
-
directora
Herstory of Porn: Reel to Real (1999)
Linda/Les and Annie (1992)
Sluts & Goddesses Video Workshop (1992, video)
Rites of Passion (1987)
Deep Inside Annie Sprinkle (1981)
My Erotic Fantasies (1976)
-
guionista
Sluts & Goddesses Video Workshop (1992) (video)
Rites of Passion (1987)
Deep Inside Annie Sprinkle (1981)
My Erotic Fantasies (1976)
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Selección de textos y redacción: Dean Luis Reyes
http://www.eictv.co.cu/miradas/index.php?option=com_content&task=view&id=531&Itemid=93
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http://en.wikipedia.org/wiki/Annie_Sprinkle (english)

http://www.anniesprinkle.org/html/welcome.html ver sus 40 razones por las que para Annie Sprinkle las putas son heroicas. Ella misma las llama putas sin ningún tono peyorativo. http://www.anniesprinkle.org/html/writings/whores_heroes.html

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El abismo de los sentidos + El imperio de los sentidos

2008-11-28T03:27:00.000+01:00

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_Mi admiración por la obra maestra de Nagisa Oshima es tal que me llevé una alegría al tropezarme de casualidad con el título de Tanaka, que se basa en la misma historia real ocurrida en Japón.
_Según Carlos Aguilar en su Guía del cine, la película El abismo de los sentidos es una obra de una "entidad artística estimable”, aunque no he tenido ocasión de verla.
_Este programa doble es un deseo personal y también una propuesta, que podría dar pie a una velada cinéfila apasionada, seguida de una reflexión sobre ambas películas. El orden, además de cronológico quizá sea el lógico.
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PROGRAMA DOBLE ¿PARA UNA NOCHE DE LUNA LLENA?
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El abismo de los sentidos (1975), de Noburo Tanaka
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El imperio de los sentidos (1976), de Nagisa Oshima
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el embargo de las críticas de cine

2008-11-26T00:10:00.000+01:00

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_Existe el embargo de la crítica cinematográfica. La cosa funciona de la siguiente manera. Antes del estreno de una película (de gran presupuesto) se hace un pase previo para críticos de cine. Si a la salida de la proyección la crítica opina que la película es infumable, se obliga a los críticos a guardar silencio sobre lo que han visto hasta que la película sea estrenada. Una vez sea estrenada, podrán expresar su opinión, pero sin haber tenido la oportunidad de alertar al público incauto sobre lo que van a ver. De esta manera se garantiza que al menos el primer fin de semana haya una entrada enorme, que no haya sido mermada de ninguna manera por la crítica.
_Una prueba más de la importancia de la crítica, y de prácticas poco legítimas de la industria del cine. Ah, por supuesto, si la crítica alaba la obra, no se embarga la opinión de los críticos de cine sino que se les deja expresarse cuanto antes mejor. Y en los carteles incluso se seleccionarán alabanzas, los premios obtenidos...
_También hay que comentar que se han dado casos de críticas de cine creadas directamente por directivos de las propias compañías productoras, o sea críticas de cine vacías e interesadas por completo. A algunos se les ha descubierto, pero quedarán más encubiertos...
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http://www.libros2.ciberanika.com/desktopdefault.aspx?pagina=%7E/paginas/entrevistas/entre328.ascx
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una partida de campo

2008-11-23T08:03:00.000+01:00

imagen de la maravillosa Una partida de campo, de Jean Renoir

cine sexual: la flor de la alegría y la semilla de la vida

2008-11-23T03:01:00.000+01:00

_Sinceramente, como a la mayoría de los hombres a los que nos atrae el sexo complementario (opuesto no me lo parece) no me molesta en absoluto el desnudo femenino en el cine, pero eso no quita que incluso disfrutando de algunas bellezas femeninas en pantalla haya desnudos bastante gratuitos e innecesarios. Insisto en que es agradable para mí ver un bello pecho y todo lo demás, pero en realidad no aportan nada a la historia y son tan injustificables como esas tomas de una pareja en la intimidad en las que las sábanas (incluso pegadas con cinta adhesiva) tapan los caracteres sexuales, primarios y secundarios, de manera ridícula, como si eso fuera así.

_No creo que se me pueda acusar de libertino ni de mojigato respecto a la sexualidad (aunque en realidad me da igual de lo que se me acuse) pero creo que el desnudo para verle el vello púbico o los pechos o... a la protagonista no es síntoma de liberalización sexual o progresismo sino precisamente de lo contrario, es reaccionario hasta la médula sobre todo cuando al actor principal no se le muestra igualmente desnudo. Se trata de una igualdad ante el desnudo que no suele darse, y que revela para mí una mirada sesgada, hipócrita o intrusiva, cuando no superficial y frívola, o tímida. Es ir más allá de lo natural o quedarse a medio camino de lo natural. Se usa a menudo el sexo y el desnudo como reclamo taquillero pero a la hora de la verdad no se llegará a la franqueza y honestidad de "El imperio de los sentidos". Se aborda el sexo con un tratamiento epidérmico del desnudo femenino, e incluso del masculino, cuando no mercantilista. ¿Cuántas películas sólo tienen un par de desnudos y poco más? ¿Iría alguien a verlas sin esos desnudos? Sinceramente, para ver desnudos y sexo hay medios de sobra, aunque hasta que apareció internet todo era muy distinto, tanto que a los que ya han nacido en la era internet les parecería increíble. El cine, de cualquier manera, es otra cosa, algo muy distinto.

_Hay sectores supuestamente progresistas que colocan desnudos en sus films como pretendidas muestras de lo transgresores que son, pero si a esas películas les quitamos esas escenas las películas no pierden ni una coma, pero un bello desnudo se suele acoger con agrado, y cualquier avispado sabe que el desnudo y el sexo vende.

_Por eso denuncio el uso improcedente de tantos desnudos intrusivos y voyeuristas en vez de naturales. Y también denuncio la mojigatería ridícula en las escenas de cama, esas sábanas, esas posturas, cambios de plano cuando podría verse lo que no se atreven a enseñar, lo que también es manipular al espectador dándole a entender que se va a mostrar la realidad cuando no se va a hacerlo. Defiendo la franqueza del cine sexual en este sentido, que no usa fundidos en negro ni va de progresista, ni es intrusivo y voyeurista sino más bien documental y exhibicionista si se quiere, pero al espectador no se le manipula con el truco de sugerir y no mostrar, o de mostrar y tapar, con el morbo de aparentar y luego no mostrar.

_El cine convencional eludía la cuestión sexual por completo, hasta el punto de que en cierto modo es anti-sexual. Después se fueron dando pasos hacia el desnudo y los primeros ardores sexuales, mientras quedara ropa y no se viera nada, ahora a veces se llega a mostrar ya la realidad completa, aunque generalmente sin naturalidad, usando el sexo de manera efectista, como reclamo, o con veleidades ridículas. El cine sexual es más digno en este sentido pues no se vende como otra cosa, va de frente, es franco y no se queda a mitad, no usa coartadas argumentales (los argumentos del cine sexual suelen ser muy escasos) ni va de progresista y vanguardista, para mostrar el desnudo y el sexo.

_Ya sería hora de que el cine convencional abandonara los desnudos forzados y las forzadas escenas de cama con posturas entre ridículas y morbosas. Menos desnudos porque sí, sin venir a cuento, y menos sábanas, montaje en las escenas de cama, en las que tampoco tendría que ser la norma mostrar el sexo explícito pero lo natural sería mostrar la desnudez de quienes ya se han visto (todo lo demás) en la intimidad. Sería más natural, y también sería más natural que el desnudo masculino se equiparara con el femenino, pero aún no hemos llegado a asumirlo culturalmente, no es sólo que la mayoría de películas sean dirigidas por hombres. El desnudo masculino es más explícito que el femenino, y más sexual que el femenino, dada la naturaleza sexual masculina, más expuesta, ustedes ya me entienden. Por ejemplo, si en alguna escena aparece un hombre desnudo, en una película convencional, no se le verá sexualmente excitado, pues las leyes de calificación por edades pasarían a calificarla (o descalificarla) severamente. Y claro, resulta increíble ver a un hombre en situaciones altamente eróticas como si tal cosa... vamos, que no es verosímil. Además el público femenino, como es natural, puede tener el deseo de ver en su plenitud natural, e incluso sexual, a sus actores favoritos (yo no creo que el éxito de Rocco Siffredi se debiera simplemente a los hombres aficionados al cine sexual, estoy convencido de que bastantes mujeres avivaron algo más que sus ojos con el mito italiano del porno) lo que es de lo más natural porque si no el mundo no sería mundo. Y además desde los 70 existen directoras de cine sexual, e incluso ahora se ha autoproclamado la etiqueta de porno para mujeres, una mezcla de avance y retroceso, o de negación de la evidencia de que no existe tal cosa ni la contraria, pues hay muchos tipos de hombres y de mujeres.

_Éste es otro asunto sobre el que comentar algo. Cuando el director cumbre del cine sexual, Gerard Damiano, realizó "Historia de Joanna" incluyó también prácticas homosexuales, las acostumbradas lésbicas y como audaz novedad añadió con toda naturalidad también la homosexualidad masculina. El resultado: alborotos y destrozos en varios cines y la escena eliminada en algunos montajes posteriores. Hay gente de mentalidad muy cerrada, y es evidente que el cine sexual convencional es heterosexual y contempla las relaciones lésbicas sin problemas, aunque hay lesbianas que afirman que las escenas de lesbianas suelen ser poco realistas, aunque supongo que de todo habrá, a fin de cuentas son mujeres quienes las interpretan..., pero está claro que tampoco todas las relaciones lésbicas son iguales, tampoco son iguales todas las lesbianas, ni son iguales todos los gays. Pero es cierto que el cine sexual no aporta ni un atisbo de homosexualidad masculina manifiesta, aunque Rocco Siffredi, como poco polémico por su "ímpetu", quizá encarna un eslabón perdido entre el cine hetero y homosexual al fomentar tanto su placer de la puerta de atrás en las relaciones heterosexuales, lo que antes era considerado simplemente un gusto de homosexuales.

_Aunque los desconozco, hay que hablar de la existencia de un cine sexual completamente gay, con sus estrellas, variantes y terminología, al igual que un cine lésbico dirigido por mujeres, aunque sería un error creer que el cine gay sólo lo ven gays, al igual que el cine lésbico no lo ven sólo mujeres, cosa evidente. Hay audiencias reveladoras sobre el consumo de cine gay por mujeres amas de casa, por ejemplo, además de que está claro que las escenas lésbicas son muy atractivas para muchos hombres. Y canales sólo para mujeres que han visto gran parte de su audiencia compuesta por gays... ¡Esto del sexo es más complejo que menos, aunque maravilloso y fluido!.

_Sería deseable un cine sexual que expresara las posibilidades heterosexuales, homosexuales y bisexuales del ser humano (incluso las hermafroditas), aunque hace falta una mentalidad abierta para aceptar algo de tal magnitud. Y quizás las manifestaciones sexuales humanas son tantas que no se puede esperar de una película que abarque todo, aunque sería notable un intento así, una especie de película sexual al estilo de las películas de historias cruzadas, una de esas películas corales, pero en cine sexual. A fin de cuentas, incluso conocer lo que no nos atrae puede ayudarnos a comprenderlo un poco más. O a darnos cuenta de que solemos buscar lo mismo pero de distintas maneras. Y no sólo buscamos sexo, placer, diversión, también buscamos ternura, comprensión, cariño y amor.

_El cine sexual puede servir de mucho si se hace bien, el gobierno francés lo comprendió y financió la producción de cortos de sexo explícito para combatir la transmisión del SIDA, pues en el cine sexual rara vez se usa preservativo, y el ser humano empieza por imitar lo que ve, y con el tiempo a menudo sigue imitando lo que ve, en vez de plantearse o buscar otras posibilidades. Un cine sexual también educativo, didáctico... es una posibilidad.

_La representación sexual en el cine tiene su importancia, y también la tiene la manera en la que se aborda el desnudo. El cuerpo humano y la sexualidad humana no deben tratarse ni con fría y ridícula solemnidad enciclopédica ni con frivolidad, mercantilismo, como medios para otros fines, desde luego menores. Una de las mayores virtudes del cine sexual es que trata la desnudez y la sexualidad con franqueza, no utiliza el sexo para vender una película sino que vende sexo en una película. El cine sexual, por despreciado que sea, no engaña a nadie, es sincero, franco, no usa el desnudo y el sexo como tantas películas que son poco más que pornografía encubierta y voyeurismo morboso.

_Quiero también responder a una especie de crítica que recibe el cine sexual. Se dice a veces que en el cine sexual las mujeres siempre están dispuestas y que el sexo debería ir siempre unido al amor o a sentimientos más duraderos. Esto es una manera de ver el sexo que respeto y comprendo, a fin de cuentas también sé lo que es amar con pasión, y hablo de amar sin medida ("Quien pueda decir cuánto ama, pequeño amor siente", dijo Petrarca) pero no es la única, existe el sexo por el sexo, y existe el placer por el placer, como demuestra el hecho de que la práctica sexual más extendida en todas las épocas y culturas sea el autoerotismo. De la misma manera, hay personas que no precisan de un largo conocimiento previo para entregarse sexualmente ni para intentar el contacto sexual con otra persona. Y esto es lo que suele expresar el cine sexual, que puede ser tachado de inverosímil, por supuesto, pero la vida escribe argumentos que nos parecerían a todos inverosímiles. Sin ir más lejos, y hablando de cine sexual, les relato un caso verídico sucedido no hace mucho tiempo en Roma. Un grupo de amigos, (o por amigos se tenían entre ellos) se reúnen para cenar y alguien pone una película sexual. Puede que no sea de lo más habitual, pero lo surrealista es que la película en teoría no tenía que estar disponible en el país, y allí, frente al televisor el novio de la protagonista (que no tenía ni idea de la doble vida de su novia, estrella porno local) vio como su novia tenía sexo con uno de los amigos que estaba en la reunión de amigos. El resultado de este argumento de la vida real: el novio de la actriz porno se levantó, se fue a la cocina y cuando volvió empezó a acuchillar a diestro y siniestro. No hubo muertos, pero varios acabaron en el hospital, el novio acabó pasando a disposición judicial y la novia, la actriz porno, se marchó del país al día siguiente. Hay quien dice que el novio debía presumir de tener una novia estrella del género, en vez de haberse enfadado... pero visto que se dio a la fuga, más bien no.

_¿Verosímil?, pues así es la vida a veces, increíble. El cine sexual es increíble, bueno, quizá tanto como el cine musical, o el cine romántico, no nos engañemos, que casi todo el cine sigue consignas de planteamiento, nudo y desenlace con final feliz, y cuando no lo hace, los productores suelen meter la mano. El "Calígula" de Tinto Brass, por ejemplo, resultó en una orgía de insertos hardcore porque el productor vio poco comercial que se estrenara con la verosimilitud que quería el director, quien, para dar realismo, quiso mostrar a personas poco favorecidas por la diosa de la belleza.

_El cine sexual, tiene su parte de fantasía y ficción, naturalmente, es que nadie dijo que fueran sólo documentales, pero miren los demás géneros y díganme si alguno se tendría en pie sin sus convenciones, sin el deseo del espectador de disfrutar riendo, llorando, o avivando algo más que los ojos. El espectador es cómplice, pero no es tan tonto como para no saber que está viendo una película, aunque insisto que el cine sexual más bien enfatiza un tipo de sexualidad casual, esporádica, legítima, que siempre ha existido y existirá. Aunque el cine sexual no está cortado todo por el mismo patrón de sexo esporádico, fugaz, casual, rápido, y hay obras que crean atmósferas más románticas, sensuales e incluso amorosas. Quizá sea el mejor cine sexual, o el de mayor alcance, pero sea el cine convencional quien debe dar el paso hacia la sexualidad manifiesta en vez del cine sexual el que dé el paso hacia un mayor calado psicológico e incluso historias más románticas. Se puede realizar el recorrido desde ambos modos de narrar cinematográficamente, pero es algo injusto exigírselo al cine sexual en vez de al cine convencional, además el cine convencional es el que mayor presupuesto y facilidades de distribución y exhibición posee. Incluso una película sexual de alto presupuesto no será estrenada en el cine de su localidad, pasará directamente al acceso previo pago por internet, al alquiler y venta en dvd.
_Respondiendo a la queja: hay mujeres muy dispuestas a la sexualidad, siempre las ha habido y siempre las habrá, al igual que hombres, y básicamente el cine sexual muestra relaciones sexuales de y entre estos hombres y mujeres. Aunque puede expresar más tipos de relaciones y sentimientos. El cine sexual, a menudo considerado pura fantasía masculina, en realidad tiene una base real más grande de lo que se cree, y no aborda sólo fantasías masculinas sino también femeninas. Fantasías de vivir sexo con una actriz impresionante o con un actor impresionante. Fantasías que no tienen que ver con la verosimilitud sino con la idealización, identificación y el deseo disfrutar. Pedirle al cine sexual que sea verosímil, estrictamente documental, que eduque sobre sexualidad, es algo que puede hacer, pero no es su misión, es cine, no una asignatura de la escuela. Y que nunca sea una asignatura de la escuela tal y como son los textos escolares: aburridos. El sexo valioso nunca es aburrido, y el cine sexual suele ser chispeante.
_Al cine sexual, seamos serios, no es justo exigirle lo que no se le suele exigir al cine convencional, pero al cine sexual se le mira con lupa pues siempre está bajo el desprecio ignorante y censor, en realidad a pesar de mover una cantidad enorme de cine y de dinero, sigue estando al margen del cine convencional, con sus canales de distribución alternativos, mientras que eso no ocurre con ningún otro género cinematográfico, ni siquiera con el documental, que alguna que otra vez logra abrirse un merecido hueco en las salas de cine.
_El chispeante cine sexual, por fuerza nace para avivar algo más que los ojos, como todo cine, exigirle que avive todo lo humano, no solamente la sexualidad, es exigirle que deje de ser cine sexual para convertirse en gran cine, ese cine que llega por igual al corazón, la cabeza, el alma y el cuerpo. Yo deseo ver ese cine, pero ya no se tratará de cine sexual, cine de género, sino del cine natural que la vida está reclamando. Algo así como el cine con la profundidad psicológica de Ingmar Bergman y la sexualidad manifiesta de Gerard Damiano o los hermanos Mitchell.
_Ah, por cierto, el cine sexual ¿no sirve de barómetro del clima de una época?. Fíjense en la calidez, desparpajo y buen rollo del cine sexual de los 70 y compárenlo con la frialdad, la musculación y las siliconas, el prototipo de hombres y mujeres de los 90 y de la actualidad. Antes la gente parecía ser más natural y divertirse más, el vello púbico abundaba (y a nadie le preocupaba), mientras que en la actualidad la depilación hace estragos al respecto y los argumentos, aún mínimos y sujetados con agujas, se han eliminado con el gonzo, con lo que se demuestra una vez más que el cine sexual también es reflejo de la época en que se vive. Antes era más alegre y ahora es más rápido y frío, para mi gusto. Estoy generalizando, claro, pero no es por casualidad.
_El cine sexual, a veces clandestino, que se realizaba en la época muda se caracterizaba por hombres flacos y mujeres rellenitas, por ejemplo, y los reyes de España, el Sha de Persia y demás dirigentes contemplaban estas filmaciones aristocráticamente, al igual que en los prostíbulos más renombrados se proyectaban escenas picantes para entretener (y algo más) a los clientes hasta que llegara el momento de atravesar la pantalla y pasar a la acción.
_Por último hablar de la animación sexual, que no empezó con el hentai japonés ni mucho menos, sino que se conservan cortos (atribuidos a los mejores animadores de la época) datados en la década de los 20. Realizados al margen de los canales de distribución oficiales, clandestinamente, pero audaces y muy divertidos, son una nueva muestra de que el cine sexual sólo es una expresión más del interés sexual de la humanidad, que nace con el ser humano. Y sin embargo, todavía se intenta arrinconar lo evidente: la importancia de la sexualidad en el ser humano. Aunque creemos que vivimos una liberalización sexual, fijémonos bien y veremos que no es así, el cine sexual sigue estando relegado y arrinconado, como un mundillo aparte, sigue considerándose algo de lo que renegar si se realiza cine convencional, como una mancha en el expediente, cosa a la que las renegadas del cine sexual colaboran reaccionariamente. Hay canales específicamente sexuales, pero nunca veremos cine sexual en un canal mayoritario.
_El sexo, por lo que parece, es más inquietante que el comercio de armas. Y lo curioso es que incluso el sexo más ligero lleva en sí la flor de la alegría, y el sexo posee en su interior la semilla de la vida.
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el sol del cine y sus nubarrones

2008-11-22T14:33:00.000+01:00

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_El cine puede ser uno de los medios más maravillosos de expresión de la poesía de la vida, pero es más habitual que se quede varios peldaños e incluso sótanos más abajo, entre lo fácil, lo vulgar, lo mediocre y también lo nocivo, por estar normalmente encaminado de manera adoctrinadora y mercantil.
_El cine puede ser arte, o sólo entretenimiento (aunque no hay entretenimientos puros, simplemente inocentes, en todo hay un planteamiento de la vida, incluso en las películas ligeras en teoría) o un producto que sirve de pretexto cultural para el comercio, para hacer dinero a toda costa.
_El cine como industria es fácil de realizar siguiendo unos patrones efectistas y resultones que apelan a motivaciones humanas básicas de manera barata, vulgarizando planteamientos, eliminando el rigor y el análisis, rebajando por todas partes los matices de la vida, insultando la sensibilidad y la inteligencia del ser humano. Aún así, afortunadamente alguna vez una película premeditadamente mercantilista se hunde en una merecida ruina en taquillas, lo que significa que al público, incluso al menos exigente, no se le puede hacer comulgar con demasiadas ruedas de molino, o no con tantas.
_El cine como adoctrinador, político (dictatorial, capitalista… ) religioso o ideológico, no creo que necesite de mucho comentario o el comentario merecería estanterías enteras en una gran biblioteca. Baste con citar que las primeras medidas de Stalin, Hitler, Mussolini y Franco tuvieron que ver con el control sistemático de la producción y exhibición cinematográfica, para utilizar el cine con fines de propaganda. Aunque no hay que olvidar que en las supuestas democracias se produce cine adoctrinador, sin ser tan evidente, y aunque se produzca a menor escala.
_Y entre estas cloacas los cineastas intentan realizar películas en una industria, en una batalla a menudo muy desigual que refleja el díptico documental de Carlos Benpar titulado “Cineastas contra magnates" (2003) y “Cineastas en acción” (2005).
_También hay muchos más rincones turbios en el mundo del cine, como aborda Jaime Fuentes en “Un negocio de cine”, y afectan a todos los estamentos del mismo pero, por fortuna, todas estas cosas sólo son los nubarrones que nunca han evitado (al menos del todo) que el cálido y radiante sol del cine atraviese la oscuridad de la sala e ilumine, no sólo la pantalla, sino también nuestros corazones.

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http://www.libros2.ciberanika.com/desktopdefault.aspx?pagina=%7E/paginas/entrevistas/entre328.ascx
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http://www.comentariosdelibros.com/comentario-un-negocio-de-cine-1497idl1476idc.htm

-Un negocio de cine, Jaime Fuentes (Editorial Almuzara, 2008)
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sobre el sexo en el cine

2008-11-20T06:57:00.000+01:00

Sobre el sexo en el cine
_Hace poco, buscando por la red historias del cine sexual, clásicos del género, y películas, he dado con algunas consideraciones importantes, al menos para mí.
_Una de las cosas que suelen comentarse es que el cine sexual suele ser considerado malo porque la mayoría de la gente sólo ha visto cine sexual del montón, y juzgan que todo el género tiene esa calidad nula. Es cierto que probablemente el 99% del cine porno es mediocre o malo de narices, pero las obras logradas y las obras maestras del género hacen que el género merezca un respeto, casi siempre negado. Estoy bastante harto de la mojigatería y el desprecio ignorante sobre el cine sexual, que suele ser la norma. Como mucho se considera un género menor que se consume y del que no se suele hablar, pero lejos queda el atribuirle mérito o valía alguna, aunque hay títulos que merecen un respeto e incluso admiración.
_Es muy generalizador y estúpido considerar que un género entero es solo masculino y masturbador y no tiene capacidad de provocar más cosas en un ser humano, y nada en las mujeres, ante obras tan cómicas como "Garganta profunda", dramas como "El diablo en la Srta. Jones", la elegancia que desborda "Barbara Broadcast", o las coreografías, lisérgicas incluso, de "Tras la puerta verde". Sólo son unos ejemplos, y ya hablar de "El imperio de los sentidos" sería hablar con palabras mayores de auténtica obra patrimonio de la humanidad, no sólo un clásico del género erótico, lo que es reducir la magnitud de su alcance.
_Además la existencia de directoras de cine sexual ya desde los 70, o sea desde el inicio del género, como Anna Riva, Gail Palmer, en los 80 la productora propia creada por Candida Royalle, y últimamente directoras como Lizzy Borden (que no expresa precisamente la tan aireada sensibilidad femenina) o Erika Lust, que pregona un porno para mujeres (¡al final habrá que ver porno también por separado! ¡cómo si eso existiera! ¡cómo si todas la mujeres fueran iguales! ¡cómo si hubiera un porno para hombres y uno para mujeres!), y en España las contemporáneas Bibian Norai y Sandra Uve... digo que la existencia de todas estas directoras ya invalidan esa tontería de que el porno es sólo cosa de hombres y para hombres, aunque las mejores obras del género son abiertamente para hombres y mujeres. Además, en la época dorada del cine sexual (los 70 y principios de los 80) las parejas iban al cine a ver una película sexual, no se realizaban en realidad sólo para hombres.
_Otra cosa que he observado es que a internet se le achaca que el nivel de calidad medio del cine sexual haya bajado según los críticos especializados, (yo sin ser un experto, por lo que he visto creo que es cierto) debido a que en la actualidad es muy fácil acceder a contenidos sexuales incluso gratuitos a través de la red, con lo que las productoras ya no invierten tanto como antes. Pero este argumento no se sostiene ante la evidencia de que jamás se ha manejado tanto dinero en el cine sexual como en la actualidad, en realidad lo que ocurre es que antes habían pocas productoras y el mercado potencial estaba más concentrado, pero ahora hay más espectadores potenciales que nunca, y el espectador que busque un cine sexual de calidad en vez de algo hecho de cualquier manera y perfectamente olvidable, pues no se va a conformar con menos. De todas maneras, es lamentable observar que en ocasiones hay grabaciones caseras que expresan más frescura, alegría y pasión que mecánicas gimnasias pornográficas que más bien aburren...
_Creo que internet es sobre todo una gran oportunidad para el cine sexual (como para el cine en general y para las manifestaciones culturales, personales, y la comunicación humana) y que la red irá generando o está generando (tanto no conozco) redes de amantes del cine sexual con aspiraciones mayores que las evidentes, cine sexual que intente expresar otras motivaciones y dimensiones humanas, como el sentido del humor, la tristeza o la nostalgia, el amor, la ternura, la alegría de vivir... y que exprese el deseo con una elegancia, sensualidad, franqueza o alegría palpables... películas sexuales que lleguen más allá de la excitación sexual y que se adentren en quien las mira, que se queden dentro, entre el corazón y el alma. Les aseguro que hay algunas así, y les remito a los siguientes enlaces y a la bibliografía, aunque poco a poco quiero profundizar todo lo que pueda en este género tan despreciado y que merece ser cada vez más reivindicado, a fin de cuentas mucha gente debe ignorar siquiera quién fue Gerard Damiano, o los hermanos Mitchell, qué es eso de "El sexo que habla", o que la primera escena sexual gay provocó un escándalo hipócrita tal que se produjeron destrozos en las salas, mientras que nadie se escandalizaba (o no tanto) ante las escenas lésbicas de la misma película, "Historia de Joanna", un clásico de culto entre los seguidores del BDSM y amantes del cine sexual en general.
_En realidad, este rincón de cine siempre ha pretendido dar voz a lo que más siento que lo necesita. Y toda una generación creo que está creciendo con el sexo rápido de internet, sin ser conscientes de los tesoros del cine sexual, sobre todo de los 70, y me parece que el sexo rápido está bien, pero los tesoros del cine sexual aún están mejor, mucho mejor, ¡dónde va a parar!.
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http://seronoser.free.fr/laincineradora/x1.htm
http://seronoser.free.fr/laincineradora/x2.htm
http://seronoser.free.fr/laincineradora/x3.htm

-Cine para adultos. 1001 películas para 1001 noches, Luis Miguel Carmona y Alex Bassas (T&B editores, 2007)

-Historia del cine porno español. Exxxpaña, Manuel Valencia y Paco Gisbert (Glenat, 2005)

-Videoguía X, 1 y 2, Manuel Valencia (Midons, 1994-6)
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estados de ánimo

2008-11-20T00:02:00.000+01:00

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Hay algo sorprendente cuando reflexiono sobre todas mis películas, me llama la atención que, en las épocas en que estuve deprimido, hice comedias. Y cuando me sentía feliz, rodé temás más bien trágicos. Quizás intente inconscientemente compensar cada uno de mis estados de ánimo.
_Billy Wilder
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Cine natural, cine sexual y cine que explota el filón sexual

2008-11-19T07:24:00.001+01:00

Cine natural, cine sexual y cine que explota el filón sexual
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_Hay un tipo de cine, el que se considera convencional, en el que se puede hablar de sexo, sugerir el sexo, incluso ver algún prolegómeno sexual, o intuirlo pero más allá de algún que otro desnudo, en realidad el sexo natural está velado y vedado, omitido. Se puede incluso considerar cine en cierto modo anti-sexual, pues puede mostrar afecto, romanticismo, o cosas más violentas y nocivas pero jamás muestra la intimidad sexual. Sigue teniendo una frontera, una puerta, un límite que no traspasa, con lo que resulta poco humano al ser la sexualidad una manifestación humana fundamental. No abogo por una proliferación de escenas de sexo explícito en las películas convencionales sino porque en las películas convencionales pueda aparecer con total naturalidad, sin intención de efectista provocación, el desarrollo sexual, sobre todo en un contexto romántico. Creo que sobre todo las películas románticas adolecen de un tratamiento natural del importante componente erótico y sexual del amor, que quizá sólo “El imperio de los sentidos” abordó aunque en un caso realmente extremo. Yo me refiero a una película en la que se muestre la relación duradera de una pareja y exista una escena en la que se vea cómo se entregan y expresan sexualmente como pareja, cosa que es de lo más natural y bastante revelador de la naturaleza de una relación.
_Hay otro tipo de cine, denostado y menospreciado con gran ignorancia al respecto dicho sea de paso, llamado pornográfico o también cine sexual (denominación que es más exacta y más justa). El cine sexual es lo contrario en realidad del cine que veda y veta la manifestación sexual. El cine sexual gira completamente alrededor del sexo, con lo cual los componentes psicológicos de los personajes y la posibilidad de abordar relaciones duraderas, profundas, asuntos muy complejos, por lo general quedan descartados, aunque hay notables excepciones de cine sexual no sólo cinematográficamente interesante e incluso artístico sino también humanamente enriquecedor. Pero al cine sexual no se le debe pedir que cumpla la misión que el cine convencional parece ignorar. Puede realizarla en parte, pero sólo en parte por tratarse de un género cinematográfico que debe basarse en la expresión sexual explícita. El cine sexual digno aborda con naturalidad las relaciones sexuales, pero las relaciones amorosas, las complejidades psicológicas... una película que abordara por igual todos estos matices humanos sería una gran película pero no de un género específico, sería cine natural y humano.
_Hay otro tipo de cine que se está produciendo últimamente en el que poco más que se incluyen escenas de cine sexual en un contexto superficial, o pretencioso, o incluso con afán taquillero sin más. Cine que recurre al sexo como reclamo, que teje coartadas astutas, lo que se llama excusas argumentales para colocar cuatro escenas de contenido sexual que no aportan nada en realidad sino la posibilidad de ver sexo en un cine sin que sea una película porno. Es un poco un cine más bien efectista, entre pretencioso e hipócrita, alejado de la naturalidad y profundidad que se debe pedir a una película con ambiciones artísticas o incluso ansias de notoriedad. A veces el reclamo sexual, a pesar de lo intragable del film en cuestión ha dado resultados de taquilla considerables, lo que es alarmante. Pero es fácil de entender, una película que se venda de transgresora, de liberal en materia sexual pero argumente que no es mero cine sexual sino que se va a ver una película el no va más, la avanzadilla... atrae la curiosidad de mucha gente y satisface la pulsión sexual reprimida de bastante gente que no iría a ver una película porno pero quiere ver porno. Por eso se trata de cine astuto, se queda superficialmente entre un cine y otro con intenciones mercantilistas y de notoriedad. Es fácil hacerse famoso abordando cuestiones sexuales, realmente es lo más sencillo porque el sexo y la violencia son recursos muy efectistas, es apelar a motivaciones y pulsiones muy profundas y a flor de piel en la humanidad, pero este tipo de películas son nocivas porque son engañosas y denigrantes. Tiene un componente hipócrita, pretencioso y manipulador tan grande que hacen mil veces preferible el cine sexual corriente en el que no se pretenden coartadas intelectuales, trascendentes, artísticas ni demás engaños. Sexo y punto, en vez de hacer como que se ofrece cierta profundidad o incluso arte cuando sólo se da carnaza servida con premeditación, alevosía y en ocasiones ni siquiera nocturnidad (lo que en este caso sería un atenuante).
_Hay un tipo de cine natural del que parece que no hay muchos ejemplos, en el que el sexo se integra naturalmente en la historia, sin alardes ni efectismos pero sin remilgos. Quizá “El imperio de los sentidos” es la mayor muestra de este cine, o la que más ha trascendido, y en cierto modo “El último tango en París” le siga de alguna manera, pero lo que aún no he visto es una historia, digamos por caso “Secretos de un matrimonio” de Bergman, en la que a esa profundidad psicológica se una también la expresión sexual de la pareja. El propio Bergman pensó que así sería lo natural, pero quizá comprendió que se metería en muchos problemas de llegar tan lejos.
_Esto es un llamamiento, cineastas, creen cine natural, no dejen el sexo tan sólo en un reclamo para la taquilla, no marginen el sexo tan sólo para el cine de género sexual, integren en el cine convencional la expresión sexual, como en la vida real.
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la calificación por edades, el brazo sutil de la censura

2008-11-16T00:34:00.000+01:00

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_A veces, viendo la programación de la tele, con la calificación por edades correspondiente, me quedo entre sorprendido, preocupado e indignado. Películas en las que no hay violencia explícita ni lenguaje ofensivo pero que abordan el sexo verbalmente, incluso con delicadeza, ya ni siquiera visualmente a través de lo sugerido, pasan a ser consideradas para mayores de edad (+18 años), aunque la retransmisión sea a las 2 de la madrugada, mientras que a las 15h o 14.30 h del mediodía se pueden contemplar cadáveres, disparos, tanques, misiles, y el lenguaje belicoso de tantos dirigentes políticos, todo esto y mucho más, ¡para todos los públicos!. Un poco curioso.
_A veces, viendo un dvd nos damos cuenta de que lleva la calificación por edades de diferentes países europeos, y en uno la película es para mayores de 15, en otro para mayores de 17 y aquí por ejemplo para mayores de 18 años. La misma película... También es curioso.
_A veces la calificación por edades es el brazo sutil de la censura moderna, que se basa más en marginar que en prohibir para no ser acusada de inquisidora, y esta censura, para menores de tal edad, es siempre más férrea con la sexualidad que con la violencia o los contenidos que denuncien las injusticias del mundo. Significativo.
_Y ya ni siquiera voy a abordar la calificación que recibe la sexualidad manifiesta, que se tiene por más peligrosa que todas las guerras juntas. Da que pensar que nos insensibilicemos ante tanta violencia y la sexualidad siga siendo marginada, limitada, relegada o censurada. Incluso hay cadenas de videoclubs que sólo alquilan películas editadas de tal manera que se han suprimido las escenas libidinosas, aunque fueran sugeridas en vez de explícitas, es bien sabido que ¡el sexo mata, las armas dan amor!.
_Alguien dijo que un censor es alguien que cree saber qué es lo que tienen que saber los demás... Lo cree, desde luego. Aunque es evidente que no todas las películas son para todos los públicos sería deseable que hubiera un ojo más crítico y férreo con la violencia que con las manifestaciones sexuales y las denuncias sociales, pues curiosamente sucede al contrario. Y no por casualidad, miren a su alrededor y piensen si caminamos en una suave brisa llena de amor o bajo nubes tóxicas de injusticias y violencias...
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no te olvidan

2008-11-14T20:02:00.000+01:00

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Si vives en Francia, por ejemplo, y has escrito un buen libro o pintado un buen cuadro o dirigido una película sobresaliente, aunque hayan pasado cincuenta años, y no hayas hecho nada más desde entonces, aún eres reconocido como artista y honorado como tal. La gente se quita el sombrero y te llaman maestro. No te olvidan. En Hollywood, en cambio, eres tan bueno como tu última obra. Si no produces nada más en los últimos tres meses, te olvidan, no importa lo que hayas conseguido hasta entonces.
_Erich Von Stroheim
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hacia la mayoría de edad sexual en España

2008-11-12T09:09:00.000+01:00

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_Hace unos cuantos años, 18 exactamente, el canal de pago Canal + empezó a emitir películas sexuales por televisión. Con una producción propia mejorable titulada "18 años para mayores de 18 años" el canal lo ha celebrado hace poco.

_El propio documental habla de cómo las audiencias eran mayores de lo que el propio canal, por un pudor mojigato, reconocía, y que se llegaron a hacer cortes en la primera emisión en las imágenes explícitas. También es para analizar el hecho de que al ser la primera vez que se emitían en España contenidos sexuales explícitos, lo que se llama porno o hardcore, había una especie de ¿qué va a pasar? ¡esto es sexo!. Esa sensación de alarma, como si fuera a ocurrir algo catastrófico también sucedió cuando televisión española programó un ciclo de cine erótico en el que sobresalía "El imperio de los sentidos". Alarma generalizada, y esa noche no pasó nada más allá de las alcobas, ¿qué iba a pasar?. Habría quien esperaría lo impensable...

_Y todo esto me da que pensar sobre lo que hemos avanzado y lo que no respecto al sexo. Hoy, con internet, cuyo tráfico de contenido sexual aumenta a la velocidad del deseo, suena a chiste que hubiera una época en la que emitir una escena explícita se considerara peligroso para una nación, que estuviera prohibido hasta 1984 el género hardcore. Más bien, para los más jóvenes, estas cosas deben parecerles entre ridículas y tristes, y lo eran, desde luego. Y ya si imaginamos la ñoñería sexual de la época franquista... Pero ahora que lo pienso incluso el plus se arrodillaba ante el viernes santo y ese viernes no emitía la porno del plus. Cosas de este país, cuya herencia inquisitorial y reverencial hacia un cristianismo oscurantista aún sigue más que presente a pesar de todo lo que se ha avanzado. Yo, que soy bastante agnóstico, la verdad, en la religión que podría creer sería en una como la que reflejaba Dreyer en "La palabra", esa religión luminosa en la que la sexualidad es tan sangre de la vida como los rayos del sol y el vuelo de las mariposas.

_En realidad, no hemos avanzado tanto respecto al sexo cuando hace poco el cartel anunciador de "Diario de una ninfómana", sugerente pero erótico en vez de explícito, se prohibió en Madrid, donde se pudieron ver durante semanas carteles de películas en las que abundaban mutilaciones, sangre derramada y lo que más les repugne, todo menos erotismo, menos sexo...

_Es verdad que en este país ahora se consideran legales las relaciones de pareja entre personas del mismo sexo, lo que no es pequeño avance, sin embargo, ¿cuánta gente lo desacredita públicamente o lo considera de segunda categoría o hipócritamente van de progresistas mientras en el fondo se creen superiores? Superiores, ¿por qué, por tener sexo con alguien del otro sexo en vez del suyo propio?. ¡Qué absurdo!. Yo, además, me moriré sin entender qué le importa a esa gente qué hace otra gente en la cama, o en su vida. Creo que se meten con los demás porque no son en absoluto felices, si lo fueran se dedicarían a ser felices en vez de a imponer su visión de la vida a los demás. Si una persona homosexual se nos acerca y nos dice si "entendemos", ¿tanto nos cuesta, si no nos interesa, decirle, "te comprendo pero no entiendo"?. A fin de cuentas, no creo que sea una ofensa, al menos yo nunca me he sentido ofendido, aunque yo lo que es "entender", sólo un poquito y de cine.

_Este país, de todas formas, parece que empieza a ser un poco mayor de edad en el sexo, este aniversario del plus llega en un momento en que se considera matrimonio tanto la unión heterosexual como la homosexual, a fin de cuentas todas las parejas bien mirado discuten, se hacen cariñitos, se reconcilian y esas cosas. Se puede hablar de sexo con una libertad y conocimiento impensables hace tiempo, ya era hora. Aunque las pegas de esta época son que el sexo se ha mercantilizado y banalizado hasta extremos increíbles, nos venden sexo para vendernos casi que cualquier producto, ¡eso sí es pornografía!, y el sexo se usa como reclamo para destacar en la vida social, ¡e incluso cultural! de una manera escandalosa. ¡Eso sí es escandaloso, no el porno!. Cualquiera se acuesta con alguien famoso y le falta tiempo para decir lo que hace o no en una cama, hay una hipersexualización enfermiza, y se están olvidando las potencialidades sensuales, trascendentes y amorosas del sexo en muchas ocasiones, aunque hay que felicitarse porque ahora incluso Philips piensa comercializar masturbadores femeninos, o como los llama todavía la sociedad consoladores. Menuda palabra mojigata, no creo que sea consuelo alguno sino regocijo pleno el que proporcionan esos aparatos tan divinos. ¿Me contradice alguna mujer al respecto? ¿A que no?. Bendito sea el sexo.
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_El documental de Canal +, aunque podría haber sido más profundo, está en www.plus.es (o estaba, que ahora no lo encuentro)
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algunos títulos del cine sexual

2008-11-11T14:18:00.013+01:00

_Me parece importante y necesario que el sexo en el cine sea tratado con naturalidad, que se muestren las expresiones de la sexualidad humana, en vez de ser prohibidas, veladas...

_El cine sexual es tan digno como cualquier otro tipo de cine cuando se realiza con dignidad, y existen multitud de tópicos falsos, desprecios y acusaciones ignorantes y sin justificación sobre el género. Tópicos como que el cine sexual es sólo para hombres o que a la mujer se la trata simplemente como a un objeto sexual, generalizaciones y acusaciones que quedan refutadas por películas filmadas, tanto por directores como por directoras, en las que se despliegan tanto sensualidad como miradas femeninas sobre la sexualidad. Incluso, aunque el concepto está equivocado, hay un autoproclamado porno para mujeres. Digo que el concepto está equivocado porque no hay un porno para hombres y un porno para mujeres, pues no hay un solo tipo de hombres ni un solo tipo de mujeres. Si hay algo tópico y tonto es generalizar diciendo que todos los hombres son iguales, que todas las mujeres son iguales. El supuesto porno para hombres también es apreciado por bastantes mujeres, y el supuesto porno para mujeres también es apreciado por bastantes hombres.

_Me parece delicado hacer una pequeña lista de títulos abiertamente sexuales o de elevado erotismo. Delicado porque en mi opinión el sexo debe ser mostrado con alegría, respeto y cierto sentimiento placentero y de lo sagrado, no de una manera vulgarizadora, frívola o mecánica sin más, ni ser un reclamo para la pretenciosidad o las ínfulas artísticas. Además cada persona tiene sus propias querencias, deseos, fantasías, necesidades, fobias y filias sexuales, por lo que a una persona puede agradarle y resultarle estimulante lo que a otra le repugne y resulte ofensivo. Es una cuestión de sensibilidad, incluso de susceptibilidad, de sintonía con unos matices o maneras de expresarse sexualmente, o de no sintonizar. Y en principio, mientras haya soledad o acuerdo entre las partes, ninguna sensibilidad es superior o inferior y todo es legítimo.

_Sé que no puede haber una lista de películas para todos los públicos en materia sexual, ni en ningún otro género del cine, y no la hay. Además de las condiciones sexuales heterosexual, homosexuales (entre ellas la masculina y la femenina), la bisexual que comprende la heterosexual y la homosexual, y por último la hermafrodita que incluye ambos sexos... además de estas grandes inclinaciones sexuales existen las tendencias fetichistas, dominantes, incluso sádicas, las sadomasoquistas, las sumisas, e incluso más, algunas como poco bizarras o raras, pero insisto en que cada cual con su sexualidad es muy libre de vivirla como quiera mientras respete a las demás personas.

_Quizá el punto más importante sea éste, que mientras haya un acuerdo entre las partes todo es digno, que cualquier manifestación sexual, por rara que nos parezca, mientras suceda libremente es digna. Y el cine sexual debe expresarse libremente, atendiendo a una posterior calificación por edades y explicación de contenidos, pero sin censura de contenido mientras haya un acuerdo entre las partes. El cine sexual a veces ha sido acusado de explotar sexualmente, cosa que puede ocurrir como en cualquier ámbito de la vida, pero en ocasiones parece más bien una manera de rehabilitarse públicamente ante la mala fama que arrastra haber realizado cine sexual. Además es fácil echar pestes sobre el porno porque la mala fama que arrastra ya es un prejuicio en el que se suele creer antes a quien acusa que a quien se defiende. El porno está señalado con el dedo, como la prostitución, recordemos que uno de los insultos más ofensivos es el de "hijo/a de puta" o "puta". Cuesta creer, por ejemplo, que Traci Lords fuera tan buena actriz porno cuando como actriz convencional no ha deslumbrado precisamente.

_También hay que decir que hay quien ha utilizado el porno para hacerse un nombre y luego iniciar carreras en el cine convencional, la música... como una especie de trampolín del que luego han pretendido renegar. La excusa de las drogas que puso Traci Lords, por ejemplo, es de risa, a fin de cuentas, las drogas le podrían haber animado a otras cosas, ¿no?. Y por otra parte hay una acusación desde sectores ultrafeministas (aunque hay sectores tan ultrafeministas que consideran que incluso la penetración es una violación, que ya es decir...) que consideran que toda la pornografía degrada a la mujer y la convierte en objeto sexual. Hay que decir, para empezar, que hay mujeres que son de naturaleza exhibicionista e incluso que gustan de parecer objetos sexuales (aunque no lo son) y también que la cantidad de mujeres que libremente deciden participar en películas sexuales invalida esa acusación, además de que hayan cada vez más películas sexuales dirigidas por mujeres, lo que ya invalida cualquier acusación de que por estar dirigidas por hombres no despliegan la sensualidad y el placer femenino, que están pensadas sólo para hombres. Aunque, insisto, las mejores obras del género, aunque suelen estar dirigidas por hombres no son películas sólo para hombres (a las proyecciones en cine asistían tanto hombres como mujeres en los años 70) y expresan también la feminidad, además el cine sexual es tanto más excitante cuanto más se transmite el placer de quienes lo crean, por lo que la expresión del placer femenino es muy importante para la excitación masculina, no sólo para la excitación femenina, y viceversa...

_Al cine sexual del montón de le puede criticar con toda razón sus innumerables tópicos, convenciones, estupideces... pero el cine sexual debe ser valorado no mirando a lo mediocre sino a lo sublime, como hacemos con la poesía, la literatura, la pintura y cualquier manifestación humana. No es justo que se denigre al género entero porque muchas películas sean muy malas, hay que mirar las cumbres del género y darse cuenta de que el género es digno en sí mismo, y la morralla no puede nublar el sol de las obras maestras del cine sexual, que siempre resplandecerán como estrellas en la noche.

_Dicho todo esto, y con cautela, pues muchos títulos no he podido verlos, dejo una lista de películas y remito para casi todas a la bibliografía, para profundizar en cada título, pues cada película busca su público concreto, y hay títulos especialmente dedicados a filias particulares. En la lista no hay títulos específicamente homosexuales, sobre todo gay, y el cine lésbico viene representado por el lésbico convencional, al que hay lesbianas que consideran poco natural y representativo. Estas ausencias se deben simplemente a la ignorancia. Tampoco abunda el material al respecto, o al menos yo no lo he localizado... aunque este rincón de cine está siempre en construcción...

_Ah, una última cosa, siento una especie de sonrojo, y pudor, ante algunos títulos lamentables, que son los que la distribución española ha dado para su comercialización, por lo que he decidido señalar el título original, aunque en algún que otro título patrio, en fin, alguno tampoco desborda sensibilidad precisamente pero voy a dar el beneficio de la duda y a pensar que no se debe juzgar un libro por sus tapas, o por su título. Además en el mundo del cine no es raro que los títulos ni siquiera los eligan los directores y sean atribuidos por las productoras. Y no sólo en el cine sexual.

_Existe una multitud incontable de títulos de cine sexual y añado esta lista con la esperanza de que estas películas sean preferibles a la mayoría, consciente de que algunas para mí lo son.

...

algunos títulos del cine sexual (y algún título erótico)
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Belle de jour (1966) Luis Buñuel ("ensalza el erotismo a la categoría de arte")
Vixen! (1968) Russ Meyer
A history of the blue movie (1970) Alex De Renzy
Sin dreamer (1970-7) Mike Hunter
Sex maniacs (1970-9) Mike Hunter
Wet dreams (1971) VV.AA.
Vampyros Lesbos (1971) Jesús Franco
Ultimo tango a Parigi (1972) Bernardo Bertolucci (una obra maestra del cine)
Fritz, the Cat (1972) Ralph Bakshi (animación sexual)
Deep Throat (1972) Gerard Damiano (Garganta profunda, la primera obra maestra de la trilogía de oro del cine sexual, la película más mítica del género, causó un revuelo sociológico e incluso político sin precedentes, como aborda el documental Inside Deep Throat, y probablemente sea todavía la película hardcore más vista y vendida de toda la historia, además de una impagable comedia protagonizada por la mítica Linda Lovelace)
The Devil in Miss Jones (1972) Gerard Damiano (El diablo en la Srta. Jones, es la segunda obra maestra de la trilogía de oro del cine sexual, y la segunda del imprescindible maestro Damiano, en este caso con un inolvidable inicio trágico protagonizado por una madurita Georgina Spelvin)
Behind the green door (1973) Jim y Artie Mitchell (Tras la puerta verde, es la tercera obra maestra de la trilogía de oro del cine sexual, un hito casi fundacional del género, imaginativa y desbordante, poseedora de una fluida e incluso lisérgica coreografía visual, por no hablar de una sensual y sexual, mítica, Marilyn Chambers...)
It happened in Hollywood (1973) Peter Locke
Le trio infernal (1973) Francis Girod
Glissements progressifs du plaisir (1973) Alain Robbe-Grillet
The farmer's daughters (1973) Zebedy Colt
Il fiore delle mille e une notti (1974) Pier Paolo Pasolini
Wet rainbow (1974) Duddy Kane
Angel nº 9 (1974) Anna Riva (directora de cine sexual también conocida como Roberta Findlay)
Fantasy girls (1974) Alex De Renzy
The private afternoons of Pamela Mann (1974) Henry Paris
Flossie-En Venus pa 15 (1974) Mac Ahlberg
French blue (1974) Falcon Stuart (del pionero Lasse Braun)
Emmanuelle (1974) Just Jaeckin
Vampyres (1974) Joseph Larraz
Appassionata (1974) Gian Luigi Calderone
Ai no corrida (1975) Nagisa Oshima ("El imperio de los sentidos", una obra maestra del cine con mayúsculas, de una honestidad y franqueza en el desarrollo de la relación apasionada y sexual inolvidable)
Story of Joanna (1975) Gerard Damiano (Historia de Joanna, un clásico)
Le bijoux de familie (1975) Jean-Claude Laureux
Honey pie (1975) Howard Ziehm
Sensations (1975) Alberto Ferro
The seduction of Lyn Carter (1975) Anthony Spinelli
Saló o le 120 giornate di Sodomi (1975) Pier Paolo Pasolini
Naked came the stranger (1975) Henry Paris
Histoire d'O (1975) Just Jaeckin
Emmanuelle 2. L'antivierge (1975) Francis Giacobetti
Emilienne (1975) Guy Casaril
La bête (1975) Walerian Borowczyk
Blue ecstasy in New York (1975) Kemal Horulu
The analyst (1975) Gerald Graystoke
Cry for Cindy (1975) Anthony Spinelli
Every inch a lady (1975) hermanos Amero
Le sexe qui parle (1975) Frederic Lasanc
Anyone but my husband (1976) Robert Norman
Through the looking glass (1976) Jonas Middlenton
The devil inside her (1976) Zebedy Colt
La fessée (1976) Burd Tranbaree
Femmes de Sade (1977) Alex De Renzy
The opening of Misty Beethoven (1976) Henry Paris
Roller Barbies (1976) Carter Stevens
The punishment of Anne (1976) Radley Metzger
Waterpower (1976) Shaun Costello
The trouble with young stuff (1976) Otis Hamlin
Excess (1976) John Thomas
Baby face (1977) Alex De Renzy
Little girl... but tease (1977) Roberto Mitrotti
Helen Bedd (1977) Garbis Torian
Anna obsessed (1977) Martin & Martin
Mes nuits avec Alice, Penélope, Arnold, Maude e Richard (1977) Michel Barny
Autobiography of a flea (1977) Jim y Artie Mitchell
Jeux de langues (1977) Francis Leroi
Joy (1977) Harvey Mansfield
Joint venture (1977) Gerard Damiano
Suore Emanuelle (1977) Joseph Warren
Eruption (1977) Stan Kurlan
Je suis aprendre (1977) Francis Leroi
The violation of Claudia (1977) Billy Bagg
Virgin dreams (1977) Zebedy Colt
Barbara Broadcast (1978) Henry Paris (obra maestra)
Debbie does Dallas (1978) Jim Clark (candidez y lascivia en un título mítico)
Easy (1978) Anthony Spinelli
The erotic adventures of Candy (1978) Gail Palmer ("un soplo de aire fresco en la industria" la del cine sexual, por una directora del género)
Hot cookies (1978) Albert Wilder
Teenage twins (1978) Carter Stevens
La visita del vicio (1978) José Ramón Larraz
Legend of lady blue (1978) A. Fabritzi
Les petites filles (1978) Francis Leroi
Maraschino cherry (1978) Henry Paris
Pretty peaches (1978) Alex De Renzy
Les nymphomanes (1979) Burd Tranbaree
The thousand and one erotics nights of Scherezade (1979) Stephen Lukas
Ecstasy girls (1979) Robert Mc Callum
Babylon pink (1979) Henry Pachard
Candy goes to Hollywood (1979) Gail Palmer
Caniche (1979) Bigas Luna ("sexo soterrado y...")
La ceremonia dei sensi (1979) Antonio D'Agostino (afirma la condición hermafrodita)
Le droit de cuissage (1979) Burd Tranbaree
Fantasy (1979) Gerard Damiano
Le petite etrangère (1979) Burd Tranbaree
Blonde ambition (1979) John Amero
Felicity (1979) John Lamond
Olympic fever (1980) Philip Mapshak
Chopstix (1980) Joanna Williams
Les petites écolières (1980) Frederic Lasanc
Insatiable (1980) Godfrey Daniels
Minouche l'insatiable (1980) Henri de Castellane
Mai-Lin Vs. Serena (1980) Troy Benny
La femme objecte (1980) Frederic Lasanc
A scent of heather (1980) Anthony Vincent
Talk dirty to me (1980) Anthony Spinelli
Taboo 1-3 (1984) Kirdy Stevens
Prisoner of paradise (1980) Bob Chim y Gail Palmer
The satisfiers of Alpha Blue (1981) Gerard Damiano
Never so deep (1981) Gerard Damiano
Night dreams (1981) Rinse Dream
Amanda by night (1981) Robert Mc Callum
Deep inside Annie Sprinkle (1981) Annie Sprinkle
Le bas de sie noire (1981) Burd Tranbaree
The dancers (1981) Anthony Spinellli
Dracula exotica (1981) Warren Evans
Apocalipsis sexual (1981) Carlos Aured
Pandora's mirror (1981) Warren Evans
Handfull of diamonds (1981) Martin Campbell
Chaudes adolescentes (1981) Gérard Kikoine
The Tiffany Minx (1981) Roberta Findlay
Burgeoise... et pute (1982) Gérard Kikoine
Ma mere me prostitue (1982) Francis Leroi
Confesiones íntimas de una exhibicionista (1982) Candy Coster (en realidad la directora Lina Romay)
The blonde next door (1982) Joe Sherman
The devil in Miss Jones 2 (1982) Henry Pachard
Colegialas lesbianas y el placer de pervertir (1982) Al Bagran
Ein laster hafter sommer (1982) Klaus Jurick
Invitation d'une femme marieé (1983) Burd Tranbaree
Irresistible (1983) Edwin Durrell
A taste of money (1983) Richard Mailer
Jojami (1984) Lucky Faar Delly
Love bites (1984) Victor Nye
Those young girls (1984) Myles Kidder
Every woman has a fantasy (1984) Edwin Brown
Insatiable 2 (1984) Godfrey Daniels
Sister dearest (1984) Jerry Ross
Too naughty to say No! (1984) Victor Nye
The pleasure hunt 1&2 (1984-5) Lawrence T. Cole
Marilyn Chamber's private fantasies 2-6 (1984-6) Ned Morehead y Jack Remy
New wawe hookers (1985) Gregory Dark
Ginger’s sex asylum (1985) Bruce Seven
Making the grade (1985) Sharon Mitchell
G-spot (1985) Jim y Artie Mitchell
Battle of the stars (1985) Lawrence T. Coole
Hot blooded (1985) Geoffrey Daniels
Passion pit (1985) Duck Dumont y Charles De Santos
Stiff competition (1985) Paul G. Vatelli
L'amore e la bestia (1986) Mike Strong
Debbie does' em all (1986) Bob Vosse
Baby face 2 (1986) Alex De Renzy
Miami spice (1986) Svetlana
Il telefono rosso (1986) Riccardo Schicchi
The devil in Miss Jones 3 & 4 (1986-7) Gregory Dark
Pretty peaches (1987) Alex De Renzy
Chamaleon (1989) John Leslie
Sorority pink I and II (1989-90) Amanda Hunter y Jim Hollyday
Masseuse (1990) Paul Thomas
Cicciolina e Moana ai mondiale (1990) Jim Reynolds
House of dreams (1990) Andrew Blake
Where the girls sweat (1990) Bruce Seven
Miss directed (1990) Paul Thomas
Sandy, la vogliosa (1990) Roby Bianchi y Bob Green
Concepts by Salieri, pt 1 & 2 (1990) Mario Salieri
Realities (1991) Jeffrey Stevens
Les putes de l'autorute (1991) Michel Ricaud
Dedicato a mio marito (1992) Enrico Astore
Justine: nothing to hide 2 (1993) Paul Thomas
Hidden obsessions (1993) Andrew Blake
La Venus bleue (1993) Michel Ricaud
Masseuse 2 (1994) Paul Thomas
Le parfum de Mathilde (1994) Marc Dorcel
Never say never Rocco Siffredi (1994) Rocco Siffredi
Dog walker (1994) John Leslie
Sandy l'insaziable: il retorno di Sandy (1994) Rocco Siffredi
Cremme de femme (1995) Bonita
Hamlet X (1995) Luca Damiano
The dinner party (1996) Cameron Grant
The pyramid I-III (1996) Pierre Woodman
La princesse et la pute 1 & 2 (1996) Marc Dorcel
Crash (1996) David Cronenberg ("un mundo malsano donde predomina el amor libre con llagas") Zazel (1997) Philip Mond
Les nuits de la presidente (1997) Alain Payet
Drop sex (1997) John Leslie
When Rocco meets Kelly 2: In Barcelona (1999) Rocco Siffredi
Vivir follando (1999) José María Ponce
The violation of Amber Lynn (2000) Jim Powers
A toe story (2000)Van Damage y Tifany Minx
Sluts butts and housewiwes 2 (2000) Lizzy Borden ("si alguien piensa que las películas pornográficas escritas y dirigidas por mujeres se caracterizan por su sensibilidad y buen gusto... es que no conoce el cine de Lizzy Borden")
Extreme boot camp (2001) Robert Black
Fausto, el poder del sexo (2002) José María Ponce
La candidate (2003) Fred Coppula
Tales from the crack (2004) John Howard y Scott Philips
Isabela, la piel de los ángeles (2004) hermanos Lapiedra
Hot rats (2004) Narcís Bosch
616 DF (El diablo español vs. las luchadoras del este) (2004) Sandra Uve
Joanna's angel (2005) Joanna Angel
Inside Deep Throat (2005) Fenton Bailey y Randy Barbato
Rendez vous (2006) David Stanley
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+ cosas...
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bibliografía
Cine para adultos, 1001 películas para 1001 noches, Luis Miguel Carmona y Alex Bassas (T&B editores, 2007)
Videoguía X (1 y 2), Manuel Valencia (Midons, 1994 y 1996)
Exxxpaña, Historia del cine porno español, Manuel Valencia y Paco Gisbert (Glénat, 2005)
The AVN guide to the 500 greatest adult films of all time, Editores de AVN (Thunder mouth press, 2006)
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Guía del cine, Carlos Aguilar (Cátedra, 2006)
-
otras listas de cine sexual (muy EE.UU.)
http://www.fetishlondon.com/video/v1.html 101 películas por AVN
http://www.doctorg.com/classicadultfilms.htm
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festivales y galardones
festivales y galardones del cine sexual son, o fueron (el caso de los prestigiosos Hot d'Or) los siguientes:
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Ficeb (España) http://www.ficeb.com/esp/index.htm
Hot d'Or (Francia) http://es.wikipedia.org/wiki/Hot_d
Berlín (Alemania) http://www.pornfilmfestivalberlin.de/
AVN (EE.UU.) http://www.avnawards.com/
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Y en el siguiente rincón, cortos promovidos en su día por el festival de cine porno de Berlín http://www.cum2cut.net/en/index.php
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Y perspectivas del postporno, sobre todo feministas...

Post porn festivals
:
Porn Film Festival Berlin
Venus Berlin www.venus-berlin.com/de
Porn Film Festival Paris
Netporn Conference Amsterdam http://networkcultures.org/wpmu/netporn/
Click´me Amsterdam http://www.networkcultures.org/clickme/
Pinched Amsterdam http://www.pinched.nl/
Festival XXYZ Toulouse http://festivalxxyz.canalblog.com/
Transmarikabollo Barcelona
-y dos espacios combativos...
http://www.pornolab.org/
http://www.mariallopis.com/
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algunos directores
Gerard Damiano
Jim y Artie Mitchell
Henry Paris
Alex De Renzy
Lasse Braun
Anthony Spinelli
Chuck Vincent
Carter Stevens
Phil Prince
Zebedy Colt
Shaun Costello
Troy Benny
Joe Sarno
Henry Pachard
Gregory Dark
Renato Polselli
Mac Ahlberg
Russ Meyer
Rocco Siffredi
Mario Salieri
Andrew Blake
Michel Ricaud
John Stagliano
Joe D'Amato
Pierre Woodman
Robert Mc Callum
Michael Ninn
Paul Thomas
Jean-Françoise Daby
Fréderic Lasanc / o Fréderic Lansac
Michel Barny
Gérard Kikoïne
Francis Leroi
Burd Tranbaree / o Burd Tranvaree
directores españoles
hnos Lapiedra
José María Ponce
Xavi Domínguez
Narcís Bosch
algunas directoras
Gail Palmer
Anna Riva o Roberta Findlay
Candida Royalle
Veronica Hart
Annie Sprinkle
Lizzy Borden
Erika Lust
Sharon Mitchell
Anita Rinaldi
Angela Tiger
directoras españolas
Sandra Uve
Bibian Norai
Maria Bianco
más información en
http://www.imdb.com/
http://www.iafd.com/
http://www.adultfilmdatabase.com/
http://www.avn.com/
http://www.egafd.com/
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y si entiendes...
http://anodis.com/nota/5388.asp?pag=1 un poco de historia del cine sexual gay
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respeto

2008-11-10T00:11:00.000+01:00

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En Hollywood tienen mucho respeto por los muertos y ninguno por los vivos.
_Errol Flynn
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la chispa del sexo (no más sexo mediocre)

2008-11-09T00:01:00.000+01:00

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_A veces me acuerdo de la defensa del cine pornográfico de Hoboken por Jonas Mekas. Digo que a veces me acuerdo porque pienso en lo que suelen ser las representaciones sexuales en el cine. Generalmente o se queda en una aburrida, pretenciosa, pedante o almibarada postal de directores con ínfulas de notoriedad, o pasa decididamente a engrosar la prolífica filmografía (sería un desafío inhumano ver todo el cine porno, cosa imposible) del cine sexual.
Y es incluso increíble y hasta vergonzoso para el propio cine en general, incluso para una parte significativa del porno seguramente (no soy un experto), que desde que existen las cámaras digitales e internet, se pueden ver vídeos caseros de contenido sexual explícito que resultan mucho más lúdicos, desenfadados, interesantes, sensuales y excitantes que películas o fragmentos de películas que se han rodado con mucho más tiempo y medios. Quizá sea el triunfo de la naturalidad, la escasez de medios, la imposibilidad del montaje, el pulso del instante, y el latido de una vigorosa cercanía llena de gozo y ternura, de picaronas sonrisas.
_Algo ocurre cuando una persona corriente coge una cámara y sin tonterías de guión, no te salgas de la marca, foco, ensayo ni historias, se planta delante de la cámara y fluye con una espontaneidad e incluso humor y calidez que por lo general se pierden en las representaciones sexuales.
_El cine parece que se toma el sexo demasiado en serio o no lo bastante en serio. Aún parece como un tabú, como algo que hay que ofrecer velado, con una fotografía almibarada en ocasiones, o sólo sugerido, y casi siempre sin esa chispa de complicidad y sonrisa que el mejor sexo desborda.
_Tanto sexo aburrido, mecánico, esteticista, pretencioso, o directamente vulgar y sin gracia, o con poco menos que coartadas intelectualoides o un conservadurismo latente de obligado happy end. Ya estará bien, ¿no?. El sexo puede ser varias cosas: un placer por el placer, como en "Intimidad", de Patrice Chereau, que se centra en el sexo lúdico; o también puede ser una expresión de una pasión arrebatadora, como en "El imperio de los sentidos", de Oshima; o uno de los motores de una relación duradera, romántica, como... no se me ocurre ningún título que verdaderamente explore hasta el final el romanticismo sin recurrir al fundido en negro, como si una parte importante del romanticismo no tuviera que ver con el deseo, con la atracción sexual.
_No se trata de llenar de sexo explícito, como en el género sexual, las películas, de lo que se trataría sería de que el sexo apareciera con naturalidad. El sexo, integrado con humor y naturalidad, mostrándose abiertamente, creo que sólo lo he visto en la película "Shortbus", de John Cameron Mitchell, que es tan fresca y divertida como necesaria en mi opinión.
_Algún día quizá se hagan más películas en las que el sexo tenga gracia, no una seriedad que está lejos del sentido espiritual y trascendente que el sexo también puede tener. La verdad es que estoy harto de ver películas no pornográficas que incluyen algún sexo explícito pero no tienen sino cuatro planos quizá para satisfacerse sexualmente, pero no humanamente. Creo que esas películas que se quedan a mitad, que realmente cogen un poco de sexo para llamar la atención en vez de que suceda naturalmente en una historia con un sentido, existen porque a la mayoría de la gente le parece un poco vergonzoso ver cine sexual o reconocerlo, y estas películas son la excusa para ver un poco de carne en movimiento sin que sea una porno.
_Sinceramente, si quiero ver sólo sexo prefiero incluso una porno del montón (una mala no, por favor) a una de estas obras que además suelen tener pretensiones artísticas, o ir de feministas, o ir de románticas, o ir de "el último grito en cine transgresor", y tonterías por el estilo.
_Y por cierto, el cine sexual tiene títulos que deberían hacer enrojecer (pero de vergüenza) a tantas películas que dejan el sexo en algo barato, vulgar, artificioso, empalagoso o mecánico, frío y previsible. Los clásicos "Garganta profunda", "El diablo en la señorita Jones" y "Tras la puerta verde" son algunos ejemplos, pero hay más.
_Es un llamamiento: ¡¡¡No más sexo mediocre. Sí más sexo alegre, con chispa, divertido, tierno, cálido y vitalista!!!
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Casablanca

2008-11-06T11:15:00.005+01:00

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el cine en la actualidad

2008-11-05T08:25:00.002+01:00

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Cine como sueño, cine como música. Ningún arte pasa sobre nuestra conciencia de la forma en que el cine lo hace, directamente hacia nuestros sentimientos, hasta lo más profundo del alma
_Ingmar Bergman
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_Hay voces muy agoreras y decepcionadas anunciando que el cine ha muerto, que es tan sólo uno de tantos entretenimientos, que la televisión acabó con el cine, que internet acabará con el cine y cosas por el estilo, pero vayamos por partes, aunque hay bastantes motivos para desear que mejoren muchas cosas y se exija al cine convencional mayor rigor en las adaptaciones literarias y en las ficciones históricas.
_La televisión lejos de acabar con el cine es hoy en día uno de sus principales patrocinadores e impulsores. Lo cierto es que el cine perdió gran parte del favor popular al nacer la televisión porque la televisión ofrece una comodidad y cercanía que es imposible para la costumbre de ir a ver una película al cine. Pero internet está cambiando esto porque se puede ver una película cómodamente, sin desplazarse, desde el propio ordenador, en casita, o donde sea. La televisión va a competir con el cine en internet, y con el propio internet en igualdad de condiciones porque no habrá más comodidad para ver un programa de televisión o una película, o acceder a cualquiera de los inacabables contenidos de internet. Parece que se avecinan buenos tiempos para el disfrute de cine a través de la red, y que la televisión ya no tendrá nunca más la ventaja de la cercanía y la comodidad respecto al cine. Acabó la época en que la pereza nos podía dejar frente al televisor en vez de acercarnos al cine, ahora podemos y cada vez podremos más, elegir entre ver cine en internet o ver algo en la tele... con la ventaja de que en internet las películas no tienen anuncios.
_Por otra parte, internet no acabará con el cine de ninguna manera, lo que puede suceder es que la mayoría se decante hacia el cine a través de internet o que se mantenga más o menos como hasta ahora la costumbre de salir para ir al cine, pero en cualquier caso el hábito e incluso necesidad de ver cine está hondamente enraizado ya en la mayoría de la gente. Quizá incluso puede ocurrir que se mantenga el hábito de ir a la sala de cine y aumente en realidad el número de películas que una persona puede ver dada la comodidad que supone poder ver cine a través de internet. Se podrá emplear el tiempo dedicado a ver televisión, si se quiere, a ver más cine a través de internet. Creo que es casi seguro que en realidad en un futuro muy cercano la mayoría de la gente vea mucho más cine del que veía, al igual que las ediciones en video y ahora en dvd, junto con los canales temáticos de cine ya aumentaron la posibilidad de ver cada vez más cine. De todas formas quizá lo más probable sea que dada la inversión en tiempo y dinero que supone ir al cine, bastante gente prefiera ver cine a través de internet, ya sea previo paso por taquilla cibernética o gratis, porque de ambas maneras se emplea menos tiempo, y el tiempo parece que cada vez nos cuesta más conseguirlo.
_El cine quizá generalmente se queda en uno de tantos entretenimientos pero la importancia sociocultural del cine, más allá de las películas que tienen un evidente valor artístico y humano, se revela de vez en cuando ante el hecho de que la proyección o incluso el rodaje de algunas películas dan como resultado escándalos, protestas, debates encendidos, iras patéticas y ridículas la mayor parte de las veces. Si el cine fuera tan sólo un entretenimiento ¿se armarían tantos escándalos?. El cine es un medio de comunicación lleno de posibilidades poéticas y subversivas, y por eso la expresión de ideas, sentimientos, hechos que resultan contrarios a unos intereses, creencias, dogmas, desatan huracanes de odio, reacciones de prohibición, censuras... El cine siempre tendrá en su interior la posibilidad de provocar reacciones viscerales, las películas serán amadas u odiadas, lo que hará que el cine no muera jamás.
_Además el cine documental, tan necesario, cada vez va a tener una repercusión mayor en nuestro conocimiento del mundo y sus problemas, aunque el cine de ficción, en sus mejores obras, también aborda con la misma intención su trabajo, aunque desde una ficción. Por todo esto es absurdo afirmar que el cine ha muerto, lo que sucede es que cineastas idealistas llenos de vitalidad y de mejorar el mundo se dan cuenta de que el cine no ha podido cambiar el mundo sino muy poco, y sienten una frustración enorme al ver que la mayoría de las películas no sólo entretienen sino que atontan y adoctrinan en vez de abrir puertas a lo maravilloso o denunciar lo injusto. Esa frustración les hace creer que el cine ha sido absorvido del todo por la industria. Pero el cine poético y vitalista no ha sido absorvido del todo por la industria, la industria efectivamente promueve sobre todo un cine entre barato, tonto y pernicioso, pero desde los márgenes y a veces incluso desde el mismo centro del sistema se realizan películas valiosas que mantienen encendida la llama cálida de la poesía de la vida. Sería más bonito que una película valiosa tuviera una audiencia mundial y una repercusión maravillosa en el mundo, que el cine pudiera mejorar el mundo hasta que mereciera ser llamado humano, pero cualquier película digna está mejorando el mundo, y quedará para siempre. Una buena película además de ensanchar el corazón de quien la vive durante hora y media o dos horas permanece en su corazón hasta el día de su muerte. Es la prueba de que el cine no ha muerto y aún tiene muchas cosas que aportar a la humanidad. Las buenas películas rara vez llegarán a mucha gente, pero aunque sólo hubiera una persona que hubiera sido tocado en el corazón por una película, esa película tendría sentido.
_El cine, uno de los medios más maravillosos a disposición de la Poesía de la Vida, no ha muerto y no puede morir, en realidad ya hace un siglo que es el arte más intenso y profundo, el que nos llega hasta lo más profundo del alma, ojosadentro.
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un documental...
Un lugar en el cine (2008) Alberto Morais. Este interesante documental recorre un sentido cinematográfico y vital que alumbra con el espíritu del neorrealismo que Rossellini muestra en "Roma, ciudad abierta", y continúa con el poeta en todos los sentidos Pasolini, y del que son también exponentes Víctor Erice y Theo Angelopoulos, quienes junto a Tonino Guerra, Ninetto Davoli y Nico Galdini reflexionan abiertamente sobre el cine y la vida. Un necesario esfuerzo no sólo intelectual por destacar el compromiso y diálogo del verdadero cine con la historia y con el ser humano.
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actuar

2008-11-02T09:15:00.001+01:00

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¿Qué es en el fondo actuar sino mentir? ¿Y qué es actuar bien sino mentir convenciendo?
_Laurence Olivier
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algunas películas más...

2008-11-02T00:01:00.001+01:00

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La jungla de asfalto (1950) John Huston. Magistral clásico del cine negro al que no le falta ni sobra un solo fotograma. Admirable y con caracteres e interpretaciones sobresalientes. Para mitómanos y entusiastas de Marylin Monroe, además aparece en breve papel.
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El bello Antonio (1961) Mauro Bolognini. Una magnífica película que aborda la impotencia sexual y sobre todo refleja las conductas sociales, algunas detestables, que provoca en el entorno, con sensibilidad y penetración psicosociológica admirables. Un drama tratado con la seriedad que merece y soberbiamente interpretado.
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Primavera en un lugar pequeño (2002) Tian Zhuangzhuang. Es una bella película, impregnada de una brisa de sensibilidad y un aliento intenso que desborda emociones contenidas, casi incontenibles. Talento a raudales y una cadencia digna de elogio.
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Shortbus (2006) John Cameron Mitchell. Una película que aborda la sexualidad de manera desenfadada, en realidad muy divertida, de manera lúdica pero no por ello superficial, a través de varias historias, a cada cual más impagable que la anterior, en un registro muy libre, con escenas de sexo real que no resultan (como suele ocurrir) aburridas, pedantes o pretenciosas. De lo más fresco y vitalista que se ha rodado en los últimos años, por fin una película no se queda en medias tintas sin realizar sencillamente una película porno. Alguien tenía que hacer una película así.
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El romance de Astrea y Celadón (2007) Eric Rohmer. Una bella y bucólica adaptación literaria, sensual, delicada y romántica.
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Rebobine, por favor (2007) Michel Gondry. Una nueva aventura desenfadada y luminosa de Gondry, con un deje nostálgico hacia el jazz clásico y un espíritu cinéfilo, imaginativo y también crítico respecto a los videoclubs mainstream. En cierto modo es una película impagable que alguien tenía que hacer.
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Lo mejor de mí (2007) Roser Aguilar. Una película que aborda con mucha sencillez y originalidad el amor, la pérdida de la inocencia, los avatares brutales de la vida y también, quizá el desamor o el final del amor. Un debut que apunta alto y fue premiado a la mejor intérprete femenina en el prestigioso Festival de Locarno. Una de esas películas pequeñas que se hacen grandes a base de esfuerzo, talento y cariño.
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La osa mayor menos dos (2008) David Reznak. Este magnífico documental intenta, en palabras de su director "legitimar el delirio" y se acerca a los internos de un psiquiátrico con una gran humanidad, con el espíritu respetuoso y comprensivo del que la propia sociedad en gran parte carece y por el que progresivamente van aumentando los trastornos mentales en este mundo. Da visibilidad y recuerda la vitalidad y dignidad que también late en las personas aquejadas de algún trastorno mental, y de alguna manera recuerda que el mejor tratamiento posible tiene su base en la ternura, la comunicación y la atención a la persona. Incluso a su aliento poético se le une cierto sentido del humor que aún humaniza más a quienes también son humanos, quizá más humanos o demasiado humanos. Vitalista y encomiable trabajo, cada vez más necesario en este mundo de locos, y hablo del mundo que está fuera de los psiquiátricos.
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el sexo es una celebración de la vida

2008-11-01T08:35:00.001+01:00

_En "Celebración" hay una escena que integra con naturalidad el sexo en el cine. La escena se sugiere, pero queda claro que a un hombre, especialmente tenso por cuestiones personales, su mujer se le acerca compasivamente para satisfacerle oralmente. La interpretación es convincente y está perfectamente integrada en la trama, a mí no me pareció escandalosa ni tampoco excitante sino una muestra de ternura y comprensión de la mujer que decide recurrir al sexo para tranquilizar al hombre. El sexo también tiene efectos tranquilizantes maravillosos... Me parece que esta escena tiene algo de maravillosa, es mucho más cariñosa y profunda que millones de escenas en las que se hacen regalos con muchos lazos y se endulza todo hasta resultar empalagoso. A veces el amor y la ternura se muestran así, también a través del sexo.
_Lo que parece ausente del cine es la integración del sexo en las relaciones profundas, en las románticas, en los matrimonios, y rara vez se sugieren relaciones sexuales con personas discapacitadas o personas mayores, aunque en "Lejos de ella" se da un paso valioso en esta última dirección. Y por fortuna ya son varias las películas que abordan la homosexualidad o incluso la bisexualidad. Aunque el cine va dando pasos, parece que sigue sin hacer visible el contacto sexual naturalmente en una película convencional. El sexo no es la base de una relación profunda pero sin sexo una relación profunda sería más amistosa que amorosa la mayoría de las veces. Sigue habiendo un tabú con el desnudo y la sexualidad, pero no para mostrar asesinatos, robos y demás crímenes. ¡¡¡El sexo se considera un delito mayor!!!. Es para quedarse perplejo que cualquier película que aborde verbalmente conflictos sexuales, como "El bello Antonio" ya pasa a ser considerada para mayores de edad mientras se pueden ver cadáveres y tiroteos a la hora de la comida, sin ningún problema. ¡¡¡Sólo el sexo se tiene por escandaloso!!!.
_Quizá algún día nos demos cuenta de que los crímenes destruyen y el sexo da placer y vida. El sexo es una celebración de la vida.
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opinar sobre cine; (auto)crítica de la crítica de cine

2008-11-01T00:10:00.006+01:00

Yo considero que la crítica debe ser sobre todo un ejercicio de modestia, el crítico no puede ser ese que se sube en un pedestal y dice -yo soy el que sé y ustedes son unos ignorantes- , el crítico debe ser un mediador entre la obra y el público, que su trabajo no solamente enseñe a los lectores, televidentes o radioyentes, sino que también incluso arroje luz sobre ese mismo material para el propio Director que lo creó.
_Antonio Mazón
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_Aunque hay historiadores de cine, cronistas de cine, enviados especiales de cine, críticos de cine, escritores de cine... en realidad incluso quienes consideramos expertos en la materia sencillamente expresan su opinión sobre lo que conocen. En mi más humilde condición de amante del cine es lo que en realidad hago, expreso mi opinión sobre lo que conozco, en realidad más bien me centro en expresar mi amor por el cine que me hace amar más la vida, o que me parece más valioso para la vida, cosas por supuesto subjetivas.
_Lo que quiero comentar es que el crítico de cine, por mucha preparación que tenga para el análisis cinematográfico, aunque haya estudiado cine, aunque posea un bagaje cultural importante y una capacidad crítica encomiable, dará su opinión sobre una película y no podrá ver todas las películas que probablemente merezca la pena ver. Y esto último, las películas que quizá merezca la pena ver, también es una opinión en realidad.
_Quiero ser entendido, digo que la crítica de cine es subjetiva al abordar una película en concreto, y muy incompleta al abordar la historia del cine en su conjunto. Y esto no son críticas a la crítica, son simplemente cosas naturales pero que no hay que obviar. Incluso el más apasionado y lúcido crítico de cine tendrá un tiempo y posibilidades de acceso al material cinematográfico, por lo que incluso viendo varias películas a lo largo del día (y aún teniendo afición y pasión por el cine puede ser algo heroico) apenas podrá ver unos miles de películas en toda su vida, y nunca jamás el cuantioso legado cinematográfico desaparecido, del que se tienen referencias pero que generaciones enteras de críticas jamás han visto ni verán. La vida es corta, el cine es largo, y un crítico humilde es consciente de que ha visto lo que ha podido, no todo, y que nunca podrá verlo todo. Un historiador de cine aún debe ser más consciente de que escribe una historia sobre lo que conoce pero no lo conoce todo, e incluso debe sentir que la suya es una de las posibles historias del cine, nunca la única, la última ni la completa. Las historias del cine siempre son incompletas y siempre son subjetivas. También una pequeña historia del cine, claro, hoy en realidad soy tan consciente de lo grande que es el cine, de lo inabarcable que es...
_Al hacer una historia del cine siempre se hace una historia incompleta y subjetiva porque se incluye lo que se considera significativo de entre lo que se conoce, que no puede ser todo al ser la filmografía histórica inabarcable. Las historias del cine han de ser siempre intentos, ensayos, apuntes... con un espíritu más complementario que dogmático en mi opinión. La historia del cine en realidad no se puede escribir pero lo más cercano nacería de la unión de todas las escritas. Cada historia del cine aporta algo, ninguna puede sentar cátedra y ser la última palabra por dos razones: cada historiador de cine escribe su visión de la historia del cine, y porque por lúcida que sea su visión no puede haberlo visto todo, puede ser una historia maravillosamente bien escrita pero no por ello podrá abordarlo todo. Ningún crítico ni historiador de cine llega a todo, el cine es inabarcable.
_Al hacer la crítica de una película incluso el crítico con más bagaje cinéfilo y crítico a cuestas, incluso el más culto y conocedor, bien mirado, lo que hace es expresar su opinión, que puede verse condicionada por cuestiones personales (educación, cultura, creencias...) y también ambientales (el entorno, la calidad de la proyección, el respeto o no en la sala ante la proyección), además de eventuales accidentes que pueden hacer que en el momento de la proyección el crítico no se encuentre muy bien de salud o algún asunto personal le preocupe y no le permita concentrarse completamente en la película. Son cosas que ocurren, hay malos días, hay malas proyecciones, hay malos prejuicios que probablemente tenemos todos... Y como resultado de todo esto, y de que no hay dos personas iguales, cada crítica de cine es subjetiva, y así debe ser siempre.
_Las críticas de películas son subjetivas, son opiniones, aunque no todas las opiniones son respetables. Con esto quiero decir que la crítica debe ser libre, no condicionada exteriormente por grupos económicos de presión o intereses comerciales por ejemplo. Una crítica de cine que estuviera teledirigida a lograr que el público se acercara a ver una película porque se recibe un tanto de la productora, no sería respetable, no sería una crítica libre sino publicidad encubierta. Una crítica de cine que por animadversión a un director, actor... se dedicara a lanzarle más piedras que palabras, tampoco sería respetable. El dinero y el odio personal no podrían dar una crítica respetable. Tampoco podría ser respetable una crítica hecha sin ver toda la película con atención, no simplemente estar en el cine sino ser uno con la película. Tampoco sería muy fiable una crítica fanática en la que se hace un monumento en vez de un análisis de una película. Una crítica puede ser una declaración de amor, pero antes debe ser una crítica de cine, o sería sólo una crítica vacía.
_¿Y qué es una crítica de cine? En eso hay varios enfoques (ver enlace) según Laurent Jullier hay seis criterios: el éxito, la técnica, la edificación, la emoción, la originalidad y la coherencia. Y quizá hayan más...
_A lo largo de la historia del cine la cantidad y calidad de la crítica sobre cine es apreciable, aunque jamás hay que olvidar que ninguna crítica es la crítica, ninguna historia del cine es la Historia del cine, que no hay autoridades en materia de cine en el sentido de que incluso quienes más cine han podido ver y más escriben sobre cine expresan su opinión sobre lo que han podido ver, que no es todo. Y en realidad no hay unanimidad posible entre la crítica de cine ni sobre géneros, ni sobre la filmografía de un director, ni sobre una sola película, hasta tal punto que la misma película puede llegar a ser considerada muy mala por un crítico y un trabajo soberbio por otro crítico.
_Al empezar un libro sobre cine, un apartado se titulaba "crítica de la crítica", y efectivamente el autor citaba la bibliografía y la criticaba. Y si la élite crítica no es unánime, ni puede serlo, eso tan sólo es una prueba más de que en realidad todo el mundo puede expresar sobre cine su opinión mientras no haga del todo una parte, por ejemplo generalizar sobre las virtudes o defectos de un género o un autor sin haberlo visto todo.
_Igual que no es bueno el hombre de un solo libro tampoco creo que sea bueno que un cinéfilo sólo lea las críticas de un crítico, y siempre me ha parecido algo preocupante que la opinión de un crítico de cine pueda ser muy relevante siendo que en realidad un crítico expresa una opinión, no un dictamen científico irrefutable, que un crítico puede tener un mal día, o un prejuicio al respecto o alguna animadversión personal o... Porque un crítico de cine es un ser humano, aunque lamentablemente hay críticas de cine y críticos que parecen haber inventado el cine, ¡e incluso la vida, faltaría más!.
_Un historiador y/o crítico de cine, en mi opinión como aprendiz de ambas tareas, debe tener un gran amor al cine y aún más amor a la vida, y una humildad capaz de reconocer las limitaciones intelectuales, de atención, los prejuicios que puede tener, la posibilidad de errar como ser humano en una apreciación, ser consciente de que se tienen malos momentos y malos días... y que todo eso después se refleja en lo que se escribe sobre cine. Y también debe ser consciente de que la suya será una más entre las opiniones, nunca la única, la definitiva, la válida, que una crítica de cine se puede criticar, en realidad una crítica de cine debe ser criticada por el espectador una vez ha visto la película. Quizá esa crítica de la crítica es la que nos acercará a unos críticos de cine concretos, o a unos enfoques concretos, aunque más de una vez discreparemos con los críticos que más apreciamos, pues afortunadamente todos los amantes, cinéfilos y espectadores de cine en realidad somos críticos de cine. Unos más pequeños y otros más grandes; unos por afición y otros también por profesión.
_Quizá opinar sobre cine, criticar una película, una época del cine, un género, un director... sea algo al mismo tiempo importante y al mismo tiempo poco importante porque la labor crítica puede ser influyente o no serlo, pero incluso influyentes críticas de otras épocas han sido descartadas posteriormente, al igual que directores y películas denostados o ninguneados con el tiempo han sido descubiertos, rehabilitados, valorados... Encendidas alabanzas a directores y películas hoy quizá nos sonrojarían, al igual que otras nos indignarían, por lo que la crítica de cine también tiene un componente histórico y cada época suele juzgar según sus valores, y aunque se afirme que las obras valiosas perduran en el tiempo, el caso es que en el tiempo perduran las obras que perduran, ni todas las valiosas perduran ni todas las que perduran son valiosas. Es importante que haya varias, muchas historias y críticas de cine porque cada una aporta puntos de vista diferentes sobre la historia del cine y las películas. Paradójicamente todas las críticas e historias del cine son importantes y ninguna lo es, porque ninguna es la definitiva, la que lo dice todo, y porque todas aportan algo, al menos todas las que merecen ser llamadas críticas.
_Hay comentarios que no pueden llamarse críticas de cine porque son publicidad, libelos, suposiciones perezosas (si un crítico se ha dormido en la proyección o se ha ausentado, por ejemplo), pero en todos los demás casos son críticas criticables, desde luego, pero merecen formar parte de la siempre incompleta y interminable labor de análisis cinematográfico.
_También hay que hablar de los teóricos del cine, cuyas ideas influyen en la concepción, análisis de la imagen, interpretación semiológica..., campos ya reservados a estudiosos y catedráticos que de todas formas, aún teniendo doctorados, serán buenos cinéfilos si no sientan cátedra cuando hablen de cine.
_Por mi parte, espero que se entienda todo este rincón de cine como mi opinión personal, parcial, incluso enormemente ignorante, sobre la inabarcable historia del cine y películas que a mí me han dado algo valioso en esta vida.
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http://www.fipresci.org/
http://www.paidos.com/lib.asp?COD=34167
http://www.rcm.cu/trabajos/2008/agosto/04/mazoncine.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Cr%C3%ADtica_cinematogr%C3%A1fica
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Cary Grant

2008-10-31T00:03:00.000+01:00

Arsénico por compasión, de Frank Capra

ser Cary Grant

2008-10-31T00:02:00.000+01:00

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Todo el mundo quiere ser Cary Grant. Incluso yo quiero ser Cary Grant.
_Cary Grant
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los géneros cinematográficos

2008-10-31T00:01:00.002+01:00

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_Hay películas que no se adscriben a un género cinematográfico concreto, algunas los ensanchan o crean subgéneros y muchísimas películas, la mayoría, son películas de género. En el Hollywood clásico se apeló al star system tanto como a los géneros bien definidos, con resultados de taquilla destacables.
_Centrando la cuestión en los géneros cinematográficos conviene decir que tienen ventajas para las productoras porque al delimitar a qué género pertenece, cada película se asienta en unas bases y normas, las convenciones propias de cada género, incluso si ocasionalmente las trasciende o las esquiva, y además es una manera de crear y captar un público afín con el propio género. Para el espectador el cine de género tiene la ventaja de que le es fácil ver una película del género que prefiere, en teoría de las que más le gustan, pues hay espectadores de género tanto como películas de género, y también es una ventaja para el espectador que quiere ver una película de cierto género en un momento concreto. A veces queremos ver una comedia, o una del oeste o...
_Las convenciones de todos los géneros se toman licencias, como casi todo el cine se toma muchas licencias dicho sea de paso. La ciencia-ficción, el cine fantástico, la animación y el musical por ejemplo no se basan mucho en la verosimilitud, incluso prescinden deliberadamente de ella, y más bien se basan en la imaginación, idealización, exageración, deformación, intensificación... Hay que recordar que el cine suele tener ya de por sí bastante poca verosimilitud si nos fijamos en las elipsis temporales, pues en apenas hora y media una película recorre días o incluso años, décadas, siglos... Pocas películas intentan ser en tiempo real, por ejemplo. Y el cine suele idealizar, exagerar, deformar o manipular intencionadamente la realidad con voluntad expresiva, como por ejemplo en el apartado del director de fotografía, que a menudo atenúa o intensifica los colores reales, por no hablar de los subrayados, contrapuntos y demás efectos que puede lograr la incorporación de música ajena al sonido real de la película... Con esto quiero decir que la verosimilitud, en fin, quien busque verosimilitud quizá no vea una película estrictamente verosímil en toda su vida, y el cine no tiene que ser verosímil en realidad, puede serlo, puede ser simbólico, puede ser de muchas maneras, y en el mejor de los casos llega a lo mejor del corazón de las personas.
_Algunos géneros son, fueron o serán muy populares, pero (más allá de su éxito en las taquillas del cine o en las televisivas y cibernéticas) todos los géneros ofrecen magníficas posibilidades para que, con talento, se puedan crear películas maravillosas. La realidad, claro está, es que la mayoría de las películas de todos los géneros (incluso las que no se adscriben a ningún género) no son obras maestras ni películas de gran nivel, pero se debe siempre a una cuestión de talento, pues hacer una buena película no es fácil, igual que hacer cualquier cosa bien en la vida, y sobre todo en el arte, no es fácil.
_Todos los géneros han dado obras maestras a la historia del cine, sin embargo parece que cada uno de los géneros tiene sus detractores, y es habitual despreciar géneros enteros (¡ahí es nada!) ignorante o injustamente, porque no se han conocido sus mejores obras sino las del montón (con lo que se juzga no desde la cima del género sino desde la mediocridad y la maleza) o porque no se disfruta con el género en concreto y se toma al género por equivocado cuando en realidad cada género ofrece unas convenciones y el espectador acepta su liturgia o no la acepta, pero las bases de cada género no son buenas ni malas, están más allá del bien y del mal... sin embargo hay quien se erige en inquisidor y considera que si algo no le gusta es porque es malo, y eso es injusto porque las cosas no son buenas o malas porque nos gusten y en cine, ¿quién tiene la última palabra de lo que tiene calidad y no la tiene siendo que la apreciación del arte es subjetiva y ni la propia crítica cinematográfica es unánime siempre?. Todas las opiniones sobre arte merecen ser escuchadas pues en teoría puede aportar tanto la de un recién llegado como la de un experto en la materia... cada cual tendrá su vida a cuestas y su bagaje, incluso sus prejuicios a cuestas, pero cuando alguien desprecia un género por completo porque no le gusta ese género lo honrado en mi opinión es sencillamente decir que no le gusta el género y no intentar arruinar el placer a los que sí lo disfrutan, haciéndolo de menos. Ese género no es para mí, y se va uno a ver películas del género que le guste. Sin embargo se harta uno de oír que el musical es inverosímil, el menosprecio también en literatura del terror y el erotismo, y del cine sexual las peores pestes imaginables, la animación hay quien no la considera ni cine, el western lo acusan de mil cosas despreciables, el cine bélico se deja en menos de lo que es a veces, el de aventuras se califica de simple escapismo y entretenimiento banal, el romántico lo dejan en almibarado y convencional, el drama es calificado de pretencioso, los melodramas son tildados de exagerados o lacrimógenos, y sin extenderme más el documental queda relegado a ser como el hermano pobre del cine, por no hablar de las veleidades artísticas que se critican a menudo al film-ensayo. Y la lista sería más larga, pero son todo acusaciones generalizadas que no se sostienen en pie ante un análisis con conocimiento de causa de las obras maestras de la historia del cine que pertenecen a cada uno de los géneros. Hay películas que son así, pero todas las películas del mismo género no son iguales, es homogenizador y reduccionista generalizar por lo bajo, es despreciar la grandeza de cada género, la grandeza de las obras logradas de cada género, y despreciar al propio cine, robarle parte de su grandeza.
_La historia del cine muestra la existencia de obras maestras en todos los géneros, lo que sucede es que se critica todo un género completo (miles de películas que nadie hemos podido ver por completo, con lo que todos empezamos por ser ignorantes) sin mirar sus obras más logradas, las que verdaderamente son el florecimiento del género, su sentido, su razón de ser y su gloria. Miran las obras corrientes o malas y despectivamente concluyen que el resto serán iguales, pero no han visto ni la entrada del piso... o aunque hayan visto incluso obras más logradas de un género, como tienen reparo o animadversión incluso a ese género (por razones personales) concluyen, con gran alboroto, dictando sentencia, que el género es despreciable, sus bases están equivocadas o cosas por el estilo. La realidad es que se consideran más que nadie, su palabra es la última palabra, y si un género no les gusta consideran que el género es malo, ofende por lo visto a su intelecto o sensibilidad superior, y lo critican por todos los lados.
_Sin embargo cada género tiene sus convenciones, que el espectador acepta o no acepta, no tiene porqué aceptarlas pero que no le hagan disfrutar no significa que sean convenciones equivocadas, que el género tenga pegas. A mí el género bélico no me entusiasma por lo general, pero he llegado a la conclusión de que sus bases no pueden estar equivocadas cuando hay películas bélicas que están logradas, y no las he visto todas, claro, debe haber más. Además incluso cuando no se ha visto mucho de un género habría que dar el beneficio de la duda, y pensar que entre lo que no hemos visto puede haber una obra lograda. Como siempre que la película sea buena depende del talento, no del género que se aborde, ni siquiera en gran parte de los medios que se disponga, pues de ser así cuanto más cara fuera una película mejor sería, y está claro que ha habido presupuestos de quitar el hipo que han dado unas películas para echar a correr y no parar hasta llegar a Marte. Y repito, quién dice que sólo es una buena película si a él le parece buena, hay que respetar las opiniones ajenas, pues el cine y el arte no son matemáticas. Al menos hay que tener la humildad de considerar que uno puede tener un prejuicio, un mal día o una incapacidad para comprender totalmente una película. Y quien no tenga esa cierta humildad más que cinéfilo o crítico se cree el padre del invento, una autoridad en la materia, como las autoridades sanitarias que advierten...
_Cada género apela a unas convenciones e incluso sensibilidades, tramas, tratamientos... Hay que darse cuenta de que hay factores subjetivos que nos hacen más afines con unos géneros y nos alejan de otros. A mí el bélico por ejemplo no me atrae porque no tengo la guerra por solución de nada sino más bien por una manera de crear más problemas, pero esto es mi opinión, yo me siento más predispuesto a la comedia por ejemplo, pero de todas maneras el género bélico no está equivocado de raíz pues incluso en dicho género cabe la posibilidad de plasmar sentimientos humanos positivos como la solidaridad o incluso el intento de comprensión del otro, el que se considera enemigo. Todos los géneros son dignos y respetables. Cada película en concreto puede ser criticada pero no por pertenecer a un género u otro, lo que sería como criticar a una persona por ser de tal familia o de tal otra, lo que es una especie de racismo. Sin embargo si alguien por ejemplo tiene reparos (por sensibilidad o cuestiones religiosas) hacia el desnudo, no querrá saber del cine erótico y mucho menos del cine sexual, pero eso no invalida estos géneros.
_Nunca se ha hecho una película que le guste a todo el mundo, y toda película de género además es casi imposible que guste o siquiera la vean quienes se sienten a disgusto con ese género, sin embargo esa película en concreto para otras personas puede ser mala, del montón o una obra maestra de la historia del cine.
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cine musical

2008-10-30T17:11:00.002+01:00

_una pequeña cronología del cine musical

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unas palabras...
Cuando era más niño me gustaban las películas de dibujos animados y los musicales... El cine musical me hacía cantar, tararear, y algo así como bailar (para un patoso llamarle bailar quizá sea exagerar) pero sobre todo me producía una gran alegría. Esta pequeña cronología es, por tanto, algo que he hecho agradecido y con placer.
Con algunas reservas incluyo algunos documentales musicales o biografías de personas vinculadas con la música, lo que quizá no sea del todo ortodoxo pues el cine musical no suele ser realista y biográfico sino más bien idealista, fantástico, imaginativo en vez de verosímil... Pero mi amor a la música y el hecho de que el magnífico "Diccionario de Películas. El cine musical" de Joan Munsó (T&B Editores, 2006) también incluya estas películas me ha convencido para incluir estos títulos. Aunque, claro, en las películas de los hermanos Marx habían números musicales y casi nadie las considera musicales sino comedias...
En cualquier caso aquí hay muchas películas, ¡y poco tiempo para verlas, cantarlas y bailar con todas!
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_los felices años 20
En estos años empieza el cine musical con la aparición del sonido sincronizado con la imagen en "El cantor de jazz"
1927 El cantor de jazz, Alan Crosland (USA) con el mítico Al Jolson
1929 Aleluya, King Vidor (USA) la primera obra maestra del cine sonoro
1929 El desfile del amor, Ernst Lubitsch (USA)

_los años 30
En estos años el cine musical se va consolidando poco a poco sobre todo en Estados Unidos, que en el cine musical casi siempre ha sido el modelo a seguir, aunque también existen películas importantes en Alemania y en España.
1930 Galas de la Paramount, Dorothy Arzner, Ernst Lubitsch, y varios (USA)
1931 El congreso se divierte, Erik Charrell (Alemania)
1933 Vuelan mis canciones, Willi Forst (Alemania)
1933 La calle 42, Lloyd Bacon (USA)
1933 Vampiresas de 1933, Mervin LeRoy (USA) maravillosa comedia musical
1934 La alegre divorciada, Mark Sandrich (USA) la primera película de la maravillosa pareja Fred Astaire y Ginger Rogers
1934 El último vals de Chopin, Ger von Bolvary (Alemania)
1934 La viuda alegre, Ernst Lubitsch (USA)
1934 La venus negra, Marc Allegret (USA) con Josephine Baker
1935 La verbena de la paloma, Benito Perojo (España)
1935 Sombrero de copa, Mark Sardrich (USA) con la pareja Fred Astaire y Ginger Rogers
1936 La melodía de Broadway 1936, Roy Del Ruth (USA)
1936 Magnolia, James Whale (USA)
1936 Nacida para la danza, Roy Del Ruth (USA)
1937 La melodía de Broadway, Roy del Ruth (USA)
1938 Alexander's ragtime band, Henry King (USA)
1939 El mago de Oz, Victor Fleming (USA)

_los 40
los años 40 son una época maravillosa para el musical americano con títulos destacados, y también se crean musicales muy apreciables en Gran Bretaña y en España
1940 Fantasia, Ben Sharpsteen y varios autores (USA) la obra maestra de Walt Disney, una maravilla tanto del cine de animación como del cine musical
1940 Melodías eternas, Carmine Gallone (USA) una biografía de Mozart
1940 La nueva melodía de Broadway, Norman Taurog (USA)
1942 Bailando nace el amor, William A. Seiter (USA)
1942 For me and my gal, Busby Berkeley (USA)
1943 Loco por las chicas, Norman Taurog y Busby Berkeley (USA)
1944 Las modelos, Charles Vidor (USA)
1945 Levando anclas, George Sidney (USA) con Frank Sinatra, Gene Kelly...
1945 Ziegfeld, Vincente Minnelli (USA)
1948 Las zapatillas rojas, Michael Powell y Emeric Pressburger (Gran Bretaña)
1948 El pirata, Vincente Minnelli (USA)
1948 Nace una canción, Howard Hawks (USA)
1949 Take me out to the ball game, Busby Berkeley (USA)
1949 El amor brujo, Antonio Román (España)
1949 Un día en Nueva York, Gene Kelly y Stanley Donen (USA) una obra maestra que inició el musical moderno

_los años 50
en los años 50 el musical alcanza quizá sus obras más logradas sobre todo en Hollywood, aunque la cantidad de títulos no sea tan grande como en los 40
1951 The belle of New York, Charles Walters (USA)
1951 Un americano en París, Vincente Minnelli (USA)
1952 Cantando bajo la lluvia, Gene Kelly y Stanley Donen (USA)
1953 Melodías de Broadway 1955, Vincente Minnelli (USA)
1953 Carrusel napolitano, Ettore Giannini (Italia)
1953 Los caballeros las prefieren rubias, Howard Hawks (USA)
1953 Kiss me, Kate, George Sidney (USA)
1954 Ha nacido una estrella, George Cukor (USA)
1954 French can can, Jean Renoir (Francia)
1954 Brigadoon, Vincente Minnelli (USA)
1954 Carmen Jones, Otto Preminger (USA)
1954 Luces de candilejas, Walter Lang (USA)
1954 Siete novias para siete hermanos, Stanley Donen (USA)
1955 Mi hermana Elena, Richard Quine (USA)
1955 Ellos y ellas, Joseph L. Mankievicz (USA)
1955 Siempre hace buen tiempo, Gene Kelly y Stanley Donen (USA)
1956 Invitación a la danza, Gene Kelly (USA)
1957 Una cara con ángel, Stanley Donen (USA) con Audrey Hepburn
1957 La bella de Moscú, Rouben Mamoulian (USA)
1957 Las girls, George Cukor (USA)
1958 Gigi, Vincente Minnelli (USA)
1959 Porgy and Bess, Otto Preminger (USA)

_los años 60
en los 60 el musical se va haciendo más pop, sigue descendiendo la producción y normalmente la calidad pero hay titulos importantes...
1961 West side story, Robert Wise y Jerome Robbins (USA)
1961 Diferente, Luis Mª Delgado (España)
1962 Vivir de ilusión, Morton Da Costa (USA)
1963 Los paraguas de Cherburgo, Jacques Demy (Francia)
1963 Los tarantos, Francisco Rovira Beleta (España)
1964 ¡Qué noche la de aquel día!, Richard Lester (Gran Bretaña)
1964 Mary Poppins, Robert Stevenson (USA)
1964 My fair lady, George Cukor (USA)
1965 Sonrisas y lágrimas, Robert Wise (USA)
1966 Las señoritas de Rochefort, Jacques Demy (Francia)
1967 El amor brujo, Francico Rovira Beleta (España)
1967 Camelot, Joshua Logan (USA)
1968 El submarino amarillo, George Dunning (Gran Bretaña)
1968 The night they raided minsky's, William Friedkin (USA)
1968 Chitty chitty bang bang, Ken Hughes (Gran Bretaña)
1968 Oliver, Carol Reed (Gran Bretaña)
1969 Adiós, Mr. chips, Herbert Ross (USA)
1969 Hello, Dolly!, Gene Kelly (USA)
1969 La leyenda de la ciudad sin nombre, Joshua Logan (USA)
1969 Un, dos, tres, al escondite inglés, Iván Zulueta (España)

_los años 70
en los 70 sigue la tendencia hacia el pop y se realizan menos musicales pero algunos son impresionantes
1970 Woodstock, Michael Wadleigh (USA) resumen del mítico concierto multitudinario
1970 Vuelve a mi lado, Vincente Minnelli (USA)
1971 El violinista en el tejado, Norman Jewison (USA)
1972 Cabaret, Bob Fosse (USA)
1974 La flauta mágica, Ingmar Bergman (Suecia)
1974 Érase una vez en Hollywood, Jack Haley Jr. (USA)
1975 The Rocky Horror Picture Show, Jim Sharman (USA)
1975 At long last love, Peter Bogdanovich (USA)
1976 Esta tierra es mi tierra, Hal Ashby (USA) la vida del cantautor Woody Guthrie, cuya guitarra decía "esta máquina mata fascistas"
1977 Fiebre del sábado noche, John Badham (USA) con Travolta
1977 Dulce Viena, Harold Prince (Austria-Alemania)
1978 Grease, Randal Klaiser (USA)
1979 Empieza el espectáculo, Bob Fosse (USA)
1979 Don Juan, Joseph Losey (Gran Bretaña-Francia)

_los años 80
en los 80 se producen pocos títulos y pocas maravillas pero hay títulos relevantes, y en España destaca sobre todo Carlos Saura
1980 Fama, Alan Parker (USA)
1980 De Mao a Mozart, Murray Lerner (USA)
1981 Dinero caído del cielo, Herbert Ross (USA)
1981 Bodas de sangre, Carlos Saura
1982 Parsifal, Hans-Jürgen Syberberg (Alemania)
1982 La traviatta, Franco Zeffirelli (Italia)
1982 Corazonada, Francis Ford Coppola (USA) esta película arruinó a su director
1983 La sala de baile, Ettore Scola (Italia)
1983 Carmen, Francesco Rosi (Italia)
1983 Flashdance, Adrian Lyne (USA)
1983 Breakdance, Joel Silberg (USA)
1984 Amadeus, Milos Forman (USA) la biografía de Mozart
1984 Cotton Club, Francis Ford Coppola (USA)
1985 ¡Esto es bailar!, Jack Haley Jr. (USA)
1985 La corte del faraón, José Luis García Sánchez (España)
1985 A chorus line, Richard Attenborough (USA)
1985 Babel opera, André Delvaux (Bélgica)
1985 Alrededor de la medianoche, Bertrand Tavernier (Francia) el magnífico Tavernier en su incursión en el mundo del jazz
1985 El amor brujo, Carlos Saura (España)
1986 Principiantes, Julian Temple (Gran Bretaña)
1986 Otelo, Franco Zeffirelli (Italia)
1986 La tienda de los horrores, Frank Oz (USA)
1988 Bird, Clint Eastwood (USA) la magnífica biografía de Charlie Parker
1989 Los fabulosos Baker Boys, Steve Kloves (USA) con una bonita banda sonora y buenas interpretaciones

_los 90
en la década de los 90 todavía se producen menos musicales pero hay algunos títulos interesantes
1990 El lágrima, John Waters (USA) un musical a lo Waters, en clave r'n'r'
1994 That's entertainment: part III, Bud Friedgen y Michael J. Sheridan (USA)
1994 Farinelli, Gérard Corbiau (Francia) narra la vida del mítico castrado de voz portentosa
1995 Madame Butterfly, Fredéric Mitterrand (Francia)
1995 Flamenco, Carlos Saura (España)
1996 Kansas City, Robert Altman (USA) un paseo por el mundo del jazz de la mano del interesante Altman
1996 Todos dicen I love you, Woody Allen (USA) un musical por el divertido e inteligente Woody Allen
1997 On connaît le chanson, Alain Resnais (Francia) el gran Resnais expresa a sus personajes con canciones populares francesas
1998 Tango, Carlos Saura (España)
1998 Buena Vista Social Club, Wim Wenders (Alemania) maravilloso y entrañable encuentro con los clásicos vivientes de la música cubana como Compay Segundo, Ibrahim Ferrer...
1999 Trabajos de amor perdidos, Kenneth Branagh (Gran Bretaña)
1999 Fantasía 2000, Hendel Butoy y varios (USA) continuación de la mítica Fantasía

_ los últimos años
últimamente destacan más los documentales musicales y, en España, Emilio Martínez-Lázaro tiene un gran éxito con sus musicales y Trueba filma maravillosos documentales
2000 Calle 54, Fernando Trueba (España) impresionante...
2000 Bailar en la oscuridad, Lars von Trier (Dinamarca) musical atípico y dramático pero maravilloso
2001 Moulin Rouge, Baz Luhrman (USA) el pop asalta el moulin rouge en una película colorida y viva
2002 Chicago, Rob Marshall (USA)
2002 El otro lado de la cama, Emilio Martínez-Lázaro (España) divertida y muy exitosa
2004 Ray, Taylor Hackford (USA) la biografía del cantante Ray Charles
2004 El milagro de Candeal, Fernando Trueba (España) un documental lleno de vitalidad sobre el poder de la música
2004 De-lovely, Irwin Winkler (USA)
2005 Cruzando el puente. Los sonidos de Estambul, Fatih Akin (Alemania) el bajista de Einsturzende Neubaten descubriéndonos los tesoros de la música turca, tanto la más tradicional como la más actual
2005 Los dos lados de la cama, Emilio Martínez-Lázaro (España) la secuela también es divertida
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bibliografía interesante
Diccionario de Películas. El cine musical, de Joan Munsó (T&B Editores, 2006)
El cine musical. Hollywood 1927-1944, de Joan Munsó (Royal Books, 1996)
www.blogs.ya.com/cinemusical hay fotografías, monografías y también historia del cine musical...
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el amor y el sexo mostrados con naturalidad

2008-10-30T00:01:00.000+01:00

_Quizá el momento más ardiente del amor en el cine sea el instante apasionado, arrebatador, en el que, en "Ordet" de Dreyer, el marido dice, aún cuando su mujer yace muerta, que todavía la desea. Quien no entienda ese sentimiento y lo considere simplemente lascivo (aunque la lascivia tiene más mala prensa de la que merece) sabe poco del amor, más bien nada. El amor es erótico por naturaleza. A menudo hay deseo sexual sin amor, pero el amor siempre incluye el deseo sexual. Pero en el cine...
_El amor y el sexo mostrados con naturalidad en el cine, ¿cuándo van de la mano?. Algo falla cuando existen películas que expresan magistralmente los recovecos de las relaciones amorosas pero se quedan al entrar en la alcoba, o como mucho cuando ya se va a pasar a la sexualidad manifiesta. Es algo que no necesita mucha explicación que una parte del amor es la ternura y otra el erotismo, amar sin desear sexualmente es imposible, se puede desear sexualmente sin amar, cosa que sucede a menudo, pero insisto en que si se ama a alguien también hay deseo sexual en ese amor. Esto es tan natural que el Cantar de los cantares ya lo expresa maravillosamente bien. En el cine, sin embargo, la costumbre es que o se ve un romanticismo sin sexo (como si aún hubiera que velar lo que ocurre entre dos personas que se aman cuando están en la intimidad) o se realizan películas de cine sexual, género muy digno y respetable, muy denostado pero que yo considero positivo, legítimo, útil y en sus mejores obras enriquecedor e imaginativo.
_El cine sexual, como su género indica, no suele ser romántico (aunque hay cine sexual de corte romántico) y aunque ocasionalmente lo sea su mayor interés serán las escenas sexuales, al igual que un musical tiene su mayor interés en sus números musicales. En realidad al musical se le achaca su falta de verosimilitud y esa misma falta de verosimilitud se le puede achacar al cine sexual, en un género la gente se pone a bailar y a cantar y en el otro a divertirse sexualmente... Pero eso sólo se nota en el cine musical o sexual que no da la talla de su género. En una buena película sexual o musical la ficción es creíble, resulta fluida y natural.
_Entonces, lo que sucede es que o bien se contempla una película romántica sin todo el romanticismo real, que incluye la ternura, el deseo, el sexo, o se contempla una película sexual en la que con suerte puede haber una ambientación o un intento de historia romántica, pero casi por obligación tratada muy ligeramente. Y es normal porque el cine sexual, en caso de extenderse mucho en explicar y detallar otros aspectos de las relaciones personales ya no sería cine sexual sino cine romántico.
_Puede ser que se haya realizado alguna película, digamos que convencional, que al abordar la relación romántica por una vez (no hace falta más que una vez en toda la película) aborde sin efectismos ni recatos la intimidad sexual de la pareja. Los títulos que recientemente he podido ver con escenas sexuales e historias de pareja verdaderamente no son así, muestran contínuos escarceos pero no llegan a profundizar en la esencia de la relación, en los caracteres psicológicos, abordan sólo ligeramente la parte de ternura y afecto, las inseguridades, las complicaciones, malentendidos, discusiones y alegrías de la pareja más allá de la cama. Suelen ser películas más pansexualistas que románticas tal y como yo entiendo el romanticismo, como una mezcla (explosiva) de ternura, afecto y deseo sexual, con un grado de responsabilidad, preocupación y compromiso importantísimos.
_Películas como "El imperio de los sentidos" no creo que haya dos en el mundo, siendo un ejemplo soberbio del arrebato amoroso y sexual llevado hasta sus últimas consecuencias, aunque quizá no sea exactamente romántica en el sentido de que se decanta hacia la sexualidad por completo, lo que está muy bien de todas formas, pero yo entiendo el romanticismo más desde la base de la ternura y la comunicación y la sexualidad como una de sus manifestaciones, no su fin único ni último ni prioritario.
_Otros films más recientes con algo que aportar son "Intimidad" y "Shortbus". El primero aborda, a veces de manera aburrida, una relación efímera, no una relación romántica, y "Shortbus" es una película vitalista, desenfadada, muy divertida, un descubrimiento, pero aborda de forma coral varias manifestaciones y complicaciones sexuales, no una única relación en profundidad, y ya saben que me refiero tanto a profundidad psicológica como sexual, que ambas forman parte de la expresión humana.
_Quizá yo ignoro esa película en el que el romanticismo de una pareja no se recata ante su expresión sexual..., sé de más gente que de alguna manera la busca y no la encuentra o no la conoce (¿o no existe todavía?) por lo que si alguien ha visto algo así, por favor, compártalo con este rincón de cine, que el amor y el sexo cuando van enlazados hacen que la vida sea maravillosa.
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arrebatodecineoriginal@gmail.com
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recursos de la cinematografía

2008-10-29T00:12:00.001+01:00

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Existen dos tipos de películas: aquellas que emplean los recursos del teatro y aquellas que emplean los recursos de la cinematografía.
_Robert Bresson
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influencia cinematográfica y humana del cine sexual

2008-10-27T20:35:00.006+01:00

_Hay quien dice que Lars Von Trier se inspiró en la manera de rodar de un subgénero porno para crear el decálogo y las consignas estéticas del movimiento Dogma. ¿Qué tendría de extraño?. Quizá hay supuestas élites intelectuales que piensan que el porno sólo es para lo evidente y carece de cualquier valor cinematográfico. Hay una mayoría de películas en todos los géneros que realmente carecen de valor no sólo cinematográfico sino humano.

_El porno, o cine sexual, sólo es un género más y por su utilidad (también el género musical, el romántico, el thriller, el terror... tienen su utilidad) o por la mezcla de utilidad y cinefilia, seguro que bastantes directores y personalidades de las artes y otras disciplinas humanas ocasional o incluso asiduamente contemplan películas sexuales.

_Sería muy bueno que se supiera que ese admirado escritor, ese político respetado, ese actor famoso, ese científico influyente... también aprecian el cine sexual, sobre el que pesa (como sobre la literatura de terror y la erótica) la losa de un desprecio y marginación injustificable. A fin de cuentas la inteligencia, el talento, la creatividad, la diligencia... y en fin, todas las cualidades humanas más sobresalientes, son perfectamente compatibles con un disfrute de la sexualidad explícita, incluso con un aprendizaje aún mayor de la sexualidad a través del cine sexual. Al cine sexual ¿no le debe al menos una generación humana una parte de su imaginario sexual e incluso el descubrimiento de más posibilidades sexuales?. Yo creo que sí, que el cine sexual ha abierto a bastante gente puertas que de otra manera quizá no hubieran abierto, o mucho más tarde. Al cine sexual de calidad aún no se le ha reconocido el bien que ha hecho, hace y hará por la humanidad.

_Por otra parte también creo que la excesivamente prolífica filmografía mundial de cine sexual puede ser sociológicamente reveladora de carencias sexuales arraigadas en las sociedades, y quizá también afectivas, pues quienes pueden vivir una historia romántica también suelen ver menos historias románticas... aunque el cine sexual tiene un gran potencial enriquecedor, como cualquier género cinematográfico.

_En cualquier caso el cine sexual, incluso en el caso menos imaginativo y enriquecedor, cuando es más bien compensatorio de alguna manera cumple una labor social positiva. Por supuesto siempre hablo de cine sexual entre personas que libremente deciden expresarse sexualmente, igual que libremente una persona busca un trabajo en una oficina o una persona decide ofrecer por voluntad propia servicios sexuales a otra a cambio de dinero. Y por más que moralistas algo ciegos ante la realidad de la vida digan que la pornografía y la prostitución degradan a la mujer (o al hombre) lo cierto es que hay mujeres y hombres que disfrutan mucho ofreciéndose sexualmente a la cámara o en la intimidad.

_El cine sexual, de todas maneras, ¿no es en gran parte el cine llevado a su máxima expresión?. El cine es observador o voyeur por naturaleza, y bien mirado, ¿qué es lo que más desea observar un voyeur?. Y además, ¿no es la sexualidad desatada una, si no la que más, de las expresiones humanas más profundas y vitalistas?. Sí lo es, y siempre lo será, por eso desde el nacimiento del cine, sin ir más lejos en España, ya en la época muda el rey se informaba (en una sala del palacio real) adecuadamente de las nuevas películas de "picardías", bonito nombre, muy galante, que por supuesto quiere decir algo más que pícaro y pillín... ¡¡¡Y se trataba del rey!!!
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ritmo

2008-10-27T20:08:00.000+01:00

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Cada película tiene una especie de ritmo que sólo el director puede darle. Tiene que ser como el capitán de un barco.
_Fritz Lang
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una película romántica (esbozo de una película, idea general)

2008-10-26T15:31:00.004+01:00

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_A lo largo de los años, muchos, he ido viendo y viendo, amando y amando cada vez más el cine como medio de poesía. Hace un año me entró una fiebre aún mayor, una pasión enorme, voraz, por el cine. Arrebatado totalmente y con una pasión inexplicable pensé que alguien podría arriesgarse a abrir un video club de versión original en esta ciudad, al igual que sucede en ciudades más grandes, abrirlo sin tantos títulos pero con ese espíritu. Como suele suceder, los sueños a menudo tropiezan con las zancadillas de la realidad y para emprender algo así hacía falta un local, bastante dinero, y no disponía de ninguna de las dos cosas, por lo que la idea se quedó en el nombre que tendría el video-club, Arrebato de cine original. Como la pasión por el cine, no obstante, seguía inundándome creé este rincón de cine, que tanto me ha dado en realidad.

_Ahora me ha asaltado una idea. Lo más probable es que se quede en una idea y no pueda llevarla a la práctica o sólo en muchos muchos años, pero ahí va. Se trata de crear una película romántica, probablemente se llamaría así.

_Una película romántica

(esbozo de una película, idea general, tratamiento, concepto, espíritu...)

_Una película protagonizada por una pareja en la vida real, actor y actriz o no, que recree cómo se conocieron, qué sintieron, y exprese de manera sencilla, incluso con un tono documental, sus pequeñas y grandes cosas a lo largo de una semana, incluyendo hacia la mitad del metraje una sola escena de intimidad sexual completa (filmada sin música, montaje, movimiento de cámara) como expresión física de su deseo, pasión y amor. Esta escena se rodaría con pudor, con respeto, con cierta distancia y sin énfasis ni mojigatería, con las condiciones de iluminación y ambientación, decorado natural, vestuario... que la pareja protagonista eligiera.

_Más que guión habría una comunión de ideas entre la pareja protagonista y el espíritu que intento transmitir, tendría que basarse en la colaboración y el acuerdo en vez de en la dirección de intérpretes, que no serían marionetas obligadas o dirigidas para actuar o fingir, para conducirse de tal o cual manera sino que en pantalla aparecería naturalmente la revelación de los sentimientos interiores de la pareja. Se favorecería no sólo la improvisación sino que se mostraran con la mayor naturalidad posible. Más que de interpretar se trataría de mostrar y revelar, en gran parte de la película no habría realmente interpretación a excepción de en las escenas en las que recrearían cómo se conocieron, aunque más que interpretar en realidad sería recordar y revivir cómo empezaron a florecer como personas en pareja, la manera en que fue floreciendo su amor.

_Se rodaría a partir de las experiencias verdaderas que la pareja quisiera compartir y mostrar, a través del diálogo o a través de la recreación. En realidad el guión correspondería a la pareja protagonista, y el concepto de dirección sería muy relativo en cierto modo.

_Sería muy bueno que la pareja fuera de mediana edad, que rondara los 40 quizá, una edad en la que se tiene en teoría tanta vida vivida como vida por vivir. También sería bueno que la pareja fuera de las que pasan normalmente desapercibidas, ni atractiva, ni decadente, ni llamativa en ningún sentido, una pareja como hay muchas. Que pudiera verse cómo el amor logra iluminar sus ojos y al estar cerca se vuelven catedrales iluminadas.

_La película intentaría ser una película completamente romántica en el sentido de mostrar la pasión, el deseo, la ternura, las complicaciones, los malentendidos, los problemas y también la expresión sexual sin velos ni zooms, naturalmente. El espíritu sería el de revelar lo que tantas parejas afortunadas viven, y no dejar la expresión sexual en el fundido en negro ni hacer del sexo un tema único como en el cine sexual, que es un cine digno pero gira alrededor de un tema único. La película intentaría mostrar con naturalidad tanto el encantamiento como las peleas, los distanciamientos y también la expresión sexual porque todas esas cosas son naturales y les suceden más o menos a todas las parejas. Cada pareja tendría su propia historia, claro, y en cada pareja hay matices y circunstancias distintas, por lo que sería una película sobre una pareja concreta, con la esperanza de reflejar lo que muchas parejas viven.

_Aunque la película en realidad intentaría alcanzar mucho no pretendería ser la película romántica definitiva o algo así, sino más bien una de tantas posibles películas románticas. Sería muy importante que la pareja, sin ser llamativa, tuviera verdadera personalidad propia, que de ninguna manera pareciera tópica o estereotipada. Hay personas que aparentemente son como todo el mundo y al conocerlas te das cuenta de que simplemente se camuflan en la multitud pero en realidad tienen una gran personalidad, ideas propias, pero carecen de la necesidad de llamar la atención o incluso son bastante tímidos. Bastantes intérpretes y artistas en general, paradójicamente, son tímidos y se entregan al público...

_Se rodaría con un equipo pequeño, cámara, trípode, y quizá en digital de la mejor calidad posible, por economía y por interferir físicamente lo menos posible en el fluir de la relación. Se filmaría con serenidad sobre todo, especialmente en las escenas compartidas por la pareja protagonista, que siempre saldrían en el encuadre cuando estuvieran cerca. Se filmaría con cierta viveza un poco inquieta cada vez que la pareja se aleja y cada cual camina por su lado, sería un éxito que se notara que al alejarse, sin llegar a la zozobra, cada cual vive pero no puede vivir con la serenidad y alegría que surge cuando están cerca, que lo mejor de ambos crece y se revela cuando se acercan, cuando en realidad se difuminan los límites entre el tú y el yo, y tanto él como ella, son completamente él y completamente ella. Se crea una nueva aleación que trasciende en realidad los cuerpos y que quizá sólo puede expresarse del todo en la relación sexual, camino hacia el origen y camino hacia la trascendencia, revelación y entrega, poesía del cuerpo tanto como del alma. La película entera sería completamente romántica y completamente sexual en el sentido de que no hay romanticismo carente de sexualidad, pero se trataría de una película romántica porque se centraría en una pareja que afianza sus lazos, que crece a través de la entrega, de la pasión, de la ternura...

_La sexualidad más efímera me parece muy respetable, al igual que la sexualidad y las parejas homosexuales, esta película no abordaría estas otras realidades del amor y de la sexualidad, pero quizá pudiera seguirse el mismo planteamiento en esos casos, encontrar a una pareja protagonista homosexual que decidiera qué mostrar de su propia vida y qué recrear, y sencillamente estar ahí con la cámara intentando mostrar con naturalidad, sin molestar ni censurar, dejando fluir la vida. Aunque esas ya serían otras películas románticas...

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una película romántica y no sólo romántica

2008-10-26T15:30:00.001+01:00

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otra idea para una película romántica... (sigue a "una película romántica" en esta misma categoría)
_Una posibilidad ya muy ambiciosa quizá, sería una película en la que con el tratamiento aplicado en una película romántica se abordará en igualdad de condiciones una relación lésbica, una gay y otra heterosexual de manera que más allá de las evidentes diferencias de cada relación viéramos que la esencia de las relaciones son las mismas sólo que las personas heterosexuales encaminan las relaciones hacia su sexo complementario mientras que en las relaciones homosexuales la relación complementaria se busca entre personas del propio sexo.
_Esta película sería muy ambiciosa y sería imprescindible que haya un vínculo amistoso entre las tres parejas, lo que es difícil de encontrar. Quizá la estructura de historias cruzadas sería la ideal en vez de realizar una película de tres episodios, con lo que se perdería quizá la esencia de la igualdad que las une incluso en su diferencia. El amor no distingue inclinaciones sexuales, llegar a mostrar eso con naturalidad sería muy necesario, podría favorecer la comprensión entre quienes, educados en un pensamiento más procreador que amoroso, olvidan que la raíz común a todas las relaciones duraderas no es el deseo sexual o el deseo de procrear sino sobre todo la incansable fuerza amorosa que anhela encontrar a su alma complementaria. Comprender que es tan digna la búsqueda homosexual como la heterosexual, incluso que quienes se sienten mejor teniendo pocas relaciones o teniendo relaciones sucesivas, quienes no quieren emprender relaciones duraderas son personas dignas mientras sean sinceras en sus relaciones. Pero este tipo de relaciones, incluirlas en una película con tres parejas, con sus problemas, alegrías, circunstancias... quizá ya fuera convertir la película en un film-ensayo, en un tratado, en un largometraje muy largo, porque sería malo intentar que tantos sentimientos y personas encajaran en muy poco tiempo, cuanto más se quisiera incluír más extensión debería tener el film, y cuanto más largo es un film más fácil es que pierda el pulso narrativo, la fluidez, la viveza... Además pienso que como mucho, y me parece mucho mucho, la película debería durar unos 120 minutos, aunque si durara 100 o 90 quizá mejor.
_El concepto me parece entre necesario, interesante, ambicioso y puede que pretencioso. No es que me parezca una idea que sea nada del otro mundo, lo que me parece sorprendente es no haber visto una película así, aunque no tanto teniendo en cuenta que poca gente estaría dispuesta a trabajar en una película de esa manera, poca gente invertiría su dinero, y las escenas sexuales serían cortadas o la película prohibida en más de medio mundo. Pero sería preferible casi que la película fuera prohibida a que fuera exhibida censurada.
_A menudo he observado películas en las que se muestra sin recato alguno la belleza femenina, el cuerpo desnudo de las actrices, y sin embargo no se muestra la belleza masculina, el cuerpo desnudo de los actores, cosa que es mala señal. Además me parece que el desnudo debe justificarlo la historia, que todo debe justificarlo la historia, el espíritu de la historia. Hay muchas películas que muestran desnudos que no por agradables y más que sensuales en el fondo son gratuitos, como si de alguna manera al mostrar desnudos se manifestara rebeldía, vitalidad o algo por el estilo, cosa que no tiene porqué ser así. Si una película quiere ser vitalista, revelar (con "v") la vida, no debe recrearse en desnudos de pose, con excusas argumentales de lo más risibles, o por otra parte recurrir a las sábanas pegadas con celo sobre el pecho. Si una película quiere ser vitalista y natural respecto al sexo debe mostrarlo tal cual, y si no quiere dar ese paso y llegar hasta el final, ¿para qué empieza a desnudar a los intérpretes y luego lo diluye todo en un fundido en negro?. Creo que eso es quedarse a mitad, que lo que sucede más o menos nos lo podemos imaginar pero los matices con los que se desarrolla la relación sexual revelan bastante sobre la propia relación y la personalidad de cada cual.
_Quizá el cine que se mete en el dormitorio pero no se queda en él es un poco superficial, en realidad quizá tiene más sentido aquel cine que cuando llega al dormitorio se encuentra con la puerta cerrada. En ambos casos hay una puerta cerrada, pero si la puerta se ha quedado abierta y la cámara ha entrado es menos comprensible que de repente se recurra al fundido en negro (¡¡¡quizá es que se ha fundido la antorcha de la cámara!!!) mientras que si la cámara se queda en la puerta se comprende que ese espacio es íntimo y la transición es más creíble y lógica. De todas maneras hay cosas que quedan a medio decir, que el espectador puede imaginar, pero en el fondo entrar y luego salir es como poco romper un torrente que fluye. Interrumpir la acción en mitad de la acción, eso es el fundido en negro en las secuencias de emergencia sexual.
_Si la acción sexual en vez de interrumpirse sencillamente se omite por completo el cine deja por completo a la imaginación del espectador lo que pueda haber sucedido, en cierto modo como sucede entre viñeta y viñeta en un cómic. Cuando se interrumpe la acción sin más, sin embargo, cabe preguntarse porqué se empieza a rodar una acción que se va a interrumpir, si no es un poco fácil y efectista manipular al espectador y los intérpretes de esa manera. El espectador, una vez que empieza a verse fuego en la escena empieza a desear que el fuego haga arder la ropa y la escena sea larga, muy larga, sin embargo la escena tiene trampa, se trata de fuegos artificiales, en vez de munición real se utilizan balas de fogueo, lo que está bien para las películas de guerra, pero que el sexo se sugiera pero no se muestre, eso más que un avance de la moral imperante revela que el sexo sigue relegándose al fundido en negro de la imaginación o al normalmente monotemático cine sexual.
_Quizá las miradas obscenas son las que sólo buscan la fácil excitación sexual pero no muestran la relación sexual, son como esa gente que se complace en crear fuegos que no piensa apagar, mientras que una de las películas más castas de la historia (así la defendió Lacan) sea "El imperio de los sentidos". El cine puede tomar tres caminos respecto al sexo: no sugerirlo visualmente de ninguna manera dejándolo todo en la imaginación del espectador; empezar a mostrar visualmente una parte de su comienzo y después cortar, dejándolo a mitad; y por último puede llegar a mostrar la sexualidad completamente, y hacerlo sin énfasis ni velos, sin tener que recurrir a las convenciones del cine sexual, que enfatiza lo que ya sabemos, ni quedarse tras la puerta o las cortinas, espejos y demás maneras de afrontar indirectamente el sexo.
_Quizá el sexo merece ser mostrado simplemente como lo sientan la pareja protagonista, pero de cuerpo entero, sin montajes, trucos, zooms, con serenidad y un encuadre estático, pues realmente el cine además de mostrar el movimiento (que lo mostraría en una escena sexual rodada con cierta distancia) tiene la capacidad de captar el sonido, además de sensual tan parte de la realidad como la imagen, incluso más en cierto sentido porque cada voz humana es el aliento que expresa el alma de una persona.
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El cine, instrumento de poesía; por Luis Buñuel

2008-10-26T00:09:00.001+02:00

Incluyo un escrito interesante y célebre del maestro Buñuel, quizá la mirada del siglo Xx, siglo que no mereció las mayúsculas. Dejo enlace con el artículo en internet, que se reproduce impreso en La poesía del cine, de la revista Litoral (nº 235).

http://www.revistasculturales.com/articulos/41/litoral/24/1/el-cine-instrumento-de-poesia.html
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El cine, instrumento de poesía, por Luis Buñuel
El grupo de jóvenes que forman la Dirección de Difusión Cultural se acercó a mí para pedirme una conferencia. Aunque agradecí debidamente la distinción de que me hacían objeto, mi respuesta fue negativa: aparte de que no poseo ninguna de las cualidades que requiere un conferenciante, siento un pudor especial de hablar en público. Fatalmente, el que diserta atrae la atención colectiva de sus oyentes, sintiéndose blanco de sus miradas. En mi caso, no puedo evitar una cierta confusión ante el temor de que puedan creerme un poco, digamos, exhibicionista. Aunque esta idea mía sobre el conferenciante pueda ser exagerada o falsa, el hecho de sentirla como verdadera me obligó a suplicar que mi periodo de exhibición fuera lo más corto posible, y propuse la constitución de una mesa redonda, en la que unos cuantos amigos, pertenecientes a distintas actividades artísticas e intelectuales, pudiéramos discutir en familia alguno de los problemas que atañen al llamado séptimo arte: así, se acordó que el tema fuera el de «el cine como expresión artística», o más concretamente, como instrumento de poesía, con todo lo que esta palabra pueda contener de sentido libertador, de subversión de la realidad, de umbral al mundo maravilloso del subconsciente, de inconformidad con la estrecha sociedad que nos rodea.
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Ha dicho Octavio Paz: «Basta que un hombre encadenado cierre sus ojos para que pueda hacer estallar el mundo», y yo, parafraseando, agrego: bastaría que el párpado blanco de la pantalla pudiera reflejar la luz que le es propia para que hiciera saltar el universo. Mas por el momento podemos dormir tranquilos, pues la luz cinematográfica está convenientemente dosificada y encadenada. En ninguna de las artes tradicionales existe una desproporción tan grande entre posibilidad y realización como en el cine. Por actuar de una manera directa sobre el espectador, presentándole seres y cosas concretas; por aislarlo, gracias al silencio, a la oscuridad, de lo que pudiéramos llamar su hábitat psíquico, el cine es capaz de arrebatarlo como ninguna otra expresión humana. Pero como ninguna otra es capaz de embrutecerlo. Por desgracia, la gran mayoría de los cines actuales parece no tener más misión que ésa: las pantallas hacen gala del vacío moral e intelectual en que prospera el cine, que se limita a imitar la novela o el teatro, con la diferencia de que sus medios son menos ricos para expresar psicologías; repiten hasta el infinito las mismas historias que se cansó de contar el siglo diecinueve y que aún se siguen repitiendo en la novela contemporánea.
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Una persona medianamente culta arrojaría con desdén el libro que contuviese alguno de los argumentos que nos relatan las más grandes películas. Sin embargo, sentada cómodamente en la sala a obscuras, deslumbrada por la luz y el movimiento que ejercen un poder casi hipnótico sobre ella, atraída por el interés del rostro humano y los cambios fulgurantes del lugar, esa misma persona casi culta, acepta plácidamente los tópicos más desprestigiados.
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El espectador de cine, en virtud de esa clase o de esa especie de inhibición hipnagógica pierde un porcentaje elevado de sus facultades intelectivas. Pondré un ejemplo concreto: la película titulada Detective Story o Antesala del infierno. La estructuración de su argumento es perfecta, el director magnífico, los actores extraordinarios, la realización genial, etc., etc. Pues bien, todo ese talento, todo ese savoir faire, toda la complicación que supone la máquina del film, fue puesta al servicio de una historia estúpida, notable por su bajeza moral. Me viene a la mente aquella máquina extraordinaria del Opus 11, aparato gigantesco, fabricado con el mejor acero, de mil engranajes complicados, tubos, manómetros, cuadrantes, exacto como un reloj, imponente como un trasatlántico, que serviría únicamente para timbrar la correspondencia.
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El misterio, elemento esencial de toda obra de arte, falta por lo general en las películas. Ya tienen buen cuidado autores, directores y productores de no turbar nuestra tranquilidad abriendo la ventana maravillosa de la pantalla al mundo liberador de la poesía. Prefieren reflejar en aquélla los temas que pudieran ser continuación de nuestra vida ordinaria, repetir mil veces el mismo drama, hacernos olvidar las penosas horas del trabajo cotidiano. Y todo eso, como es natural, bien sancionado por la moral consuetudinaria, por la censura gubernamental e internacional, por la religión, presidido por el buen gusto y aderezado con humor blanco y otros prosaicos imperativos de la realidad.
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Si deseamos ver buen cine raramente lo encontraremos en las grandes producciones, o en aquellas otras que vienen sancionadas por la crítica y el consenso de los públicos. La historia particular, el drama privado de un individuo, creo que no puede interesar a nadie digno de vivir en su época; si el espectador se hace partícipe de las alegrías, tristezas o angustias de algún personaje de la pantalla, deberá ser porque ve reflejadas en aquél las alegrías, tristezas o angustias de toda la sociedad, y por tanto las suyas propias. La falta de trabajo, la inseguridad de la vida, el temor a la guerra, la injusticia social, etc., son cosas que, por afectar a todos los hombres de hoy, afectan también al espectador; pero que el señor X no sea feliz en su hogar y se busque una amiga para distraerse, a la que finalmente abandonará para reunirse con su abnegada esposa, es algo moral y edificante, sin duda, pero nos deja completamente indiferentes.
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A veces la esencia cinematográfica brota insólitamente de un film anodino, de una comedia bufa o de un burdo folletín. Man Ray ha dicho en una frase llena de significación: «los peores films que haya podido ver, aquellos que me hacen dormir profundamente, contienen siempre cinco minutos maravillosos, y los mejores, los más celebrados, cuentan solamente con cinco minutos que valgan la pena». O sea que tanto los buenos como los malos films, y por encima y a pesar de las intenciones de sus realizadores, la poesía cinematográfica propugna por salir a la superficie y manifestarse.
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El cine es un arma maravillosa y peligrosa, si la maneja un espíritu libre. Es el mejor instrumento para expresar el mundo de los sueños, de las emociones, del instinto. El mecanismo productor de imágenes cinematográficas, por su manera de funcionar, es, entre todos los medios de expresión humana, el que más se parece al de la mente del hombre, o mejor aún, el que mejor imita el funcionamiento de la mente en estado de sueño. El film es como una simulación involuntario del sueño. Bernard Brunius nos hace observar que la noche paulatina que invade la sala equivale al cerrar los ojos: entonces comienza en la pantalla, y en el hombre, la incursión por la noche de la inconsciencia; las imágenes, como en el sueño, aparecen y desaparecen a través de disolvencias y obscurecimientos; el tiempo y el espacio se hacen flexibles, se encogen y alargan a voluntad; el orden cronológico y los valores relativos de duración no responden ya a la realidad; la acción de un círculo es transcurrir en unos minutos o en varios siglos; los movimientos aceleran los retardos.
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El cine parece haberse inventado para expresar la vida subconsciente, que tan profundamente penetra, por sus raíces, la poesía; sin embargo casi nunca se le emplea para esos fines. Entre las tendencias modernas del cine, la más conocida es la llamada neorrealista. Sus films presentan ante los ojos del espectador trozos de la vida real, con personajes tomados de la calle e incluso con edificios e interiores auténticos. Salvo excepciones, y cito muy especialmente Ladrón de bicicletas, no ha hecho nada el neorrealismo para que resalte en sus films lo que es propio del cine, quiero decir, el misterio y lo fantástico. ¿De qué nos sirve todo ese ropaje de vista si las situaciones, los móviles que animan a los personajes, sus reacciones, los argumentos mismos están calcados de la literatura más sentimental y conformista? La única aportación interesante que nos ha traído, no el neorrealismo, sino Zavattini personalmente, es la elevación al rango de categoría dramática del acto anodino. En Humberto D., una de las películas más interesantes que ha producido el neorrealismo, una criada de servicio, durante todo un rollo, o sea durante diez minutos, realiza actos que hasta hace poco hubieran podido parecer indignos de la pantalla. Vemos entrar a la sirvienta a la cocina, encender su fogón, poner una olla a calentar, echar repetidas veces un jarro de agua a una línea de hormigas que avanza en formación india hacia las viandas, dar el termómetro a un viejo que se siente febril, etc., etc. A pesar de lo trivial de estas situaciones, esas maniobras se siguen con interés y hasta con suspenso.
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El neorrealismo ha introducido en la expresión cinematográfica algunos elementos que enriquecen su lenguaje, pero nada más. La realidad neorrealista es incompleta, oficial; sobre todo, razonable; pero la poesía, el misterio, lo que completa y amplía la realidad tangente, falta en absoluto en sus producciones. Confunde la fantasía irónica con lo fantástico y el humor negro.
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«Lo más admirable de lo fantástico», ha dicho Andre Bretón, «es que lo fantástico no existe, todo es real.» Hablando con el propio Zavattini hace algún tiempo, expresaba mi inconformidad con el neorrealismo: estábamos comiendo juntos, y el primer ejemplo que se me ocurrió fue el vaso de vino en el que me hallaba bebiendo. Para un neorrealista, le dije, un vaso es un vaso y nada más que eso: veremos cómo lo sacan del armario, lo llenan de bebida, lo llevan a lavar a la cocina en donde lo rompe la criada, la cual podrá ser despedida de la casa o no, etc. Pero ese mismo vaso contemplado por distintos hombres puede ser mil cosas distintas, porque cada uno de ellos carga de afectividad lo que contempla, y ninguno lo ve tal como es, sino como sus deseos y su estado de ánimo quieren verlo. Yo propugno por un cine que me haga ver esa clase de vasos, porque ese cine me dará una visión integral de la realidad, acrecentará mi conocimiento de las cosas y de los seres y me abrirá el mundo maravilloso de lo desconocido, de lo que no puedo leer en la prensa diaria ni encontrar en la calle.
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No crean por cuanto llevo dicho, que sólo propugno por un cine dedicado exclusivamente a la expresión de lo fantástico y del misterio, por un cine escapista, que desdeñoso de nuestra realidad cotidiana pretendiera sumergirnos en el mundo inconsciente del sueño. Aunque muy brevemente, he indicado hace poco la importancia capital que le doy al film que trata sobre los problemas fundamentales del hombre actual, no considerado aisladamente, como caso particular, sino en sus relaciones con los demás hombres. Hago mías las palabras de Engels que define así la función de un novelista (léase para el caso, la de un creador cinematográfico): «el novelista habrá cumplido honradamente cuando, a través de una pintura fiel de las relaciones sociales auténticas, destruya las funciones convencionales, sobre la naturaleza de dichas relaciones, quebrante el optimismo del mundo burgués y obligue a dudar al lector de la perennidad del orden existente, incluso aunque no nos señale directamente una conclusión, incluso aunque no tome partido sensiblemente».

una buena película

2008-10-26T00:01:00.000+02:00

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Un buen vino es como una buena película: dura un instante y te deja en la boca un sabor a gloria; es nuevo a cada sorbo y, como ocurre con las películas nace y renace en cada saboreador.
_Federico Fellini

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¿hemos visto alguna película romántica de verdad? el sexo en el cine

2008-10-25T14:05:00.003+02:00

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La edad no protege del amor. Pero el amor protege de la edad.
_Jeanne Moreau

_El cine, maravilloso medio de la Poesía de la Vida, lleva desde sus inicios tropezando con prohibiciones y tijeras de las censuras sobre todo cuando se aborda la sexualidad humana. El primer beso filmado ya provocó iras ridículas y escandalosas en 1896, pero aún hoy es patético que haya antes un escándalo cuando se manifiesta una proximidad carnal, o una manifestación sexual que ante la vergonzosa realidad del mundo, poblada de injusticias, desigualdades económicas y sociales cada día más aberrantes, en fin, la cada vez más acusada deshumanización del mundo, por no hablar de los atentados medioambientales que son el pan embarrado de cada día. A la hora de la comida, sin ir más lejos, podemos dejarnos los ojos y el alma viendo una colección de matanzas, muertes, accidentes, agresiones y demás realidades violentas, tristes y deprimentes, cuando no degradantes, del mundo, pero bastaría con que se colara una imagen sexual para que hubiera un escándalo. Curioso, muy curioso que haya un rasero para lo violento, lo que tenga que ver con la muerte y el dolor, y otro rasero para lo amable, sensual, tierno, romántico y sexual, pues lo violento se mira sin las gafas puestas y lo sexual se mira con microscopio electrónico.
_El cine, como manifestación popular y cultural, por ejemplo, normalmente destina las manifestaciones sexuales al cine de género sexual, lo que se suele llamar pornografía, mientras que en el cine convencional al llegar el glorioso momento en que la ropa cae al suelo se pasa al fundido en negro, como si el sexo hubiera que mantenerlo escondido, como lo que todo el mundo desea pero no se habla, como lo que todo el mundo hace pero no cuenta...
_Las iras de minorías que de sexo en teoría deben saber muy poco al haberse encadenado al celibato, sin embargo son siempre encendidas ante las manifestaciones sexuales, pero debe ser que no han recordado que deben al sexo su propio nacimiento, aunque el sexo además de una puerta a la procreación ("Las alegrías fecundan", dijo Blake) es también una puerta a la trascendencia, a lo sagrado, a lo divino, que es glorioso y placentero. Y digo esto desde la parte más espiritual de mi alma, con todo el respeto posible.
_El sexo sin embargo queda en el cine sugerido o relegado casi siempre al guetto porno, por cierto de una prolífica producción que desde luego es muy significativa, y esto me parece que revela que el cine aún está tratando mayoritariamente el sexo como algo aparte de la vida o conflictivo, o como si fuera malo o algo así. Mientras en una película corriente el sexo no quede integrado naturalmente en el argumento, el cine no está retratando fielmente la vida. Las películas pornográficas, a pesar de su tono documental en realidad ¿no suelen ser las más imaginativas y menos verosímiles de todas?
_El sexo en el cine tiene que ser una extensión de la vitalidad humana, es triste que el sexo se vea relegado a un género tan denostado (pero con algunos films de interés) como el porno. La cuestión es que una película basada únicamente en el sexo puede ser interesante pero siempre será limitada dado que las motivaciones humanas son bastantes más. Yo con lo que sueño de alguna manera es con una película que aborde el sexo no como reclamo mercantilista (el sexo vende mucho y es lo que más fácilmente vende) sino de manera natural como la lógica continuación de una pasión romántica.
_En realidad pienso si hemos visto alguna vez una verdadera película romántica. Dos personas se besan, se acarician, quizá se ve alguna parte medio desnuda, y cuando esa pasión va a desbordarse, cuando van a deshacerse de toda la ropa, de las represiones sociales, cuando al fin van a aflorar toda la vitalidad y a florecer por completo... el timorato fundido en negro. Como si el sexo hubiera que esconderlo detrás de unas cortinas. No creo que una película romántica de verdad deba usar las enfatizaciones del porno, insertos, zooms, o montajes y músicas añadidas, pero creo que una verdadera película romántica llegaría a mostrar la intimidad sexual entre los enamorados, esa ternura, la complicidad, el cariño, los mimos, las caricias y los éxtasis, y sólo cuando se apagaran las luces, serenamente llegaría el fundido en negro. Y toda esa intimidad tan reveladora y romántica se mostraría en tiempo real, sin trucos de montaje, sin más música que los susurros, ronroneos y demás melodías de la entrega sexual (además mucho más estimulantes y reales), y con un movimiento nulo de cámara y objetivo, en un sereno plano fijo como quien observa sentado en una montaña la belleza del anochecer.
_Sencillamente no he visto una película así, y de alguna manera lo más parecido que vi fue una película de género sexual en la que se había hecho un esfuerzo notable por destacar la sensualidad, cierta profundidad psicológica y los sentimientos en las relaciones que se establecían, que como es natural conducían al sexo explícito pero la película desprendía un halo romántico perdurable. Por desgracia no recuerdo el título, pero aún sueño con encontrarla otra vez, y con ver una película romántica de verdad, pues de consistir el amor y el romanticismo en fundidos en negro, el romanticismo y el amor habrían muerto.
_Cineastas, sean valientes y tomen el camino natural, aunque el camino natural sea el más boicoteado de todos. Hagan películas en las que el sexo se muestre naturalmente, no solamente películas románticas almibaradas en las que el sexo siempre es sugerido o imaginado (y en la cama los amantes se tapan ridículamente) o solamente películas en las que el único sentido de la trama es la satisfacción sexual, cosa que está muy bien pero no lo es todo en la vida.
_Cineastas, la humanidad se lo agradecerá, porque seguimos dejando lo sexual en un rincón, relegado o proscrito, y de una vez por todas el sexo tiene que integrarse completamente en la vida humana, como una de sus manifestaciones más necesarias e importantes, pero no la única como enfatiza el cine sexual, y esta integración natural del cine en la vida yo siento que el cine aún no la ha emprendido, o no lo suficiente.
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ojo en el corazón de un poeta

2008-10-25T00:05:00.000+02:00

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Es imposible hacer una buena película sin una cámara que sea como un ojo en el corazón de un poeta.

_Orson Welles

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integración y expresión del sexo en el cine

2008-10-24T10:48:00.000+02:00

_Se van dando pasos en la dirección adecuada en la expresión humana a través de la sexualidad en el cine. Pero por lo general el sexo se queda en el cine de género sexual (género legítimo, con sus convenciones y límites, pero digno si se hace bien) en vez de integrarse naturalmente y sin remilgos en las historias que aborda el cine.
_A ver, yo no hago apología de que el cine se pueble de sexo porque sí ya que para la lujuria ya está el cine sexual, del que no soy experto pero como inmensas mayorías sí espectador. Lo que yo defiendo es que al fin en una película profunda en el tratamiento psicológico de las relaciones humanas, sobre todo amorosas, por ejemplo una buena película romántica, no se escamotee siempre la expresión sexual, la intimidad sexual, la parte sexual de la relación.
_Creo que el cine sería más amoroso y humano si mostrara una vez durante la película esa intimidad sexual. Claro que eso exige de intérpretes dispuestos y de una dirección que no caiga en el subrayado, el énfasis, sino que contemple con serenidad, o con el mismo tono que el resto del film, el desarrollo sexual. Pero seguro que habrían parejas o intérpretes que lo harían sin recato alguno y con alegría.
_El cine va dando pasos en esta necesaria integración del sexo como una realidad humana y se pueden atisbar relaciones sexuales con disminuidos ("Nacido el 4 de julio"), entre personas mayores ("Lejos de ella"), además de entre parejas homosexuales ("Shortbus", que ya es más explícita, muy franca, incluso maravillosamente franca), de manera que estas expresiones sexuales humanas, totalmente legítimas, van dando visibilidad y facilitan la comprensión y aceptación por parte de quienes quizá no veían claro que bajo los ropajes de la diversidad sexual latan básicamente los mismo afectos, deseos, temores, alegrías, el placer, la ternura... e incluso el anhelo de una vida en común que también puede incluir el deseo de formar una familia.
_Pero el cine aún no ha integrado del todo el sexo en la narrativa convencional, sigue eludiendo o cortando, quedándose a medio camino, pero ese paso acabará dándolo como es natural. Eso si no lo ha dado ya y yo desconozco en qué película.
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directores para la historia: JESÚS FRANCO

2008-10-24T00:02:00.003+02:00

_Jesús Franco, nacido en 1936, es el director español más prolífico de la historia del cine español, y todavía sigue en activo. Internacionalmente conocido también como Jess Franco y decenas de pseudónimos más, la cinemateca francesa le dedicó recientemente una selecta retrospectiva con unos 70 films de entre sus más de 200 títulos de, todo hay que decirlo, muy desigual inventiva, interés y calidad.

_Dada la condición underground, marginal, de casi toda su filmografía no es fácil poder ver sus obras más reconocidas, rodadas en medio mundo, con montajes dispares según los países de estreno, censuras, insertos rodados y añadidos por distribuidores..., pero este director de culto espera morir con la cámara al hombro, rodando. El cine como modo y medio de vida.

_En su época dorada, entre los 60 y primeros 70, Jesús Franco rodó obras tan sugerentes y personales como "Gritos en la noche" (1961); "Miss Muerte" (1965), quizá su obra maestra; la fascinante "Necronomicón" (1967), alabada incluso por el gran Fritz Lang; "El castillo de Fu-Manchú" (1968); "Eugenie", "Venus in furs" y "El conde Drácula" (todas rodadas en 1969); "Las vampiras" (1970), también conocida como "Vampyros lesbos", con una inolvidable Soledad Miranda; "Diario íntimo de una ninfómana" (1972); "Cartas de amor de una monja portuguesa" (1976), una de las preferidas por el propio autor...

_Su cine, en sus mejores obras revela una admiración por el genial Orson Welles (con quien llegó a trabajar en "Campanadas a medianoche", y del que elaboró un montaje muy discutible sobre lo que Welles rodó en torno al Quijote), un peculiar sentido del humor, particulares concepciones visuales muy deudoras del cómic, una fascinante y moderna mezcla de fantasía, erotismo y terror, además de estimulantes canciones y bandas sonoras con gran predilección por el jazz. Tampoco hay que olvidar una perversa atracción y admiración por la obra del Marqués de Sade.

_Desde su prematura y muy honda decadencia, que quizá no conoce parangón en la historia del cine, la cantidad no ha ido pareja con la calidad, aunque por fortuna siempre nos quedará la sugestiva atmósfera irreal de un film tan fascinante como "Necronomicón", o el refinado erotismo de "Las vampiras", uno de cuyos temas, compuesto por el propio Franco, fue utilizado en "Jackie Brown" por esa rata de video-club llamada Tarantino, uno de tantos confesos admiradores de Jess Franco.
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.:. algunos enlaces
http://www.imdb.com/name/nm0001238/
http://www.cinematheque.fr/fr/nosactivites/projections/cycles-cinema/cycle/C174-jess-franco.htm?page=1&sceances_en_cours=&tri_alpha=asc&tri_chrono=
http://admablogg.blogspot.com/2007/08/entrevista-con-jess-franco.html
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.:. alguna bibliografía
-Jess Franco. El sexo del horror, Carlos Aguilar (Ed. Glittering Images -Italia, 1999)
Estudio de la obra de Jesús Franco por uno de los críticos de cine españoles más reputados a nivel internacional.
-Memorias del tio Jess, Jesús Franco (Ed. Aguilar, 2004) La autobiografía de Jesús Franco.
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cine que aviva algo más que los ojos...

2008-10-24T00:01:00.022+02:00

_cine que aviva algo más que los ojos...
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-No podrán censurar la chispa de mis ojos.
Charles Laughton
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-Puedo morir en paz. He conocido el gran amor.
en "Mikael", de Carl Dreyer
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-Gracias, he disfrutado de cada centímetro.
Mae West
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uno
Cine que aviva algo más que los ojos, es una rápida cronología de algo que ha existido en el cine desde su origen, pues ya en el mudo existían filmaciones, que en ocasiones llegaban a proyectarse en palacios y casas reales, de naturaleza erótica, desnudos de artistas de variedades... y cosas por el estilo... son conocidas las coartadas históricas de películas de la época muda en la que aparecían desnudos, y hasta que la censura se puso firme no eran tan extrañas estas cosas... después no se podía enseñar nada... en realidad la primera vez que dos actores se besaron allá por 1896 ya supuso un escándalo, les parecía indecente... también fueron indecentes imágenes de pechos, piernas... en fin, una historia que va más allá de lo cinematográfico pero que aquí sólo se toca de refilón... en los años 60 las películas de Russ Meyer abrieron brecha, y luego en los 70 con la relajación de la censura empezaron a proliferar producciones comerciales con alto contenido erótico como "El último tango en París" y clásicos que aunque han quedado en hitos del cine porno merecen un trato menos peyorativo, por lo que aprovecho para reivindicar el buen humor de "Garganta profunda" y la coreografía de "Tras la puerta verde", trilogía de oro del cine porno que se completa con la dramática "El diablo en la señorita Jones", que empieza con un suicidio... en estos primeros 70 los directores del género eran osados y los guiones importaban... aunque en el reciente cine porno existe una vertiente historicista y una algo más sentimental, estos casos no parecen ser sino excepciones y por lo que parece no se ha vuelto a llegar a los niveles creativos de estas tres películas... respecto al cine convencional, los ejemplos de escenas sexuales son cada vez más fáciles de encontrar, pero de vez en cuando, es curioso, aún hay alguna película que escandaliza por no acabar con un fundido en negro una escena en la que van a haber algo más que caricias y besos...
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y dos
_Las clasificaciones por géneros pueden ser complicadas, a menudo reduccionistas... cómo señalar qué películas son más eróticas, más sexuales, más pornográficas... "El imperio de los sentidos" para Lacan era la película más pudorosa que podía imaginarse aunque mostraba con total franqueza escenas muy sexuales. Existen películas en las que aunque no se vean escenas sexuales en ellas late un erotismo enorme (pienso en Antonioni, y sobre todo en esa mano que está alrededor de Inés Sastre en "Más allá de las nubes"), otras en las que aunque no se muestren los insertos y el detalle del cine porno, resultan muy sexuales (pienso en el volcán de Jessica Lange en "El cartero siempre llama dos veces") y también hay películas que ni con zoom y primeros planos llegan a ser tan ardientes como algunas miradas, algunas partes vistas o entrevistas (pienso en el famoso visto y no visto de "Instinto básico") o a veces andares, diálogos (Lauren Bacall o Mae West)

_¿Qué películas incluir? además muchas son difíciles de conseguir para mí, y además hay algunas que además estimulan la risa, o la imaginación, o cuentan una historia alegre y divertida, o dramática y triste, en las que el sexo forma parte del desarrollo de la historia ("El imperio de los sentidos") como ocurre en la vida, y otras que no vería casi nadie de no ser por escenas subidas de tono que no aportan nada más que público. Quizá el cine pornográfico de verdad sea ése, el que utiliza el sexo para vender algo que no tiene valor ni relación con el sexo sino con el dinero. El sexo y la violencia son recursos muy fáciles que resultan comercialmente muy rentables. En el propio género pornográfico también es verdad que la mayoría de las veces los argumentos, y a menudo la música, no aportan nada, es más estorban (resulta casi siempre más natural y erótico un susurro, un sonido, un ronroneo, un gemido...) muchas veces o resultan ridículos.

_Hay directores del cine sexual que han marcado época y han dejado obras maestras y clásicos admirables, en especial Gerard Damiano. Aunque mi conocimiento del género es pequeño y he olvidado títulos y autores (aunque no escenas, la verdad) entre lo que he visto, vi, algunas cosas me parecieron destacables, como una historia muy sentimental con personajes bastante bien definidos, y películas convencionales pero muy intensas, más de los 80 y primeros 90. Hay quien dice que en el porno actual no hay sexo sino gimnasia. En los 70 sobre todo se nota, entre lo que yo he visto, una calidez, imaginación y un buen rollo que después rara vez he visto. En los 90 "Latex" ya representa una inversión de un millón de dólares (no se mueven céntimos en el mundillo) y una reunión de efectos especiales, estética ultracuidada, aunque fría, por poner un ejemplo.

_Vaya, no sé qué títulos incluir en realidad, la forma de delimitar o informar de qué película es "convencional", cuál erótica, cuál porno... a veces las barreras se diluyen, como por ejemplo en "Los idiotas", que dentro de lo que cabe es una película ni erótica ni porno pero que escandalizó mucho entre otras cosas por sus escenas casi pornográficas. En fin, existen libros especializados, y hay más facilidades para conseguir leer y ver sobre el género gracias al dvd y a internet. Hace años busqué, incluso en tiendas especializadas, "Garganta profunda" y no lo encontré. Con el tiempo la pude comprar en un kiosco, y hoy en día es relativamente fácil conseguir verla. El mundo se ha abierto muchísimo y hoy en día es posible ver más y mejor que antes. Y esto vale tanto para este tipo de cine como para el cine en general y por extensión para cualquier arte o manifestación humana.

_Y por simple desconocimiento aquí no se hacen mención de títulos específicamente lésbicos o gays (ver http://anodis.com/nota/5388.asp?pag=1 ), al menos cuando entran en el terreno explicito, pero sí algún título que he podido ver digamos que de cine convencional, como "Mujeres de uniforme" o "Mikael", ambas magníficas películas con trasfondo lésbico y gay. Tampoco de prácticas sexuales muy específicas, que tienen sus subgéneros correspondientes, ¡que son sólo unos apuntes!.

_Por último, aunque no por esto menos significativo, apuntar que existen directoras de cine sexual, como Anna Riva y Gail Palmer, que debutaron en los 70, Candida Royalle que debutó en los 80 fundando su propia productora , o las recientes Lizzy Borden (que es lo opuesto a la sensibilidad femenina) y Erica Lust, por nombrar algunos ejemplos... que hay más, en España destacan Bibian Norai y Sandra Uve. Se tiende a considerar que el cine sexual sólo interesa a los hombres y sólo ofrece una visión masculina del sexo (cosa que es generalizar y reducir enormemente el género) pero existen miradas femeninas sobre la sexualidad, e incluso se habla de un porno para mujeres, aunque habría que aclarar que no hay un porno para hombres y un porno para mujeres, porque ni todos los hombres somos iguales ni todas las mujeres son iguales. De todas formas se ha acuñado ya el término porno para mujeres, lo que en parte es un avance, mujeres que reconocen consumir porno y hacerlo, el porno digo. Afortunadamente.

_Y en fin, que esto son sólo unos apuntes.... ¡el sexo es maravilloso pero inabarcable!

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erotismo y sexo en el cine, una rápida cronología...

1896 El beso, (?) (una pareja victoriana se besa ante la cámara, un escándalo en su época)
1896 The bath, (?) (el primer striptease en el cine)
1897 La puce, (?) (una mujer con la excusa de que se le ha metido una pulga, hace un striptease)
1915 A free ride, (?) (es la primera película pornográfica conocida, aunque probablemente hubieran antes)
1919 Diferente a los demás /Anders als die Andern, Richard Oswald (incluye un baile entre dos amantes masculinos)
1921 El ministro, Ramón y Ricardo de Baños
1921 El confesor, Ramón y Ricardo de Baños
1924 Mikael, Carl Dreyer (el maestro Dreyer defiende la pureza de los sentimientos amorosos que un pintor maduro siente por un joven)
1927 Hula, (?) (convierte a Clara Bow, con su encantador desnudo, en un sex symbol)
1928 Sexo en cadenas, Wilhelm Dieterle (homosexualidad entre rejas)
1928 Un perro andaluz, Luis Buñuel (el erotismo de Buñuel...)
1930 La edad de oro, Buñuel (las escenas del amor loco, la mujer y la estatua...)
1930 Marruecos, Sternberg (Marlene Dietrich travestida con esmoquin y sombrero de copa besa a otra mujer)
1931 Muchachas de uniforme, Leontine Sgan y Carl Froelich (es un film en el que se aborda la sexualidad entre mujeres)
1931 El hombre y el monstruo, Rouben Mamoulian (con "tocamientos impuros")
1931 Tabú, Murnau y Flaherty (naturalidad)
1932 Mata-Hari, Fitzmaurice (con la diva Greta Garbo, quien hacía "pecar" con elegancia...)
1932 Tierra de pasión, Fleming (con la gran Mae West, que interpreta a una prostituta)
1932 El signo de la cruz, Cecil B. de Mille (con la excusa religiosa una mártir cristiana está desnuda y atada a una cruz acechada por un gorila, qué barbaridad)
1932 Éxtasis, Machaty (circula normalmente sin las escenas abiertamente sexuales de Hedy Lamarr, que incluían un primer plano de su rostro en el orgasmo, bañándose desnuda... es la primera película que es vetada en los EE.UU., cuna de la libertad, eso dicen...)
1933 No soy ningún ángel, Rugles (los comentarios burlones y eróticos de Mae West enfadaron a las autoridades eclesiásticas americanas y poco después se impuso la censura)
1934 Tarzán y su compañera, Gibbons (abundaban los baños en plena naturaleza)
1946 Duelo al sol, Vidor (con escenas de una intensidad increíbles, una película ardiente)
1946 Gilda, Vidor (Rita Hayworth quitándose un guante es probablemente más erótico que la mayoría de escenas hardcore de la actualidad)
1952 Un verano con Mónica, Bergman (el maestro sueco filma un film ardiente y fresco)
1956 Y Dios creó la mujer, Vadim (el sex symbol Brigitte Bardot)
1957 La isla del sol, (?) (vulnerando el código de producción americano incluye historias de amor interraciales)
1959 Los amantes, Louis Malle (el sexo oral realizado a Jeanne Moreau la conduce al éxtasis)
1959 The inmoral Mr. Teas, Russ Meyer (los inicios del clásico Russ Meyer, con sus mujeres de fuerte personalidad y gran pecho, iniciando su serie de películas nudistas)
1961 Eve and the handyman, Russ Meyer
1962 Jules y Jim, Truffaut (una obra maestra de Truffaut, con Jeanne Moreau que forma parte de un trío amoroso y no quiere decantarse sino continuar viviendo con alegría... una película maravillosa)
1962 Lolita, Kubrick (basada en la obra de Nabokov, sobre la líbido adolescente-juvenil y su atractivo en personas más mayores, escándalo en su día, y tema polémico, claro)
1966 The raw ones, (?) (por primera vez se incluyen desnudos integrales...)
1966 Blow up, Antonioni (escándalo por el vello púbico, no se había visto en público)
1966 Belle de jour, Buñuel (con Catherine Deneuve interpretando a una prostituta a tiempo parcial)
1966 Faster pussycat, kill kill, Russ Meyer (una de sus obras más recordadas)
1967 Yo soy curiosa, Sjoman (las escenas sexuales eran muy creíbles, aunque fingidas)
1968 Vixen!, Russ Meyer (otro pequeño clásico de Meyer)
1968 Barbarella, Vadim (con Jane Fonda destrozando a orgasmos una máquina)
1970 La historia del cine porno, Alex De Renzy (documental que incluye "A free ride (1915) entre otros)
1970 Cherry, Harry & Rachel, Russ Meyer
1970 Más allá del valle de las muñecas, Russ Meyer
1971 Las vampiras (Vampyros lesbos), Jesús Franco (con la sensualidad de Soledad Miranda)
1971 Conocimiento carnal, Mike Nichols (crítica del americano medio obsesionado con el sexo y el éxito)
1972 El último tango en París, Bertolucci (obra maestra de aliento revolucionario en todos los aspectos, es una mirada original sobre la sexualidad y las relaciones sociales, y posee imágenes ya inolvidables y clásicas que trascienden su evidente erotismo y carnalidad)
1972 Garganta profunda, Gerard Damiano (con Linda Lovelace, la película hardcore más vista de la historia, y una de esas veces en las que el éxito no es a costa de la creatividad, además el tono es agradable, hay buen rollo y es divertida, en fin, una de las joyas de la trilogía de oro del cine sexual)
1972 Tras la puerta verde, Mitchell y Mitchell (una Marylin Chambers sensual como pocas con una coreografía increíble y un montaje final de lo más lisérgico en una película que supera con creces el calificativo peyorativo de pornográfica, otra joya más para la trilogía de oro del cine sexual)
1973 El diablo en la señorita Jones, Gerard Damiano (la tercera joya del género, con una historia dramática que empieza en suicidio, con una actriz nada lolita, de 37 años, e interpretando con ardor y dolor su papel, en fin, que Damiano realizó dos de las tres obras maestras de la trilogía del cine sexual, y además esta obra maestra derriba los muros entre film de arte y film sexual)
1973 Si don Juan fuese mujer, Vadim (el mito pero en femenino)
1974 Furias porno (Sensuales tardes con Pamela Mann), Henry Paris
1974 Memories within Miss Aggie, Gerard Damiano (otro clásico del género hardcore, otra gran película de Damiano, y van...)
1974 Angel nº9, Anna Riva (quizá la primera directora de cine sexual)
1974 Las mil y una noches, Pasolini (el clásico oriental pasado por el tamiz personal de Pasolini)
1974 Emmanuelle, Just Jaeckin (el softcore más elegante de la época, un éxito total que derivaría en muchas secuelas)
1974 Portero de noche, Liliana Cavani (una mirada femenina sobre el sadomasoquismo y el nazismo, pero no gran cosa como película)
1975 El sexo que habla, Frederic Lansac (una historia que se explica en el título, uno de los primeros hardcore europeos, francés, con un guión entre divertido y dramático, un clásico)
1975 Lujuria desenfrenada, Henry Paris
1975 The analyst, Gerald Graystoke
1975 Supervixens, Russ Meyer (uno de sus títulos más conocidos)
1975 The rocky horror picture show, Sherman (puso el travestismo y la bisexualidad en un lugar más popular)
1975 La historia de Joanna, Gerard Damiano (asombrosa "adaptación" de "Historia de O" por el director cumbre del género, es un clásico del BDSM en el que se incluyó por primera vez una escena homosexual masculina, y se inspira en la manera de dirigir de maestros como Bergman y Hitchcock...)
1975 Saló o los 120 días de Sodoma, Pier Paolo Pasolini (quizá de lo más duro que se ha estrenado jamás, según dicen...)
1975 Historia de O, Just Jaeckin (del director de "Emmanuelle")
1976 El imperio de los sentidos, Nagisa Osima (una obra de arte, hecha de rojo y blanco, sincera, vigorosa, inolvidable... es muy injusto considerarla una película sólo erótica)
1976 A través del espejo, Jonas Middlenton (una película fantasmagórica y quizá bizarra, muy particular)
1976 Paraíso porno, Henry Paris
1977 Ese oscuro objeto del deseo, Buñuel (la última película de Buñuel, con su toque erótico personal)
1977 Eruption, Stanley Kurlin (con el mítico John Holmes, apodado tres piernas, a las chicas les encantará, bueno, no sólo a las chicas...)
1977 Baby face, Alex De Renzy
1977 Memorias de una pulga, Jim y Artie Mitchell (de los creadores de "Tras la puerta verde")
1978 Barbara Broadcast, Henry Paris (un pequeño clásico con una atmósfera sutil y lúdica, tiene uno de los inicios más logrados de la historia del cine sexual, no llega por poco a la obra maestra, pero es una película muy especial, con encanto y el desenfado de esos años)
1978 Debbie does dallas, Jim Clark (la candidez de Bambi Woods unida a su lascivia hicieron de esta película un éxito, y de ella un mito sexual)
1978 Easy, Anthony Spinelli
1978 Las niñas calientes, Francis Leroi
1978 Pretty peaches, Alex De Renzy
1978 Calígula, Tinto Brass (una superproducción con reparto de relumbrón e insertos hardcore ajenos al propio director)
1978 La pequeña, Louis Malle (ambientada en los burdeles de otra época, con Susan Sarandon y Brooke Shields, es una película interesante)
1979 La ceremonia de los sentidos, Antonio D'Agostino (afirma la rara pero digna, quizá incluso envidiable, condición sexual hermafrodita)
1980 El lago azul, Kleiser (con Brooke Shields ya no tan pequeña, convirtiéndose en sex symbol)
1980 Furor insaciable, Godfrey Daniels (con Marilyn Chambers, volviendo por sus fueros, y fuegos, es uno de los clásicos del cine sexual y uno de los títulos más vendidos de todo el género)
1980 Tabú, Kirdy Stevens (la primera de la saga sexual)
1980 Talk dirty to me, Anthony Spinelli
1980 American gigoló, Schrader (con Richard Gere, que ya tenía una legión de admiradoras, además pueden admirar mucho en esta película, de Gere, claro)
1981 El cartero siempre llama dos veces, Rafelson (Jessica Lange es fuego puro)
1981 Fuego en el cuerpo, Kasdan (un thriller erótico, Katherine Turner en la cumbre)
1981 Medias de seda, Burd Tranbaree (las medias son el requisito, el sexo es el argumento)
1981 Amanda de noche, Robert Mc Callum (de las primeras películas con la calificación X estrenadas en España)
1982 Querelle, Fassbinder (un maestro del melodrama abordando relaciones homosexuales)
1983 La llave secreta, Tinto Brass (con la Sandrelli, por el especialista italiano del erotismo)
1983 A taste of money, Richard Mailer (con la musa porno Constance Money)
1984 Cada mujer tiene una fantasía, Edwin Brown o Durrell (un intento de hacer cine sexual también para mujeres, aunque ni todas las mujeres ni todos los hombres somos iguales, no es verdad que el porno sea sólo para hombres ni que todos los hombres seamos iguales, ni todas las mujeres)
1985 New Wawe Hookers (El inicio), Gregory Dark (un clásico que abrió caminos, y en el que se coló una menor de edad llamada Traci Lords... el director realizaría años después video-clips para una cantante con nombre de estrella porno, y afición a no usar ropa interior, llamada Britney Spears...)
1985 Matador, Almodóvar (el erotismo de Almodóvar )
1986 El diablo en el cuerpo, Bellocchio (con una considerable naturalidad sexual, aunque no sea una película calificada como pornográfica)
1986 Terciopelo azul, David Lynch (la joya de un genio tiene su erotismo particular)
1986-87 The devil in Miss Jones 3&4, Gregory Dark (película en dos partes continuando la saga iniciada con una de las obras maestras de Damiano)
1987 La ley del deseo, Almodóvar (entre travestismo y homosexualidad, la "ducha" pública que recibe Carmen Maura es de los momentos más eróticos de la historia del cine)
1988 Cinema paradiso, Tornatore (al final se enlazan secuencias de besos censurados, hay que recordar que durante décadas los besos se cortaban o se medía su duración...)
1989 Cuando Harry encontró a Sally, Reiner (un orgasmo fingido en una cafetería, entre divertido y erótico, dos cosas que suelen ir juntas...)
1989 Night strips, Andrew Blake (un clásico de un director hardcore que marcó un estilo original pero esteticista y frío)
1989 ¡Átame!, Almodóvar (las feministas la odiaban pero no era para odiarla, y el baño con el buzo de Victoria Abril es un momento cumbre de la historia del erotismo actual)
1990 La masajista, Paul Thomas (una película sexual en la que hay pocas escenas explícitas, pero vale más la calidad que la cantidad, y en la que según algunos surge lo más parecido a una historia de amor que puede nacer en una película X)
1990 Concepts de Salieri, 1 y 2, Mario Salieri (la imaginación al servicio de las fantasías sexuales del director italiano de hardcore)
1990 Las edades de Lulú, Luna (basada en la novela, y con la tendencia erótica propia del director)
1991 Amantes, Aranda (más centrada en el erotismo que en la violencia, como su director)
1991 La bella mentirosa, Rivette (el clásico de la nueva ola francesa en una historia sutil y erótica)
1992 Jamón, jamón, Luna (los pechos de Penelópe Cruz le saben a jamón, según dice Bardem)
1992 Mujer blanca soltera busca..., Schroeder (un thriller con dos actrices muy sensuales)
1992 Instinto básico, Verhoeven (el cruce de piernas de Sharon Stone fue histórico, aunque la película flojeaba y repetía el cansino estribillo del sexo destructivo)
1993 Justine: Nothing to hide 2, Paul Thomas (cuesta creer que sea una secuela, porque es sexual hasta la médula...)
1993 Adolescencia perversa, Mario Salieri
1993 El piano, Jane Campion (la directora neozelandesa realiza una película con bastante erotismo, con Holly Hunter y Harvey Keitel)
1993 La ardilla roja, Medem (el erotismo y el sexo en Medem son muy interesantes)
1993 Mi Idaho privado, Gus van Sant (una pareja homosexual que ejerce la prostitución...)
1994 Más allá de las nubes, Antonioni y Wenders (una maravilla con una sensualidad y un erotismo propios de un hombre como Antonioni, que en "La aventura" afirmaba que el sexo no es la solución)
1994 La masajista 2, Paul Thomas
1994 El perfume de Mathilde, Marc Dorcel (el cine galo vuelve a situarse en la cumbre del cine sexual)
1995 Nunca digas no a Rocco, Rocco Siffredi (pasa por ser su mejor película, como actor y director, aunque demasiado salvaje (para mi gusto) el hombre... quizá mostró a muchos heterosexuales que no se deja de serlo por fomentar la puerta de atrás, en cualquier caso Siffedi es un mito del cine sexual)
1995 Latex, Ninn (visualmente innovadora en el mundo del hardcore, aunque de estética fría)
1996 Zazel, la esencia del amor, Philip Mond (cine sexual sensual, elegante y exuberante, de calidad)
1996 Belleza robada, Bertolucci (la belleza de la Toscana y la belleza de Liv Tyler son increíbles)
1996 Tierra, Medem (con dos de las actrices más sensuales: Emma Suárez y Silke)
1996 Crash, Cronemberg (une la violencia de los accidentes de tráfico y el deseo sexual)
1997 Boogie nights, Paul Thomas Anderson (inspirada en la vida del actor John Holmes, es una magnífica película sobre el mundillo del porno en los 80)
1997 Perras callejeras, José María Ponce (título original, esta vez no es una traducción sonrojante, de un director clave del cine sexual español, con el icono del género Nacho Vidal)
1998 Los idiotas, Lars von Trier (con escenas que parecen salidas de una peli hardcore, muy inquietante en todos los aspectos, y rodada bajo las condiciones del movimiento dogma, cámara en mano..., se cuenta que el movimiento dogma se inspiró en el estilo visual de un subgénero porno)
1999 American beauty, Mendes (un hombre de mediana edad se enamora de una chica joven y decide vivir de otra manera)
1999 American pie, Weitz (irreverente, tiene una escena con un pastel que la censura dejó pasar con un montón de condiciones, los pies en el suelo...)
1999 Romance X, Catherine Breillat (sexualidad femenina y el mito porno Rocco Siffredi)
2000 Intimidad, Chereau (tiene escenas muy naturales de un hombre y una mujer en la intimidad sexual)
2001 Y tu mamá también, Cuarón
2001 Lucía y el sexo, Medem (aunque en el fondo es una historia de amor)
2002 Golfos y picardías de antaño, Michel Reilhac (recopilación de 69 minutos de cine sexual de la época muda... y es que el sexo viene de lejos y lo lejos que te lleva...)
2003 Soñadores, Bertolucci (con la frescura en lo relativo al sexo propia de Bertolucci, en el mayo francés... haz el amor y no la guerra)
2004 Eros, Antonioni-Soderbergh y Wong Kar-Wai (cada director realiza un mediometraje de inspiración erótica, el de Kar-Wai es magnífico, y está a años luz de los demás)
2005 La piel vendida, Vicente Pérez Herrero (buen documental en el que se da voz a cineastas e intérpretes del exitoso cine sexual español)
2005 El sabor de la sandía, Tsai Ming-liang (¡un musical sexual...!)
2005 Dentro de Garganta profunda, Fenton Bailey y Randy Barbato (documental muy interesante que profundiza en el fenómeno sociológico y político del clásico Garganta profunda)
2006 Shortbus, John Cameron Mitchell (impagable alegato por la sexualidad vitalista y desprejuiciada, rodada con total franqueza y naturalidad, difuminando los límites entre cine convencional y cine sexual, quedándose del lado de la vida, o sea de la integración del sexo en la vida)
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bibliografía
- Cine erótico, por Douglas Keesey (Editorial Taschen, 2005) incluye un poco de historia del género, la influencia de la censura... numerosos títulos, citas sobre el erotismo... muy interesante, por algo es de una editorial tan prestigiosa como taschen... www.taschen.com

-Cine para adultos. 1001 películas para 1001 noches, por Luis Miguel Carmona y Álex Bassas (T&B, 2007) diccionario de películas detallado, con más de 1000 títulos...

-El cine de gays y de lesbianas, Boze Hadleigh (Odín ediciones, 1996)

- Exxxpaña. Historia del porno español, por Paco Gisbert y Manuel Valencia (Ediciones Glénat, 2005) que incluye un dvd documental sobre la historia del porno español titulado Fórmula X, dirigido por Sandra Uve.

-El destape nacional, por José M. Ponce (Ediciones Glénat, 2006) escrito por el director pionero en la transición a la democracia y primer director del Festival erótico de Barcelona www.edicionesglenat.es

-Videoguía X 1 y 2, Manuel Valencia (Midons, 1994 y 1996)

-Pensar la pornografía, Ruwen Ogien (Paidós, 2005) un libro muy interesante escrito por un filósofo http://www.paidos.com/autor.asp?codaut=443

- Sólo para adultos (Historia del cine X), Casto Escópico (La máscara, 1996)

-También recomiendo el artículo aparecido en EL PAIS, titulado La otra cosa, por JOSÉ ANTONIO MILLÁN (02/07/2005)

http://www.elpais.com/articulo/ensayo/elpbabens/20050702elpbabens_3/Tes/
Más adelante lo reproduzco, pero el enlace original es el anterior...
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citas_ algunas citas incluídas en Cine erótico, por Douglas Keesey (Taschen, 2005)
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=Para una mujer no hay nada más erótico que ser comprendida. _Molly Haskell

=Yo no inventé el sexo. Yo lo redescubrí, lo destapé y añadí un par de acepciones que nunca se le ocurrieron al señor Webster. _Mae West

=Sé algo de cocina. Puedo ocuparme de los niños. Si no hay niños puedo ocuparme de ello. _en Escándalos romanos

=El censor es un hombre que sabe más de lo que considera que uno debe saber. _Laurence Peter

=Existe la viagra. ¿Por qué está permitida la excitación química, pero no la visual? _James Ferman

= -Creo que voy a besarte

-¿Cuándo estarás seguro? _en Flor de cactus

=Es incluso mejor si tú me ayudas. _en Tener y no tener

=Ernst Lubitsch era capaz de hacer más cosas con una puerta cerrada que la mayoría de directores modernos con una bragueta abierta. _Billy Wilder

=Sólo silba. ¿Sabes silbar, no? Juntas los labios y soplas. _en Tener y no tener

=El sex appeal es un 50% de lo que tiene una y otro 50% de lo que la gente cree que tiene una. _Sophia Loren

=Usando la imaginación se puede mirar a cualquier actriz y verla desnuda. Espero hacerles usar esa imaginación. _Hedy Lamarr

= -¿Qué estás haciendo?

-Si no lo sabes es que lo estoy haciendo mal _en Nacida ayer

= -Hablando de caballos tiene clase, pero desconozco hasta dónde puede llegar.

-Depende mucho del jinete _en El sueño eterno

= -Eso que lleva puesto es casi un vestido. ¿Con qué lo sujeta?

-Con pudor _en Un americano en Paris

=Tu nombre empieza con una caricia y termina con el restallar de un látigo. _Jean Cocteau a Marlene Dietrich

=(Greta Garbo) te hacía pensar que, si tu imaginación debía pecar, al menos podía estar contenta por lo impecable de su gusto. _Alistar Cooke

= -¿Por qué me has traído aquí?

-¿No eres ya mujer para saberlo? _en El caíd

=No podrán censurar la chispa de mis ojos. _Charles Laughton

=Me gustan tanto las ostras como los caracoles. _en Espartaco

= -¿Es pornografía o es arte?

-Si está bien enfocado es pornografía. Si está desenfocado es arte. _en El año que vivimos peligrosamente

=La pornografía no está en las manos del niño que descubre la sexualidad mientras se masturba sino en las del adulto que le abofetea. _Bernardo Bertolucci

=Nunca consigo cerrar las cremalleras. Quizá signifique algo. ¿Usted qué cree? _en Gilda

=Sí, me dio clases particulares detrás del púlpito una Nochevieja. Él gritaba "arrepiéntete, arrepiéntete", y yo le suplicaba "sálvame, sálvame". _en El fuego y la palabra

=Para mí el amor es muy profundo. El sexo sólo consiste en unos pocos centímetros. _en Balas sobre Broadway
=Gracias, he disfrutado de cada centímetro. _Mae West

= -¿Es verdad lo que dicen de ustedes? ¡Oh, es verdad!

-Disculpe señora, siento decepcionarla pero lo que está chupando es mi brazo. _en Sillas de montar calientes

= -¿Quieres que hagamos una escena de sexo?

-¿Una escena de sexo? Creo que no estoy preparado para ninguna escena, pero si quieres podemos

ensayar juntos. _en El dormilón
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más

(algunas webs pueden contener imágenes de contenido sexual explícito, sólo para adult@s)

-
www.filmsite.org/sexinfilms.html (en inglés, un poco de historia)

www.filmsite.org/sexualfilms.html (en inglés, un poco de historia)

www.doctorg.com/classicadultfilms.htm (en inglés, clásicos del género)

http://www.adultfilmdatabase.com/ (base de datos del cine sexual)
http://www.iafd.com/ (base de datos de cine sexual)
http://www.avn.com/ (en inglés, noticias, premios, dvd, video...)
-
http://seronoser.free.fr/laincineradora/x1.htm sucinta historia del cine x
http://seronoser.free.fr/laincineradora/x2.htm parte 2
http://seronoser.free.fr/laincineradora/x3.htm y parte 3
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http://anodis.com/nota/5388.asp?pag=1 un poco de historia del cine sexual gay
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(incluyo el interesante artículo extraído de EL PAIS)

La otra cosa, por José Antonio Millán -publicado en EL PAIS (02/07/2005)

En palabras del Arcipreste de Hita (siguiendo a Aristóteles), "el hombre por dos cosas se mueve": la primera por conseguir el sustento; la otra cosa era... eso. Dado el inmenso auge de la literatura gastronómica, sorprende un poco que (salvo en circuitos especializados) abunden tan poco las publicaciones dedicadas a los placeres de la carne. Los azares o los designios editoriales han hecho coincidir dos libros del mismo sello, dedicados uno a la lujuria y otro a la pornografía, ambos escritos por filósofos (británico y francés, respectivamente).

Simon Blackburn (autor de libros tan populares como Pensar y Sobre la bondad) aceptó el envite de dictar una de las conferencias sobre los siete pecados capitales que programaron Oxford University Press (Estados Unidos) y la biblioteca pública de Nueva York. Se califican de pecados "principales" porque provocan a su vez otros pecados. La lista que hoy manejamos se debe a Gregorio Magno, en el siglo VI (para una información autorizada sobre estas siete lacras... y las virtudes opuestas, véase la enciclopedia web de las Siervas de los Corazones Traspasados de Jesús y María en http://www.corazones.org).
Todos hemos sentido los embates de la lujuria, lo que excusa a Blackburn de intentar definirla (y a mí de glosarle): su tarea se limita a asediarla apelando a las armas de la literatura, de la filosofía, de la religión y de la ciencia. Dado que "buena parte de la literatura mundial está consagrada al amor erótico", y que las indagaciones sobr el tema con diversos propósitos son extensísimas, Blackburn no puede hacer un recorrido sistemático, sino un "paseo". Éste es ameno y sugerente, entreverado de citas y animado de ilustraciones. Comienza por el Deseo (¿por dónde si no?), y ahí acudirán los versos de Safo ("cuando / te miro un solo instante, ya no puedo / decir ni una palabra") y el peritaje de los neurofisiólogos acerca de los cuatro sistemas corporales implicados: del endocrino al genitourinario. Pasa por el Exceso (Hipócrates sembrará la idea de que los calvos lo son porque "con el trato sexual sus cabezas se agitan y calientan"), para desembocar en dos metáforas platónicas, que sitúan el problema desde la perspectiva personal y social, respectivamente: la pareja de corceles, el fogoso y el retenido, controlados por el auriga, y el andrógino primordial, dividido en dos mitades que desde entonces buscan ardientemente su reunificación... Aunque no todos buscan reunificarse: Diógenes y Oscar Wilde nos llevan en un paréntesis a tratar una solución lujuriosa al alcance de todos, la masturbación. Para el cínico Wilde "es más limpia, más eficiente y te encuentras con mejores personas".

cristiano ante la senda tenebrosa del sexo? Sus raíces se encuentran en san Agustín (que de lujuria sabía mucho), y su configuración nos lleva al sabroso debate sobre si en el Paraíso, antes de la Caída, hubo sexo entre Adán y Eva, y en caso afirmativo, si existió placer. Si el sexo es algo malo, como resulta, ¿qué hacemos con la procreación (con la que guarda cierta relación)?: ahí se estudian las posturas católicas sobre la fornicación dentro del matrimonio, que se remontan a santo Tomás, y las consiguientes sutilezas anticonceptivas (que permiten, por ejemplo, usar un calendario, pero no otros medios). Para tratar la ceguera y las ilusiones del amor erótico se recaba la colaboración de Shakespeare y Dorothy Parker. Para ésta, cuando la mujer dice al hombre que es suya, y éste jura pasión inagotable, "Señora, tomad nota de esto: / uno de los dos está mintiendo" (por cierto, la sensible traducción de Ramón Vilà se extiende afortunadamente a las piezas literarias insertadas en la obra). Y una interesante conclusión: si la elección es entre lujuria más ilusiones y lujuria a secas, no hay argumentos para preferir lo primero...

Hobbes viene a poner orden en este pantanoso tema, introduciendo una de las claves, la intersubjetividad, que Blackburn glosa así: "A le da placer a B. A B le place lo que A está haciendo, y a A le place el placer de B. Esto también debería placer a B" (el lector puede proseguir por su cuenta este juego de espejos). La sensación de unidad con otra persona que da el placer compartido se explica así por esta sensación de estar interpretando en conjunto una partitura no escrita... Pero toda una línea de pensamiento, que comienza en Kant, considera inevitable la degradación del objeto erótico. Un maravilloso poema de los años treinta de Edna St. Vincent Millay lo plantea, curiosamente, desde el lado femenino: "Yo, nacida mujer... me siento empujada... a cargar el peso de vuestro cuerpo sobre mi pecho... Quiero dejarlo claro: considero que esta ansia no es razón suficiente para mantener una conversación cuando nos volvamos a ver". Otro tema escabroso (realmente Blackburn no los elude) es el de saber si el deseo lujurioso es algo genérico, que puede encontrar su satisfacción en cualquier objeto, o si está dirigido a una persona en concreto. La cuestión es importante, porque afecta a la consideración de los medios en los que, en rigor, no hay un otro con el que trenzar el juego hobbesiano: prostitución y pornografía...

Pero de esto último quien sabe más es el filósofo moral Ruwen Ogien. Pensar la pornografía es un libro más árido que Lujuria: está escrito con la estructura lógica y el escalpelo de un filósofo analítico, y el resultado es frío (lo que quizá convenga a lo caldeado del tema). Ogien realiza un clarificador recorrido por la historia de las definiciones del concepto, que abundan, por la sencilla razón de que legisladores y educadores han venido considerando necesario proscribir el acceso a determinadas representaciones de contenido sexual. La revisión histórica es muy curiosa: mientras la pornografía era patrimonio exclusivo de las clases acomodadas, la cuestión no se considera problemática. Pero cuando aparecen los medios técnicos de reproducción (de la imprenta popularizada a la fotografía) la cosa cambia: "Las personas con opiniones hechas dicen que esas imágenes causan un considerable perjuicio a los demás", escribía Bertrand Russell, "pero ni una sola de aquéllas quiere reconocer que les han causado perjuicio a ellas". Y el tema de la protección de los más indefensos (antes, las clases populares; hoy, los niños) es constante en el discurso sobre lo pornográfico.

La extensión de Internet ha provocado un auge desmesurado en la oferta y el consumo de pornografía (en esto último España está muy a la cabeza de los países de nuestro entorno), lo que hace aún más necesaria la revisión que plantea Ogien. Los puntos debatidos son variados; por ejemplo: la pornografía, ¿puede considerarse educativa? Hay que reconocer que el cunnilinguis y la estimulación clitoridiana deben más a este género que a cualquier manual de educación sexual... ¿Es una forma insidiosa de discriminación sexual? Dependiendo de los estudios y las fuentes (y una baza clave de Ogien es presentar las encuestas "científicas" en su contexto ideológico), o bien la mujer es objeto único de degradación en las representaciones pornográficas: sometidas, violadas, golpeadas; o bien éstas degradan por igual a mujeres y hombres (muñecos erectos siempre disponibles); o bien, no hay degradación alguna. Otros temas a los que se pasa revista son los fenómenos de "saturación" ante el consumo constante y las dependencias psicológicas (o adicciones), o el sesgo homosexual (masculino) que puede estar tomando subrepticiamente la pornografía (heterosexual) contemporánea, con su énfasis en las felaciones y en la penetración anal.

es: ¿qué molesta, en definitiva, de la pornografía? Para Ogien está claro: que, a pesar de datos y estudios que señalarían su (relativa) inocuidad, choca con preconceptos demasiado arraigados sobre lo que debería ser la sexualidad humana. Y esto no puede extrañarnos: se trata de un tema que no sólo lleva preocupándonos desde mucho antes de Platón, sino que además tiene grandes implicaciones políticas: cualquier postura, a favor o en contra, crea extraños compañeros de cama, como el apoyo (luego lamentado) de cierto feminismo norteamericano a las posturas prohibicionistas provenientes del estamento más reaccionario del país. Cualquier control, por otra parte, exige definiciones claras de lo pornográfico, y éstas pueden (lo sabemos desde el Ulysses joyciano, y aun antes) convertirse en formas de censura.

Y es que ante el deseo, la lujuria (o sus representaciones), es difícil permanecer impasible, incluso con sentimientos contrapuestos. Quizá nadie lo retrató mejor que Woody Allen: "Vivimos en una sociedad demasiado permisiva. La pornografía nunca se había exhibido con tal impudor. ¡Y encima las imágenes están desenfocadas!".

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- artículo publicado en EL PAIS (02/07/2005)
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Y sólo una cosa más... la mayoría de las veces el erotismo y la risa van de la mano...

Hay quien habla de películas erótico-festivas, no es mal concepto, ¿verdad?.

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guión

2008-10-22T22:36:00.001+02:00

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Si todo estuviera escrito en el guión, ¿haría falta hacer una película?
_Nicholas Ray
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creatividad y diferencia

2008-10-19T15:07:00.004+02:00

La magnífica selección de documentales que ayer emitió "La noche temática" en la 2 incluyó dos trabajos sobresalientes sobre creatividad y diferencia, sobre la creatividad como expresión personal, como puente de comunicación entre las personas, como voz que diluye los muros y fluye eternamente en el universo.
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LT 22 Radio La Colifata (2007) de Carlos Larrondo. Este documental recorre durante años la excepcional iniciativa de un psiquiátrico argentino en el que se ha creado un vínculo entre los internos y el mundo exterior. Me resisto a calificar de locos a los pacientes como si el mundo exterior fuera cuerdo... La vitalidad, lucidez, alegría e incluso un chispeante buen humor cuestionan muchas cosas respecto a qué es locura, qué falsas creencias tenemos acerca de la enfermedad mental y qué sombras y locuras probablemente compartimos todos, en distinto grado pero todos. Maravilloso documental que afortunadamente recoge cómo el ejemplo de esta emisora pionera ha traspasado fronteras nacionales e incluso llegado a nuestro continente.
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¿Qué tienes debajo del sombrero? (2006) de Lola Barrera e Iñaki Peñafiel. Este sorprendente documental muestra sobre todo la impresionante historia de la enferma de síndrome de Down, y también sorda, Judith Scott, cuya creatividad artística como escultura fue fomentada en el Creative Growt Art de California. También se muestra la creatividad de otros pacientes que tenaz y laboriosamente elaboran obras que han sido expuestas y solicitadas por museos de todo el mundo. La creatividad es quizá, junto con la ternura, el mayor de los dones humanos, y es un fuego que puede seguir alumbrando incluso entre los muros del dolor y la enfermedad. Emotivo y fascinante, alcanza el grado de la verdadera Poesía de la Vida.
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películas

2008-09-29T09:11:00.002+02:00

Algunas películas que me han llamado la atención últimamente son:
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Liros rotos / La culpa ajena (1919) D.W. Griffith. Una obra maestra llena de sensibilidad, romanticismo y un dramatismo sobrecogedor. Inolvidable, maravillosa, uno de los pilares que hacen y harán del cine un arte y una expresión de la poesía de la vida.
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Sólo para hombres (1960) Fernando Fernán Gómez. Una impagable comedia con tintes feministas que satiriza un período y unas costumbres sociales bastante injustificadas y ridículas.
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Los animales son gente maravillosa (1975) Jamie Uys. En este documental la vida animal en el desierto depara muchas sorpresas, pues la mirada del director está llena de sentido del humor y muestra curiosos paralelismos con nosotros mismos. Asombra y tiene chispa, es divertida.
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Una jornada particular (1977) Ettore Scola. Una película muy especial, maravillosamente interpretada por Loren y Mastroiani. Ambientada durante la visita de Hitler a la Italia fascista posee una vitalidad apedreada por la represión que la envuelve dolorosamente en una tristeza digna y humana. Una grandísima película que se hace inolvidable para quien la respira.
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El aceite de la vida (1992) George Miller. Esta película es un canto a la lucha, la esperanza, el coraje, el inconformismo, la fe en la vida y la perseverancia. A través del caso verídico de unos padres que no se resignaron a perder su hijo sin hacer por él todo lo humanamente posible, asistimos a lo más noble que late en el espíritu humano, y a las habituales dificultades que encuentra la vitalidad a su paso, la inercia, la resignación, la incredulidad, los egos perezosos y cobardes... pero la salvación del espíritu humano está en no dejar de serlo. Imprescindible para seres humanos.
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Memoria y deseo (1997) Niki Caro. Bien interpretada y dirigida con habilidad y frescura es un título más que digno que relata una historia de amor que el mar no lleva a buen puerto sino que hace naufragar de la forma más dolorosa posible. Una película que muestra las delicadas, deliciosas, pero también dolorosas y desesperadas texturas de la pasión amorosa.
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Las aceras de Nueva York (2001) Edward Burns. Aportando autenticidad y altas dosis de humor agridulce esta estimable película aborda las relaciones personales que giran en torno al amor y el sexo. Con interpretaciones más que convincentes se adentra con una sonrisa lúcida y vitalista en estos caminos del corazón, a menudo tratados con gran banalidad o una excesiva grandilocuencia. -

Whale rider (2002) Niki Caro. Maravillosa película que trasciende ancestrales costumbres de los maoríes neozelandeses para ser un vigoroso canto a la fe y a lo sagrado. Más humanista y mística que feminista (lo que no sería poco), de ahí su entidad poética y artística, respira sensibilidad, dignidad y vitalidad.
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No es país para viejos (2007) Joel y Ethan Coen. Javier Bardem se llevó el oscar al actor secundario con esta película que discurre por las fronteras morales y criminales de la América profunda.
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el maravilloso mundo de la animación

2008-09-24T14:14:00.002+02:00

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En este pequeño rincón, el maravilloso mundo de la animación, con algunas películas clásicas, importantes, imprescindibles, interesantes...

Blancanieves y los siete enanitos (1937) VV.AA. Este largometraje sonoro y en color, ¡y qué colores!, es un hito de la historia de la animación. Una obra maestra alumbrada con tesón y talento en la factoría Disney.

Los viajes de Gulliver (1939) Dave Fleischer. Es la adaptación del clásico relato por uno de los (junto a su hermano Max) grandes pioneros de la animación. Su encanto es perdurable, a pesar de los años.

Fantasía (1940) VV.AA. Compuesta por varios episodios, este filme reúne la animación con la música clásica, con resultados desiguales, pero con momentos inolvidables que la hacen un clásico irrepetible que ni la propia Disney pudo igualar casi 60 años más tarde. La obra maestra de la película es el episodio El aprendiz de brujo. Inolvidable.

La mano (1965) Jiri Trnka. La animación suele tenerse por un género orientado al público infantil, pero el maestro Trnka demostró una y otra vez que la animación puede abordar lo que se proponga, incluso la crítica del totalitarismo y las presiones a las que los artistas pueden ser sometidos. Una obra maestra no sólo de la animación sino, en mi opinión, una obra que debería ser (si no lo es ya) declarada Patrimonio de la Humanidad.

El planeta salvaje (1973) René Laloux. Una película de animación experimental que, casi milagrosamente, logró hacerse un hueco en los cines. Con una asombrosa animación que emplea la técnica de "papier découpé en phases" con la que se animan figuras de papel, su argumento futurista es sorprendente, y ganó, compitiendo con películas convencionales, el Premio del Jurado del Festival de Cannes. Un caso único, excepcional.

La tumba de las luciérnagas (1988) Isao Takahata. Es una película de animación japonesa muy dramática, conmovedora y por momentos desoladora. Magníficamente realizada, parece impensable realizada en un país que no viviera los bombardeos atómicos. Alejada del tópico según el cual la animación es por esencia divertida e infantil representa un trabajo que no elude la tragedia y que no tiene nada de pueril. Sin diferenciar animación de cine convencional es de las películas más dolorosas que he visto en mi vida. Gran película, sin duda, pero no para reír ni evadirse.

Nicky, la aprendiz de bruja (1989) Hayao Miyazaki. Un film de animación del maestro nipón, es una película entretenida, divertida, y con la ternura, magia, encanto y bondad de sus mejores trabajos. Puede que no sea su obra maestra, pero es digna y tiene chispa.
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Pesadilla antes de Navidad (1993) Henry Selick. Una obra muy pero que muy especial, un hito de la animación, ideado por Tim Burton, que tiene una atmósfera muy particular y ya es por derecho propio un clásico.

Wallace y Gromit, the Aardman collection (1994) VV.AA. Esta recopilación de la serie televisiva incluye clásicos para la historia de la animación con plastilina como "Los pantalones equivocados" y su éxito animó al estudio Aardman para emprender su primer largometraje, el clásico "Evasión en la granja". Impresionante.

Toy story (1995) John Lasseter. Toy story fue el primer largometraje de la historia de la animación digital. Una obra que abrió caminos y demostró la viabilidad artística y económica de la animación por ordenador. Realizada por el alma de los estudios Pixar, es ya un clásico.

La princesa Mononoke (1997) Hayao Miyazaki. El talento de Miyazaki se alía en esta gran obra con su amor por la vida (no sólo por la vida humana) en una película que resulta de una belleza y dramatismo sublimes. Una obra maestra.

¡Me casé con un extraño! (1997) Bill Plympton. La imaginación hiperbólica e irreverente de Plympton desborda la pantalla en esta historia impagable, ácida, ardiente y bizarra. Adulta por sus manifestaciones violentas y sexuales, sin embargo ambas se integran en un contexto narrativo lleno de cretividad, inquietud y originalidad. Desmesurada personalidad y talento el de este hombre.

::: antz / hormigaz, de Eric Darnell y Tim Johnson (1998) Esta divertida y corrosiva cinta de animación tiene un fuerte trasfondo sociológico, político e incluso psicológico, profundamente individualista y revolucionario. Es un canto a la libertad personal y a la capacidad de decisión, y una radiografía profunda de comportamientos humanos con la hábil coartada argumental de que toda la acción se desarrolle en un hormiguero. Y todo este trasfondo ideológico y vitalista viene cubierto de un ritmo vivo y un tono alegre y divertido. Una joya para niños de todas la edades.

Bichos (1998) John Lasseter y Andrew Stanton. La segunda película de Pixar también aborda el universo de los insectos (como Hormigaz) aunque con técnicas desarrolladas por la propia compañía y con un estilo propio. Su humor llega hasta unos títulos de crédito en los que aparecen ¡tomas falsas, descartadas!.

El gigante de hierro (1999) Brad Bird. Es una buena película de animación, que tiene chispa y resulta emocionante y original, además de expresar buenos sentimientos (en los tiempos que aplastan) y eso no es poco. Se trata de una producción de la Warner Bros., que ya nos deleitó en los 40 y 50 con sus míticos cartoons.

South Park (1999) Trey Parker. Siguiendo la estela de la ácida serie televisiva, el largometraje sigue con las líneas elementales, el estilo de dos dimensiones y sobre todo unos diálogos para mayores que son de lo más provocativos e irreverentes. Un estilo propio, que fascina o fastidia, y desde luego para adultos.

Evasión en la granja (2000) Peter Lord y Nick Park. La mítica factoría de animación con plastilina Aardman, después de maravillar durante décadas a grandes y pequeños, emprendieron su primer largometraje de animación. El resultado es una obra maestra divertidísima, hecha poco a poco y con cariño, fotograma a fotograma con la laboriosa técnica stop-motion (grabar, cortar, mover el objeto, grabar, cortar...) y unas caracterizaciones e historia que no tienen desperdicio. ¿Ya he dicho que es una obra maestra? Lo digo otra vez: obra maestra maravillosa.

El viaje de Chihiro (2001) Hayao Miyazaki. La mayor obra maestra de Miyazaki, fue merecidamente conocida y condecorada en el mundo entero, siendo una maravilla de las que hacen enmudecer a las palabras, incapaces de expresar su bondad, belleza y calidez. Todo un clásico para la historia del cine, no tan sólo de la animación. Inolvidable, se adentra en el corazón, lo agranda, se hace parte de la sangre que late por nuestras venas. Maravillosa.

Shrek (2001) Andrew Adamson y Vicky Jenson. El inicio de la exitosa saga que celebra el ¡¡¡viva la diferencia!!! con un humor que no está reñido ni con la ternura ni con el diseño por ordenador. Se trata de una de esas películas que logran hacer fortuna tanto artísticamente como en la taquilla. Un clásico.

Monstruos S.A. (2001) Peter Docter. Una entrañable película sobre monstruos que son como ositos de peluche, muy tiernos en realidad, diferentes pero llenos de cariño. Divertida y muy viva, con chispa.

Alienígenas mutantes (2001) Bill Plympton. El trazo afilado y grueso del animador disecciona salvajemente vicios y comportamientos humanos. Y también los mejores deseos. Bizarro, violento, sexual, escatológico, y muy original, sus animaciones son un mundo propio con un humor muy particular, pues uno de sus lemas es "si no es divertido, no lo hagas". Aunque Plympton intenta ser algo más que divertido, y puede no serlo...

El Cid, la leyenda (2003) José Pozo. Adaptando las míticas aventuras y desventuras del Cid Campeador, la animación española hace un esfuerzo considerable uniendo la animación tradicional y la moderna en 3D llegando a un resultado que, aún asemejándose al estilo Disney, tiene momentos muy logrados.

::: el castillo ambulante / hauru no ugoku shiro, de Hayao Miyazaki (2004) La animación contemporánea y el cine en general están de enhorabuena otra vez con la maravillosa película del gran maestro Miyazaki. El castillo ambulante es una obra maestra, repleta de magia, originalidad, buenos sentimientos, ternura, alegría, sentido del humor y una realización técnica impresionante, en la que se logra una animación cálida e incluso aparentemente convencional usando novedosas técnicas por ordenador. Pero toda esta parte técnica es un simple ropaje con el que vestir un corazón de oro, unas manos repletas de generosos regalos, un alma plena que se derrama como una nube que riega amorosamente los campos.Verdaderamente uno se siente alegre de estar vivo para poder disfrutar, con los ojos de un niño, de una película tan maravillosa.

Los increíbles (2004) Brad Bird. Una película aparentemente de superhéroes pero que va mucho más allá, y como no podía ser de otra forma siendo obra de los estudios Pixar, es técnicamente prodigiosa. Un nuevo éxito de Pixar. Y van...

Polar express (2004) Robert Zemeckis. Uno de los mejores exponentes de la técnica motion capture, en la que actores reales interpretan las escenas conectados a multitud de sensores de movimiento, esta película adapta, maravillosamente, un clásico cuento navideño.

Creature comforts (2005) Richard Goleszowski. Esta serie de animación ha sido recopilada en dvd. Lo original de estas animaciones es que se entrevista a gente corriente sobre un tema, y las respuestas se ponen después en la piel de animales, murciélagos, arañas, perros, vacas... con lo que resulta muy divertida. Es una obra de la prestigiosa productora Aardman.-

::: cars, de John Lasseter (2006) El alma de los estudios Pixar es un hombre familiar, no sólo un enamorado de los coches y un nostálgico de la ruta 66, como demuestra en esta nueva joya de la animación digital contemporánea. Cars sigue deslumbrando con una perfección técnica impresionante, un ritmo trepidante en ocasiones, y una historia llena de buenos sentimientos y de personajes muy humanos, aunque aquí sólo aparezcan vehículos... Lasseter, después de haber revolucionado la animación digital, con una trayectoria merecidamente exitosa y -en mi opinión- haber dado su obra más perfecta con Los increíbles, ha querido rendir un homenaje al mundo del motor y los pueblos de la famosa ruta... a fin de cuentas su padre era del ramo, y Lasseter no deja de ser americano, y ya se sabe que la pasión de los americanos por los coches es enorme. Quizá porque en un país tan grande un coche es casi sinónimo de libertad. En pocas palabras, Cars es divertida, emocionante y con chispa, con diálogos graciosos, aunque quienes no sean fanáticos del mundo del motor quizá echen de menos a los juguetes y a los héroes de carne y hueso...

Monster house (2006) Gil Kenan. Una de las películas de animación que mayor partido han sacado de las posibilidades expresivas de las cámaras de captación de movimiento, en la que actores reales con trajes especiales de unos 70 sensores en el rostro y otros 80 en el resto del cuerpo, interpretan las escenas, sirviendo de esqueleto al resultado animado final. Aunque no es una película redonda, la historia es bastante original, tiene un tono realista (poco característico de la animación) en las caracterizaciones humanas, nada idealizadas. Quizá no es una película para todos los públicos, pero tiene buenos momentos.

Persépolis (2007) Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud. El ya clásico e imprescindible cómic de Marjane Satrapi (tampoco hay que olvidar su "Pollo con ciruelas") adquiere en su adaptación al cine de animación nuevamente la categoría de imprescindible. Se trata de una obra maestra, llena de la ternura, sinceridad, dignidad, sentido del humor, inteligencia y capacidad autocrítica (nada de cómoda autoindulgencia) de la autora iraní en colaboración con Vincent Paronnaud. Todo lo que pueda decirse será poco para hacer justicia a una obra tan grande, inmensa, maravillosa, sobrecogedora, vigorosa, terrible, poética, patética, vibrante, llena de vida por cada poro de fotograma que respira al compás de las vivencias de una superviviente. Una de esas razones por las que la vida y el cine valen tanto la pena.

Ratatouille (2007) Brad Bird. Es una maravilla de la animación contemporánea. Un manjar. Una película deliciosa, técnicamente muy lograda y con una historia humana (a pesar de tratarse de una rata cuyo sueño es ser un gran chef de cocina) que apuesta por el valor de intentar aquello que amamos. Reconozco que prefiero la animación tradicional, que me parece más cálida, pero ante algunas maravillas de la animación reciente, la verdad es que me alegro de que existan esas cosas digitales, programas informáticos y demás. Y además esta película es una declaración de amor a una bella ciudad: París.

Los mejores cortos de Pixar, volumen 1 (1984-2007) VV.AA. Este dvd es una recopilación que da la oportunidad de descubrir la evolución técnica y artística de la animación digital y los primeros trabajos de la ya casi legendaria productora, y disfrutar con pequeños clásicos como Luxo Jr., de 1986. Hay una breve historia de la compañía contada por los propios animadores, y la mayoría de cortos están comentados por sus propios creadores. Pequeña joya que además resulta muy divertida en ocasiones.

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Nocturna (2007) Víctor Maldonado y Adriá García. Bajo el subtítulo "una aventura mágica", esta película de animación recorre la noche, con sus susurros, sueños, sombras, despeinadoras... momentos de diversión, de miedo a lo desconocido, y algo del resplandor profundo y maravilloso de la luz que late en la oscuridad. Quizá le falta un poco más de oscuridad y menos brillo (es una noche muy clara) pero es ingeniosa y original.

Los Simpson. La película. (2007) David Silverman. La película de la longeva y ya mítica serie es entretenida aunque tampoco se eleva todo lo que podría. Sin embargo, la serie merecía entrar, de una vez por todas, en la historia del cine tras haberse hecho un hueco tan grande en la televisión mundial.

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Jesús Franco habla de Klaus Kinski

2008-09-18T15:13:00.000+02:00

Dejo enlace con una entrevista al director de culto Jesús Franco hablando del inolvidable actor Klaus Kinski.
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http://es.youtube.com/watch?v=7kiuPlWARjs
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Recientemente la cinemateca francesa homenajeó a Jesús Franco y realizó una selecta retrospectiva de su prolífica filmografía.
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http://www.cinematheque.fr/fr/nosactivites/projections/cycles-cinema/cycle/C174-jess-franco.htm?page=1&sceances_en_cours=&tri_alpha=asc&tri_chrono=
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